——そもそも、お2人はバーチャルYouTuberにどんな魅力を感じていますか？

TeddyLoid　僕はもともと、バーチャルおばあちゃんがすごく好きなんですよ。この人はゲーム実況などをやっている……人というか、おばあちゃんで（笑）。そういう面白い動画を観ることが多いですね。でも、やっぱりすごく嬉しかったのは、キズナアイちゃんがアーティストとしてデビューしてくれたことでした。彼女の番組は前からずっと観ていましたけど、当初はまさか音楽をやってくれるとは思っていなくて。しかも、実際の音楽もすごくいいので、彼女のミュージシャンとしてのポテンシャルの高さを感じているところです。

MATZ　僕もともと、バーチャルYouTuberの存在を知ったきっかけがキズナアイさんだったんです。僕らの世代はみんな暇があったらYouTuberの動画を観ているんですけど、そこに初めてバーチャルの女の子がやってきて、普通の人のように楽しく話していることに魅力を感じました。それに、「もし音楽をはじめるなら、エレクトロが合うだろうな」と思っていたら、デビュー曲の“Hello, Morning (Prod.Nor)”がまさにそのイメージに当てはまる曲で。今では好きなミュージシャンのひとりにもなっていますね。

——バーチャルYouTuberはCGやイラストのキャラクターでありながら、リアルタイムで視聴者の人たちとコミュニケーションが取れることが魅力的ですよね。

TeddyLoid　そうですね。これまでの二次元のコンテンツって、世に出る前に喋り方だったり、動き方だったり、表情だったりを編集しなければいけなくて。でも、キズナアイちゃんは、「存在自体がキズナアイちゃん」なんですよね。動画を観ていて、僕は彼女が生きているように感じるし、その存在感がそのままダイレクトに伝わるところがすごいと思います。

MATZ　バーチャルとリアルで次元は違いますけど、僕らと同じ時間を共有していて、コミュニケーションを取ることができて。そこにファンタジーを感じますし、同時に今の時代のテクノロジーが集約された存在だとも思うので、すごくワクワクしますよね。

——では、キズナアイちゃんの動画の中で好きなものというと？

TeddyLoid　僕はダントツで、HIKAKINくんとの“親分コラボ”（YouTuberの親分と呼ばれるHIKAKINと、VTuberの親分と呼ばれるキズナアイのコラボ動画）ですね。僕はHIKAKIN＆SEIKINの楽曲プロデュースもさせてもらっているので、今回キズナアイちゃんの楽曲のプロデュースもできて、その両方にかかわれたことがすごく嬉しいです。僕はあの親分コラボ動画がすごく好きだし、できればそこに混ざりたい（笑）。

MATZ　はははは。

——あの動画では、結構真面目な話もしていたんですよね。

TeddyLoid　そうそう！　「キズナアイちゃん、頭いいなぁ」と思って。あの動画を観て、僕の中でもだいぶ印象が変わりました。

MATZ　僕は「スナック愛」が一番好きですね。あのシリーズって、関西弁のバージョンもありますよね。それを仕事が終わったあとに、家でお酒を飲みながら楽しんで観るのが好きで（笑）。そういう楽しみ方をさせてもらっています。

——「スナック愛」は、もともと2017年に出た動画でしたが、今年復活しましたよね。

MATZ　あれはすごくいいです（笑）。

TeddyLoid　こんなイケメンが、「スナック愛」を観ながら……。

MATZ　ひとり酒ですよ（笑）。

TeddyLoid　今度、僕がそこに混ざるのもいいかも。

MATZ　ぜひお願いします！

——「A.I.Games」でのゲーム実況も面白いですよね。キズナアイちゃんはスーパーAIなのに、ゲームがあまり上手くなくて。

TeddyLoid　でも、それがいいんですよね。僕、ゲーム実況動画を観ていて、完全に「（スーパーAIに）勝てるな……！」と思いましたもん。

MATZ　（笑）。

TeddyLoid　でも、それがキズナアイちゃんの個性に繋がっているというか。

——やっぱり、同じ時代を生きている、ひとりのキャラクターだということで。

TeddyLoid　実際、僕の中ではバーチャルYouTuberというよりも、むしろ実在する人物に近いイメージなんです。しかも、今はアーティストでもあって、そういう意味でも共感していて。

MATZ　僕もTeddyさんと同じで、キャラクターでもなくて、キズナアイさんという、この時代に本当に存在する人物のように感じます。だから、細かい仕草や表情、喋り方も、ひとりの人としていいなぁと思うんですよ。

——そして、そんなキズナアイから、今回2人に楽曲制作のオファーが来ることになったのですね。

TeddyLoid　　これはすごく嬉しかったです。最初にお話をいただいたときに、「feat. HIKAKINにしたいな」とか、色んなアイディアが出てきて（笑）。あとは、僕がやるなら思いきりEDMにして、これまで彼女が見せてこなかった表情を引き出せたら、とも思っていました。

——Teddyさんがプロデュースを担当した“melty world”までは、バキバキのEDMというよりも「kawaii futurebass」が中心でしたよね。一方で“melty world”は、《Put your hands up now》という歌詞も含めて、ライブの風景が想像できる曲になっていると思いました。

TeddyLoid　　そうですね。僕の場合は超王道の、スタジアムでかかるようなEDMを作りたかったんです。それから、キズナアイちゃんが考えた歌詞と同じように、彼女がみんなを新しい扉の先、新しい世界へ誘うような曲にしたいとも思っていました。だから、これまでの曲とは全然違うジャンルにしていますし、後半では声を思いきり切り刻んでいて。一緒にライブをするのが今から楽しみです。MATZがプロデュースした“hello, alone”は取材の時点ではまだ配信されていなくて聴けていないけど、どんな感じになってるの？

MATZ　アイちゃんは今ここに存在していても、次元が違うので、同じ次元で直接会うことはできないじゃないですか。僕の場合はその「切なさ」「儚さ」や、「今の技術を集約した細かいニュアンスや、喜怒哀楽が出せる存在でもある」ということを意識して、曲を考えました。それで、「発展した技術が生み出す繊細な表現」を意識して、曲を作っていったんです。

——MATZさんの“hello, alone”は、タイトルにデビュー曲の“Hello, Morning”との繋がりを感じますし、そのうえでちょっと切ない感情や、キズナアイちゃんのこれからへの気持ちのようなものが伝わるような楽曲になっていますね。

MATZ　実際にボーカル面では、キズナアイさんに細かい感情を表現するように歌ってもらいました。歌詞はアイちゃんがバーチャルYouTuberを引っ張ってやっていくぞ、という気持ちが感じられるものになっていて、その思いの込めかたもらしさがすごくあって。実は僕もタイトルが“hello, alone”に決まったときに“Hello, Morning”との繋がりを感じて、ここから「Hello」シリーズが「２部作」「３部作」と増えていってくれたらな、と勝手に思っていました。歌ってもらうとき、キーがいつもより高いので「大丈夫かな？」と思っていたんですけど、それも見事に歌い上げてくれて。歌手としてのポテンシャルがすごく高いと思いました。

——TeddyLoidさん、MATZさんの楽曲はそれぞれ、キズナアイの新しい表情が見えるような楽曲になっている印象ですね。

MATZ　僕たちの場合、もともとフューチャーベースではない、「128～130ぐらいのEDMを作ってほしい」という発注を受けていたんです。実際に一緒に曲を作らせてもらって、「こういうトラックに歌が乗ることで、また違った個性が出ているなぁ」と思いました。

TeddyLoid　いい意味で、「僕らもフューチャーベース勢に負けたくない！」とも思っていましたね。

——一緒に曲を作った人たちから見て、キズナアイちゃんのアーティストとしての魅力はどんなところにあると思いますか？

MATZ　もう、魅力がありまくりですよ。

TeddyLoid　本当にそうだよね。僕が特に思ったのは、やっぱり「声がいい」ということですね。僕はオートチューンマニアなんで、「オートチューンがかかっている声じゃないと駄目」みたいなところがあるんですけど（笑）。キズナアイちゃんの声はそのままでもすごく心地いんです。曲を作っているときは声を何百回も聴くんですけど、その作業も心地よくて。

MATZ　キズナアイさんの声って、ずっと聴いていても全然疲れないですよね。僕も曲を作るときは何回も繰り返し声を聴くんですけど、聴くたびに元気になっていく感覚でした。

TeddyLoid　その声のよさというのが、バーチャルYouTuberとしての活躍にも繋がっているように感じます。だから、他にも色んな曲ができそう。バラードを歌ってもらっても合いそうですし。

MATZ　聴きたいですよね。そもそも、アイちゃんはシンガーとしてもピッチがめちゃくちゃいいんですよ。

TeddyLoid　そうそう。それに、僕らが考えたメロディを、自分で考えた歌詞と一緒にいい形で表現してくれていて、お互いのポテンシャルを引き出し合えたような作業でした。

MATZ　最初のオーダーとして、「ループを主体にした洋楽ポップスっぽい曲にしてほしい」とも言われたんですけど、キズナアイさんは同じループの中でも色々な歌い方ができるので、繰り返すことに意味がある、ちゃんと曲のメッセージが伝わるような曲になったと思います。

——歌詞を自分でも考えている、というのも大きな魅力ですよね。

TeddyLoid　自分で思いを発信しているんですよね。

MATZ　詞から思いが伝わってきたので、僕らがプロデュースするというよりも、むしろ一緒にコラボレーションをしているような感覚でした。

——制作中、特に印象に残っていることはありますか？

TeddyLoid　“melty world”では《Put your hands up now》というパートの声のバリエーションをたくさん録らせてもらったので、それを思いきり切り刻んで、新しいフレーズにしていったことが楽しかったです。

MATZ　“melty world”は曲調もメロディも、聴いたときに一発でTeddyさんだと分かる感じになっていて、「やっぱり流石だな」と思いました。

TeddyLoid　嬉しい。そのまま声を乗せるだけじゃなく、色々エディットしてみたんです。

MATZ

TeddyLoid　それもう、ただのファンだよね（笑）。

MATZ　「ええなぁ」って（笑）。だから、やっぱりすごくいい声だと思うんですよ。

TeddyLoid　アイディアが湧き出る声というか。そういう魅力がありますよね。

——MATZさんは制作中、煮詰まったときにアイちゃんの動画を観たりもしたそうですね。

MATZ　はい。トラックメイカーの人はやる人が多いと思うんですけど、僕は作業が煮詰まったときに、YouTubeで音楽とは関係ない動画を観たりするんですよ。

TeddyLoid　それは僕も分かる。でも、キズナアイちゃんの曲を作っているときに、キズナアイちゃんの動画を観るって……なんか贅沢だね。

MATZ　それで叱咤激励された気持ちになって、「さぁ頑張ろう！」と作業を進めていきました。「スナック愛」を観るのは終わってからです。ダレちゃうんで（笑）。

——12月29日（土）と30日（日）には、それぞれ東京と大阪で初のワンマンライブ＜Kizuna AI 1st Live “hello, world”＞も開催されますね。

MATZ　僕が東京公演に出て、Teddyさんが大阪公演に出るんですよね。

——当日はどんなことを楽しみにしていますか？

TeddyLoid　まだどんな内容になるかは分からないですけど、“melty world”は曲を作っている時点でも、＜ULTRA＞やフェスでの自分のDJのときにかけて、キズナアイちゃんが乗り込んできたら楽しそうだな、と思っていたんですよ。だから、ライブはすごく楽しみです。

MATZ　僕もTeddyさんと同じようにスタジアムでやるような雰囲気を想像して曲を作っていたので、当日がすごく楽しみです。

TeddyLoid　東京と大阪で、それぞれ盛り上げられたら嬉しいですね。

——またキズナアイとコラボレーションできるとしたら、やってみたいことは？

TeddyLoid　今回は僕が曲を作って、MATZが曲を作ってという感じでしたけど、次は曲作りの段階から、自分とMATZと２人で曲を作っても面白そうですね。最近は海外だと、ひとつの曲に複数のプロデューサーがかかわるコライトが一般的になっていますし。

MATZ　今はほとんどその形ですよね。それは面白そう！　あとは最近、ダンス・ミュージックを作っている人でも、「バーチャル空間に行きたい」「自分もバーチャルYouTuberになりたい」と言っている人が多くて。だから、僕らがバーチャル空間に行って、リアルタイムで曲を作っても楽しそうです。

TeddyLoid　それも面白そう。さらにイケメンになるわけだ、バーチャル空間では。

MATZ　　どういうことですか（笑）。

TeddyLoid　（笑）。あとは、「feat. HIKAKINくん」での親分コラボで曲を作ってみたいですね。やっぱり「W親分コラボ」で！

——2018年はバーチャルYouTuberが広く認知されはじめた年になったと思います。これから、バーチャルYouTuberのみなさんにはどんな活躍を期待していますか？

TeddyLoid　今回キズナアイちゃんがミュージシャンと一緒に曲を作れたことがすごく楽しかったですけど、音楽以外だと俳優や女優になれる可能性もありますよね。実際、僕はバーチャルYouTuberのみなさんが映画やドラマにも出てくれるようになると思っているので、そのときには主題歌を担当させてもらえたらいいな、と勝手に思ったりしています。

MATZ　女優や俳優業、すごく面白そうですね。表情もすごく伝わりますし。めっちゃ観たい。

TeddyLoid　学校の授業でキズナアイちゃんが出てきてくれたら、すごくいいと思うんですよ。学生の人たちには彼女のファンもすごく多いだろうし、みんな喜びそう。

MATZ　寝てたら怒られるわけですね（笑）。

TeddyLoid　そうそう。チョークが飛んでくる。

——次元を超えてチョークが飛んでくる、と（笑）。

TeddyLoid　可能性は無限大ですよね。

——これからますます身近な存在になってくれたら、とても楽しくなりそうですね。

TeddyLoid　本当にそうですね。

——2人が思うキズナアイちゃんの魅力とは、どういうものだと思いますか？

TeddyLoid　やっぱりそれは、何を言っても、何を話しても、人の心を掴んでしまうところなんだと思います。一緒に曲を作らせてもらっていても、動画を観ていても、僕自身すごくそういう魅力を感じます。

MATZ　見た目も最新の技術が集結したものになっていてすごいですけど、それだけじゃなくて、中身もバーチャルYouTuberを代表できる人なんだと思います。Teddyさんも言うように、人を惹きつける力がすごいというか。そういう魅力を持っている人ですよね。バーチャルYouTuberの代表として、これからも突き進んでいってもらいたいです。

TeddyLoid　彼女を中心に、どんどんバーチャルYouTuberの輪を広げていってほしいです。そしていつか、バーチャルYouTuber全体のテーマソングが生まれても楽しそう。バーチャルYouTuberの合唱曲というか（笑）。

——“We Are the World”のようなイメージですか？

MATZ　バーチャルYouTuberだけの“We Are the World”！　それ、すごく聴いてみたいです（笑）。

すでにQetic誌上でアパレルブランド「UNFOLLOW」とのコラボレーション・ムービーを公開するなど、インディペンデントな音楽ユニットとしては稀有な形で、カルチャー全方位的な側面を見せているcitrusplus。未だ謎な部分も多い彼らだが、今回、初めてメンバーのヨロズユイ（Vo）、藤牧宗太郎（DJ/Key）、森惇平（VJ/Dr）にインタビューを敢行した。

“didn’t exist.” Vol.1 with『UNFOLLOW』LOOK1 “off to”

ダンサブルなフューチャーポップユニットとして、12月に3タイトルの楽曲を連続リリースするというユニークな手法をとり、続いてコンテンポラリーダンサーの水村里奈をフィーチャーしている１stシングル「fall」のミュージックビデオも配信。このビデオのディレクターは、これまで主に大手クライアントの広告を手がけてきた株式会社エレファントストーンのセクションであるフィルムメイキングチーム/メディアの「bacter」を束ねる山部哲也だ。

citrusplusメンバーから映像のメインイメージを提起し、シナリオやロケ地、カメラワークはbacterが担当するという、一つの楽曲＝テーマを元にしたチームでの制作と言える新しい手法によって、アイデア一発のローコストなMVとは一線を画すクオリティを実現している。正直、ライブハウスに複数で出演する規模感の音楽ユニットがなぜこうしたクオリティを担保できるのか。citrusplusの戦略とはなんなのか。いや、もっと言えばcitrusplusとはなんなのか？

今、欲しいけれどないものは自分たちで作るしかない。しかも自分たちだけで作らなければならないわけじゃない。そのことをcitrusplusと山部哲也のクリエイティブの作り方から読み解く。

——まずcitrusplusとはなんぞや？というところから伺っていくんですが、DJとVJとボーカルというトリオで、あからさまに人物が特定できない、この方針はどういうところから？

藤牧　最初はスタジオでの遊びから始まってるんですけど、自分が打ち込みをやってて、彼（森）が映像をやっててというところで、そもそもバンドとしてやるというよりは、「何か作ってみたい」というところから始まったんです。だから逆に楽器を使おうという発想にならずに、パソコンとかVJ機材を使って、どこでもライブできるとか、ネットで発信できるという方向で今の形になったところはありますね。

——音楽が真ん中にあるけど、最初から見せ方を考えていたと。そこにはカルチャー的な背景があるんですか？

森　そうですね。僕がファッションが好きで、今、仕事でもファッションメディアにいるんですけど、ファッションの映像とかーーちょっと僕個人的なところになっちゃうんですけど、ファッションのスチールだったり、言葉の使い方だったりが「いいな」と思っていて。耳で聴くものなんですけど、やっぱり聴覚と視覚でいうと視覚からくるものもすごく大事かなと思って。そこでいいと思ったものを聴くっていう時代になって来てるのかなと。逆転してるような時代なんで、そうなった時に「いいな」と思って貰えるものは音だけじゃなくて、作ってる人誰かな？っていうのも僕は思うので、そこは意識してますね。

——視覚的要素も込みでcitrusplusというブランドを信用してもらう？

森　そうですね。ブランドだと思ってます。

——なるほど。歌の部分ではどうですか？いわゆるシンガーソングライターでもバンドでもないスタイルだと思うんですが。

ヨロズユイ（以下、ヨロズ）　そうですね。自分があまり「歌！歌！」というような主張をするというよりは、今二人が言ったように、総合的な供給であるべきというか。需要が総合的なライフスタイルみたいなものとか、カルチャーとか、そういうものになりつつあるというか。歌に関してはその一要素だと、このユニットに関しては思っています。

——エレクトロミュージックでありつつ、すごくポップミュージックでもあり、割と歌詞がふんわり聴こえてくる曲もあれば、今回の「fall」みたいに明快に聴こえる曲もあるという。その辺はどういう割合で考えているんですか？

藤牧　ジャンルレスに行こうっていうのはあって。カルチャー系の人達に刺さるような中でジャンルレスで行くっていうのは考えていて。それぞれ好きな曲の背景も違ったりするんですね。僕は結構、歌謡曲とかポップスが好きで、で、森は……。

森　エレクトロの中でもヨーロッパのドイツとか重いテイストが好きで。だけどポップスも聴いてたりしてて、ヨロズはなんだろね？　面白いよね。

ヨロズ　多岐に渡りますね。パンクが元々好きだったりとか（笑）。それこそ演歌も好きだったりします。

——これは勝手なイメージですけど、citrusplusはタイトルがあってそこから曲ができるのかな？と思ったり。

藤牧　ああ。

森　結論から言っちゃうと実はそうじゃないです、実際の作り方は。だけど、そう感じてもらえたのはやってる者からするといいことかなと思って。そういう風に思ってもらえるようにビジュアルとかすごいこだわってたりするんですね。だけど実際はやりたい音楽をやってるんですけど。

ヨロズ　藤牧がゼロイチでトラックを生んでくれて、それを叩いて叩いて、100とか120とかにしていって、自分が言葉乗せてっていう中でいうと、おっしゃっていただいた「タイトルから考えてるんじゃないか？」っていうのは嬉しくて。いかにそれに適切なラベリングをするかっていうのが私の最後の仕事、っていうような認識でいるので。

——「surface」とか「fall」「melt」っていう物質の入った瓶が並ぶみたいな。

3人　あー

ヨロズ　嬉しい。それはまさに狙いたいところかもしれないです。

——それって例えばアパレルだと、シーズンごとのテーマや実際のプロダクトだったりするイメージなのかな？と。

森　はい。そういうことで考えると、曲ごとにグッズとかあってもいいのかなとか、そういうこともやっていきたいなと思いますね。

——今って音楽を聴くきっかけが、どこから入ってくるか選択肢や導線が多い時代じゃないですか。

藤牧　そうですね。ある程度コンセプチュアルであって、ちゃんとブランドは意識しながらも、とっつきにくいものにはしたくないと思ってて。やっぱりシーンから離れた友達も「あ、いいね」って音だったり、ライブに行きたいって思えるような、そういうところは絶対忘れないようにして行きたい。それとブランド感の両立はこれから挑戦して行きたいですね。意外とそこをやり切れてるアーティストは少ないかな？と思うので、そこで突出したいなと思ってます。

森　よく売れてから何々のブランドさんとコラボしましたっていうのは多いなと思っていて。売れてないからといって別にコラボしちゃいけないってことはなくて、その前から全然できるコラボはするべきだと思っていて。ちっちゃいからこそ少しでも波を起こしていかないといけないんだなっていう意識はあります。

藤牧　結構それはユニットの中でも刺激になりますね。「その話取って来てくれたんだ、自分も頑張らなきゃ」みたいな、そういった作用はあります。

——考えてみたら一人1部署みたいなもんですもんね。

森　（笑）。「口、耳、目」みたいな話ですけど、責任持ってクオリティを高く届けようと思ってますね。

——しばしcitrusplus概論みたいな話をお聞きしましたが、そういう風に活動してる彼らの音楽や活動の仕方を山部さんはどういう風に見てらっしゃいますか？

山部哲也（以下、山部）　最初に「fall」って曲を聴かせてもらった時に、視覚的な音楽だなっていう風に聴覚的に感じたというか。いろんな曲の音で色だったり空間みたいなものが頭に浮かぶなぁって印象を受けて。実際お会いしてそれぞれが分業されていて、現代的だなって印象は受けましたね。それこそ多様化してる現代において、ユニット内で多様な面を持ってる人たちがいるユニットなんだなと思ったので、いろんな意味で今っぽいなと。

——実際に今回の「fall」のミュージックビデオを作ることになった経緯はどういうところなんですか？

藤牧　また僕らの話になっちゃうんですけど、音楽ユニットでもあるけど、総合的な表現を担うユニットだなと思っていて。なので影の存在ではなくPRスタッフも前に出ていたり、ビデオグラファーもどんどん前に出すようなスタンスのユニットなんですね。それでビデオグラファーが映像の勉強をするために、山部さんの会社のエレファントストーンさんでアルバイトとして働いていて。その時に映像を作りたいと僕らが言った時に、ビデオグラファーが「ボスがめちゃくちゃかっこいい映像作るから」と。で、山部さんとお話しして、めっちゃセンスあるなと思ってお願いすることになりました。

——会社名の「エレファントストーン」に反応してしまいました（笑）。みなさん音楽が好きな方が多いんですか？

山部　多いです。社長がそれこそストーン・ローゼズが好きで。たまたま会社の名前何にしよう？　ってことで出てきた会社名なんです。

——やはり。これまでは主に広告を？

山部　広告が多いですね。なので、今回のアプローチの仕方も、制作過程というのも曲を聴いた上であって、何度かヒアリングをしました。3回くらいしまして、「どういうイメージ？何がしたいの？」っていうのは掘り下げた上で作って行った感じですね。割と詰め方としては仕事の感覚と近かったのかなと思うんです。アプローチとしてはその中で具体的なイメージを掘り下げていって、それで出てきたのが水中だったりとか、ダンス・モデルの方の資質もあるんですけど、そういったところから作って行った感じですね。

——キーワードみたいなものはあったんですか？

森　それは逆に山部さんが導いてくれたような（笑）。

——水だったり？

森 あと暗いとか重いとかっていうようなワードはありつつみたいなところですかね。

藤牧 どちらかというと、なんか水中と踊るぐらいしかなくて、それを広げてくださって。

山部　抽象度の高い会話を拾って。

——そこであまり具体的になると制限が生まれますからね。でも不思議と歌詞の世界ともリンクしていますね。

ヨロズ　大体の解釈が共鳴するものだったので、信頼してお任せして。打ち合わせの時に「わかってくださってるなぁ」みたいな感じがすごいあって。すごい嬉しかった。

藤牧　ちなみにメンバーの僕らが聞いてもはっきりした回答返ってこないんです。

ヨロズ　ああ、私のことね？

藤牧　結構、こういうことをこう考えてますよというより、世界観が強かったりするので、それを導き出して映像に落とし込めるのはすごいなと。

山部　何百回か聴かせてもらって（笑）。

ヨロズ　うなされてたりして（笑）。

——（笑）。水村里奈さんが普通に夜の街の中で踊るシーンがメインですが、夜に全く人がいない時の自由さが伝わってきました。シナリオやロケ地など具体的なことは山部さんが詰めていったんですか？

山部　そうですね。ロケ地はご提案してみたいな感じで、「ここで撮ったらいいと思います」とか。カメラワークに関しては結構、こっち主導でやらせてもらってた部分があったんですけど。手持ち感というか、ドキドキ感みたいなものが出せるのかなと思って、そういう風な撮り方をしていますね。

EVENT INFORMATION

QETINIGHTYOUNG ＃Clamping Force

2018.12.26（水） 
OPEN 19:00｜CLOSE 24:00 
EBISU BATICA

Entrance Door ¥2,000
 Discount（¥500 off）→Follow “Qetic SNS Acount”

Main Floor 
YOSA&TAAR 
illmore 
内田珠鈴 
citrusplus 
age（GATO）

Lounge
 MARBLE CREW（トドクロ×Sharkboy×亀田模型）
 rice water groove -floor live-
 マザーファッ子 
HARU
 Chibichael 
EITA（KEWL） 
DJ XVIDEO（JUSTICE inc.） 
redeyes
 Qetic Crew（Yuuzirou Nakamoto ＆ Norio Maeda）

詳細はこちら

――以前に本誌の記事で、インタビュアーは私ではなかったのですが、一度HAPPY BIRTHDAYというバンドのドラマーとして、ソニー・ミュージックからメジャー・デビューし、解散したのちにあっこゴリラとしての活動を始め、また再び古巣ソニー・ミュージックからレコードを出すに至った経緯について話をお伺いしました。そこには掲載されていなかったことで聞きたいことがあるんです。なぜバンドのドラマーがラップという表現を選んだのでしょうか？

そこは衝動ですね。言葉で説明できるようなきっかっけや経緯があるわけではなく、ノリで体が先に動いちゃった感じです。

――では、当時またバンドをやるとかバンドに入るという選択肢もあったのでしょうか。

いえ、まったくなかったです。HAPPY BIRTHDAYは、ギター・ボーカルのきさが曲も歌詞も全部作っていて、私はドラムを叩くだけの二人組だったから、私が勝手に居場所がない、才能がないって思い込んでた部分があったんです。

――だから、自分がイニシアチブを持って音楽をするときに、バンドではなかったと。

そんなの絶対に無理だと思ってました。自分のことすら認められてないのに、メンバーを集めて引っ張ていくなんて、とんでもない。歌をうたうってこともそうですね。

――でもラップならできる、ということですか？

なぜでしょうね。自信ないのに、衝動は抑えられない、という相反するエネルギーをもっているので、苦労しました（笑）。ヒップホップ・カルチャーのことも当時はあまり知らなかったし「やべえ、やっちゃった……」ってあとで気が付いたくらい。でも4年間本気でラップをしてきたら、自分のことも、音楽との向き合い方も、人との向き合い方も、大きく変わりました。結果ヒップホップに救われた人生です。そんな自分の音楽が、今いろんな人たちに聴いてもらえてるのが嬉しいし、まさかここにきてライブでバンドまで率いるようになるなんて。

――でも、今は勢いのままその延長線上ではないですよね？トラックやフロウからは、ヒップホップ・カルチャーのことやオルタナティブという概念、パンクなどの文脈を踏まえていないとできないであろう要素も多く含まれているように思いますが、そこはいかがでしょう？ヒップホップについては、前のインタビューで、ソロとして動き出したあとに、オールドスクールから学んだとおっしゃっていましたが。

ヒップホップに関しては、オールドスクールから勉強もしたけど、結果出会った人や人生からヒップホップを学び、知っていったかんじです。オルタナっぽい空気に関しては、HAPPY BIRTHDAYはすごくポップなバンドだったし、その時代だけを切り取るとイメージできないかもしれないんですけど、その前は nisennenmondaiやBOREDOMSが好きで、ライブにも行きまくってたんです。

――そこからなぜHAPPY BIRTHDAYを結成したのですか？

きさとはライブハウスで出会って、音楽的にどうこうというよりは、バイブスが合うからやろうぜって。でも、私はの趣味はそんな感じだったから、歌を殺すドラムしか叩けなかった。「8ビートとかつまんねえ」って舐めてましたし。いかに手数を増やすか、みたいな。

――nisennenmondaiやBOREDOMSからの影響を、そのままポップな歌が前にある曲に持ってきたらそうなりますよね。

「これじゃあバンド崩壊するわ」って思ったから、8ビートからちゃんと勉強したんです。“タカトン”なのか“タカトコ”なのか、それだけに命をかけて丁寧に。でも正直そこでストレスが溜まって爆発したのかもしれない。それは今やってる音楽のリズムにも表れてるように思いますし、おっしゃったようなオルタナっぽさに繋がっているのかなと。

――全体的にリズムやサウンド、メロディにも、エキゾッチックなムードが漂ってるじゃないですか。それはどこからきてるんですか？

そこはM.I.Aの影響ですね。あの土着的な感じや、圧倒的にオリジナルなんだけどポップな曲の数々にはやられましたね。衝撃的でした。

――言葉についてはどうですか？　大雑把な言い方にはなりますが、多くの曲が固定概念や同調圧力みたいなものに対して、自分の足で歩くことの大切さを、言葉や音にして表現されている。

その通りだと思います。昔は、周りと違うことがダメだと言われると、私はそういうダメな人間なんだって思ってたんです。ずっと視野が狭かった。でも、そういうマインドだと曲なんて作れない。ただ、何かを表現したいっていう想いはどこかにずっとあったから、これまたそこで溜まりに溜まったストレスが爆発して、パンクになっているように思います。

――今回リリースされる初のアルバム『GRRRLISM』も、タイトルからしてパンクです。

そうですね。見たまま＜Riot Grrr＞へのオマージュと、普通に「GIRL」と「ISM」を合わせただけの言葉から連想される、”女の子代表”というイメージを超えていきたくて、スペルを変えました。あとは、動物が吠えているようにも見えるし、いい感じだなって。

――「“女の子代表”というイメージを超えていきたい」とおっしゃったことついて。タイトルの元ネタにもなった＜Riot Grrrl＞という女性パンク・バンドたちが起こしたムーヴメントは、抑圧された女性の目線からの強い主張であって、女性以外に排他的なものではないですし、人間レベルで差別はいけないという、普通のことを言ってるだけでもある。しかし、悲しい話ですが当時も今もそこが伝わりきらず、という現実があります。

私の言いたいことは、まさにすべてのジェンダー、年齢、国籍、あらゆる物事に繋がってるんです。伝えたいのはそこだから、ほんとうは限定的に女の子を指してると思われないような、もっと適切な言葉があるんじゃないかって、すごく考えたんですけどね。でも、女の子はこうあるべきと縛るものがある以上、まずは、そこを超えたところで話がしたい。だから「GIRL」を「GRRRL」にしたんです。

――一言でいうのもなんですけど、女はしおらしく。おかしな話です。

だから、いきなりぶっ飛んだこと言って伝わらないのも嫌ですし、言いたいこともやりたいことも、すでに3枚分くらいあるから、まず「GRRRL」からスタートすることにしました。

――曲の流れがいいですね。既発曲も入れ込みながら、アルバムとしての完成度が高い。

すでにリリースしていた曲のなかで、ここまでで話したようなテーマにハマる“ゲリラ”と“ウルトラジェンダー”は入れたかったんです。で、そこからほかにどういう曲を入れていくか、最初の段階で骨組みを作って、アルバとしていいものにしようとしました。

――6曲目に入っている“開戦前夜”がひとつの大きなポイントになっているんじゃないかと。レイドバックした曲調で、その前後に二つのドラマがある。前後半、言ってることに統一感はありながら、聴こえ方や見える景色が違うんで、飽きずにじっくり向き合えるんですよね。

“開戦前夜”は完全に自己否定マックスの自分に向かって言ってる曲で、0から踏み出して1になるようなイメージなんです。9月にシングルで出して、このアルバムにも入ってる“エビバディBO”みたいに、〈脇毛生やしたいなら生やそうぜ自由だぜ〉ってメッセージもいいんですけど、それって自己否定マックスの自分にはまだハードルが高いというか。だから今回は、当時の自分に響く言葉と音を探すことに比重を置いた部分もあって、その象徴と言える曲ですね。

――前半はまさにパンクでオルタナなあっこゴリラが炸裂します。

前半の5曲は、音楽的に私にとってのコアな部分というか。例えば、1曲目の“100%AKKOGORILLA”だと、トラックメイカーの食品まつりさんとは相性ばっちりで、私が根っこに持ってる攻撃的な部分と密接な感覚を持っているから、バイレ・ファンキまではいってないけど攻めてる、そんな絶妙なところを突いていてくれてる。3曲目の“エビバディBO”や4曲目の“グランマ”を一緒に作ってくれたgrooveman Spotさんもそうで、私のことをほんとうによく分かってくれてます。

――そういった前半のスリリングな刺激から、6曲目の“開戦前夜”があって、後半はフィーチャリング・ゲストを迎えた曲を中心に自由で開放的な空気になる。捉え方によっては後半の方がポップですよね。

確かにそうかも。前半は「これがあっこゴリラです」っていう私の得意な球を真っすぐ投げた。でも、ポップな後半のほうが裸になっているような気もします。

――前半の曲は、まさに服をビリビリ破いて脱いだその瞬間。後半はすでに裸のあっこゴリラさんが自由に楽しんでる感じ、しません？　すごく自由度が高い。

ああ。なるほど！

――コラボ曲だと、今回のアルバムで解禁になった曲が2曲。まずはTempalayを迎えた“THIS IS ME”から話を聞かせてもらえますか？　Tempalayらしいサイケデリックなサウンドと、あっこゴリラさんらしさの混ざり具合がもう自由すぎて、実に面白い。

カオスですよね。お互い譲らない感じが良かったなと。

――間奏とか。

いきなり違う曲が始まる、みたいな。この曲、実はすごく大変でした。いつもはテーマとか曲調とか、イメージがあってトラックメイカーの人たちに、「だからあなたの力が欲しい」って依頼して、阿吽の呼吸で作っていくんですけど、Tempalayはバンドだからそうやって外部の人と曲を作ることもあまりないだろうし、私もバンドと1曲を作ることってないから、そこのコミュニケーションが難しかったんです。

――セッションしながら作ったんですか？

いえ。綾斗くん（小原 綾斗）に、「（曲のイメージが）見えたほうがいい」言われて、「THIS IS ME」というタイトルやリリックの内容、「色はレインボーで」とか、とにかく自分なりにいっぱい説明しました。で、デモが返ってきて、メロディーは私が作ったものに置き換えて、綾斗くんのデモの段階ではサビだった部分が間奏になって。

――それでおっしゃったようなカオスに。

私も感覚的だけど綾斗くんはもっと感覚的な人で、お互いばらばらで通じないところが入り混じったり、かたやThe White Stripesとかゆらゆら帝国とか、ルーツが近い部分もあるから、そこで重なったり。で、夏樹くん（藤本夏樹）とAAAMYYYちゃんは、個性を発揮しながらうまくバランサーにもなってくれた。そんな感じで、お互いが置きにいかなかったのが良かったなって、思います。

――もう1曲は04 limited sazabys・GENさんとの“GOOD VIBRATIONS”。バンドマンとして、メロディック・パンクをやってるGENさんのイメージしかない人は、こういうゆったりとした打ち込みのポップソングに、意外性を感じるかもしれませんね。

私はGENがいろんな音楽を聴くのを知ってるし、むしろフォーリミのGENのほうが後追いで、感覚としてはフォーリミの人ではなくて、めちゃくちゃいい友達なんです。そこで、この曲を誰か一緒にやりたいなって思った瞬間「これはGENじゃね？」って思いました。だから、バンドとはまた違うんだけど、これはこれで彼の素が出てるんじゃないかと、思います。

――既発曲をアルバム用にリミックスした向井太一さんとの“ゲリラ”、永原真夏さんとの“ウルトラジェンダー”と、迎えるメンバーの出自の幅も、あっこゴリラさんならではで魅力的です。

GENみたいに、曲がほぼ完成している状態でお願いするパターンもあるし、「ふだんやってることとはぜんぜん違うだろうけど、一緒に作ってみない？」って声をかけることもあるんですけど、ようるすに「せっかく同じ時代に生きてるんだからやってみうようぜ、楽しいじゃん」ってことで、思い浮かんだ人はけっこう躊躇なくサラッと誘っちゃうんです。向井太一とかはまさにそんな感じで。

――“ゲリラ”はあっこゴリラさんにとって、大きな曲だと思うんですけど、いかがですか？

そうですね。いちばん多くの人に知ってもらってる曲ですし、私の思う『GRRRLISM』にも合ってたんで、入れたいなって。今回、音楽という角度からのリリックで、作品のテーマにせまっているのはこの曲だけなんですよね。「文脈も最高なんだけど、子供の頃に換気扇から聴こえた音とか最高じゃね」って。ヤバいものはヤバい！

――「ゲリラ」という言葉の使い方の妙があって、メロディーがキャッチーでダイレクトに入ってくるポップな魅力もありつつ、いろんな要素の組み合わせが個性的。すごいタイミングで「向井太一、歌うま！」、みたいな。

わかる！　私が入るとオルタナ色強くなっちゃうし、向井太一とやるなら、もうちょっとストレートに彼の歌を活かすようなメロディーとか展開になりそうなものを、ある意味いびつですよね。

――そういう独自の折衷感覚が癖になるんですよね。あっこゴリラさんとトラックメイカーの方々、そしてゲストのみなさん、このチームだからこそ成せる業。これって、Tempalayとの作曲とレコーディングについては話していただきましたけど、基本的にどこまで狙ってるんですか？

ほぼ完全に感覚ですね。だから綿密にやれちゃう人がすごいなって、思います。地味に嫌いなコード進行とかはありますけど。

――なるほど。まだまだこれからどんな曲が飛び出してくるのか、楽しみです。

さっき「やりたいことは3枚分くらいある」って言いましたけど、ほんとに山ほどあるんで、それを同じ時代を生きている人たちと、ラフに組んでどんどん作っていきたいですね。

Huit Etoiles　今回2回目の来日ですね。

Moscoman　昨年日本に訪れて夢が叶ったよ。日本に入国する一ヶ月以上前から地元を離れていたけど、想像していた以上に日本滞在は最高のものだった。それ以来、東京に戻って再びVENTでプレイすることを考えていたんだ。VENTでのプレイは2017年のDJ活動の中のハイライトの一つで、再び＜Huit Etoiles＞クルーに会えることも最高だね！

Huit Etoiles　今回の日本滞在中にあなたが行ってみたい観光スポットなどあれば教えてください。

Moscoman　日本が大好きだよ。すべてが魅力的で興味深い。最初はただ単に外国だからかと思ったけど、いろんな他の文化の国を滞在してみて、日本の文化は私にとって何かとても大きなものだと気付いたよ。今回は私の大好きな、食事、音楽、仲間との時間を費やしたい。普段から肉は食べないけど、大抵の日本食は好きで、特に蕎麦と鰻だね。日本の文化は東京と郊外でのジャズのセッション、レコードバー、そして”生きがい”という人生のあり方は魅力的だよ。

Huit Etoiles　ありがとうございます。では、本題に入りましょう。音楽の話を聞かせてください。あなたがDJを始めたきっかけを教えて下さい。

Moscoman　DJはかなり若いことから始めていたんだ。趣味としては16歳くらいからかな。プロとしてのDJ活動はこの12年くらい。エレクトロニック・ミュージックを始めたのは結構遅かった。当時はすでに28歳だったけど、なにか新しいことを始めるのに遅いなんてことはないね。

Huit Etoiles　あなたの音楽やレーベルからは中東色はもちろんのこと、ジャズやロックやフォーク、トランスなどの要素を感じる事が出来ますよね、そのバックグラウンドはなんだったのですか？

Moscoman　自分が毎日聴いているもの。だからそれらがアウトプットとなって自分の音楽になる。レーベルにも同じことが言える。好きな音楽のみをリリースしているんだ。これらの音楽は、人生の一部だと思ってるよ。

Huit Etoiles　幅広い音楽性のルーツが良く分かりました。日本人のアーティストで好きな方はいらっしゃいますか？

Moscoman　お気に入りの日本人アーティストはたくさんいるよ。間違いなく細野晴臣はそのリストのトップだね。彼は驚くほど多才なキャリアを持っていて、素晴らしい音楽を沢山リリースしてきた。できるなら彼になりたい（笑）。でも本心を言うと彼の半分の才能も持っていないよ。他のアーティストだと尾島由郎、近藤浩治、佐藤博などがお気に入りだね。もちろんもっと他にも好きなアーティストはたくさんいるよ。

Huit Etoiles　改めて、あなたが運営しているレーベル〈Disco Halal〉にはどんな意味がありますか？　

Moscoman　この名前は“ディスコ”と”ハラール”という2つの大切なものの融合なんだ。混ぜ合わせることができないもので、東と西だったり、クラブとその外の世界だったり、この混ぜ合わせることのできないものの融合を楽しんでいるんだ。レーベルを作ったのは、友人たちが音楽をリリースできる場所を作りたかったから。今でも同じ気持ちで、このレーベルは友人たちのためなんだ。

Huit Etoiles　あなたは今年からSolumunのエージェンシーになって、更に彼のレーベルからアルバムもリリースされましたね。それによって心境の変化や環境の変化はありましたか？

Moscoman　新しいお客さんたちのために、心をオープンにすることは素晴らしいことだよ。Solomunには素晴らしいファンがいて、その一部になれることは幸運なこと。気持ちや考え方は変えること無く、もっともっと自分の好きな音楽をリリースできるようになれば嬉しい。

Huit Etoiles　2019年の活動予定を教えてください。

Moscoman　1月いっぱいは日本にいるよ。コラボしたい方がいれば、全然空いてるよ！　その後2月はアメリカに行って、3月はヨーロッパに戻る予定。夏はフェスや楽しいことがいっぱいだね。それ以降はまだノープランなんだ。

Huit Etoiles　ありがとうございます。では最後のトピックへ。今回の僕たちのパーティー＜Huit Etoiles＞は〈Disco Halal〉の名前も入ってます。そのパーティーにあなたは今回共演するTrikkを推薦してくれましたね。彼は今年あなたのレーベルからリミックスも提供してくれています。

Moscoman　Trikkは最近の私のお気に入りのプロデューサーだよ。彼は〈Innervision〉の一員だけど、彼らのためにリミックスをしたことがあるし、一緒にオリジナル曲とリミックスを作る話もしたことがあったんだ。近くに住んでいて、同じビジネスをしていて、同じような物事が好きで、共通の友達がいて、気が合うんだよね。彼とはベルリンの〈Innervision〉のオフィスで1年前くらいに会って、それ以来友達になれて嬉しいよ。

Huit Etoiles　僕も実際2018の＜Innervisions Sonar＞で彼のプレイを観ましたが、大変素晴らしかったです。

Moscoman　そうだったね！　その時はじめてあなたとヨーロッパでも会ったんだよね。あのときTrikkはとてもクールなセットを披露してくれたんだ。まるで空間がひっくり返るような感じだったよ。ビッグネームのアーティストは常に素晴らしいものを見せてくれる。Trikkのような人は軽くそのようなことをやってのけて、それがまた美しいんだよね。

Huit Etoiles　去年のあなたのプレイは僕の中でもベストアクトの一つだったと思っています。あれから日本で沢山の友人やファンが出来ましたよね。今回また来日するという事であなたも非常に楽しみにしているかと思います。そんな方々にメッセージをお願いします。

Moscoman　日本にまた戻ってこれて、あなた達に会えることはとても楽しみです！パーティーや街かどやいろんなところで新しい人に会って、気軽にMoscoって声をかけてください。

「Watashi wa Nihon ni modotte kite minasan ni aeru koto o totemo kōfun shite imasu. Pātī ya machi de anata ni aeru no o ureshiku omoimasu, Mosco.」（原文ママ）

――“Faded”が話題になった2015年からデビュー・アルバム『Different World』の完成までに3年間かかりましたね。その中でどんな変化を感じていますか？

この3年間は自分にとってのすべてと言えるもので、アーティストとしても人としても、自分を発展させることができた期間だったと思う。3年間の間にアーティストとしての自分を確立していくことができたし、3年かかったからこそ、今回のアルバム『Different World』は過去の自分と、今の自分との両方が反映された作品になったんじゃないかな。

――あなたの場合、同じように黒いマスクやフードをつけてくれるファン＝「Walkers」がアノニマス的に増殖していくのを経験した3年間だったとも言えそうです。

うん、このアイディアはもともと、「誰でもウォーカー・ファミリーになれるよ」という意味ではじめたものだったんだ。僕の音楽を聴いてくれる人たちも一緒になって、アラン・ウォーカーの軌跡を辿ってもらいたいと思った。最初は誰にも知られていなかったし、誰も参加していない状況だったものが、インターネットを通じてアノニマス的にどんどん広がっていく様子を体験できたのはとても嬉しいことだったよ。

――おそらく、EDMシーンに多い「スーパースターDJ」的なものとは異なる発想ですよね。

スペイン語の言い回しで「Mi casa es su casa（＝僕の家は君の家）」という言葉があるんだけど、それと同じで、僕の場合は「一緒に活動を広げていく」「色んな人を迎え入れたい」という気持ちが強いんだ。

――つまり、誰でも“アラン・ウォーカー”に参加できる、と。

そう。今の時代、僕は「自分が排除されている」と感じている人がすごく多いと思っていて。だから、「一緒に／共に」活動することって、僕にはすごく重要なことなんだ。色んな人がウォーカー・コミュニティの一員として、僕の音楽を共に楽しんでくれて、コミュニケーションを取れるような関係性でいたい。「Walkers」のコミュニティが広がっていくことには自分と同じ格好をしたミニオンがどんどん増えていくような感覚も少しあるけど、何よりも、僕の音楽に共感してくれるファミリーがどんどん増えていくような気持ちなんだ。

――すごくインターネット／クラウド的な感覚ですよね。あなたのキャリア自体も、最初はネット上でアノニマス的に複数人が楽曲にかかわる作業をもとにはじまったものでした。

やっぱり、それが僕のルーツだから、ウォーカー・コミュニティにも似たようなストーリーが生まれたんだと思う。音楽をはじめたとき、インターネット上で色々な人たちが僕を迎え入れてくれた。だからこそ、僕も音楽を通して色々な人を迎え入れたいと思っているんだ。

――今回のアルバム『Different World』では、前半に新曲が、後半にこれまでの代表曲がまとめられています。この全体の構成は、どんな風に考えていったんですか？

それは単純な話で、新しくできた新曲を一番に聴いてもらいたかったんだよ。古い曲をいくつも聴いてようやく新曲に辿り着くのではなくて、僕の今の興味が反映された新しい曲を早く聴いてほしかった。アルバムの全体の方向性については、作りはじめた時点ではまったくノー・アイディアだったよ（笑）。僕はアルバム制作と並行して3～６か月おきに新曲を作り続けていたんだけど、発表したもの以外にも、いい曲になる可能性を秘めているけれども「まだ出来ていないな」と感じる曲の断片がたくさんあった。その中で「これは世に出してもいい」と感じられる曲のストックが徐々にたまっていって、アルバムとしてまとめられるぐらいの曲数が揃ったのが、ようやく今だった、ということなんだと思う。とはいえ、今の時代、音楽はストリーミングベースに変わっているわけだし、アルバムを作っても聴いてもらえるかどうか正直不安だった。でも、実際にリリースしてみたら、多くのウォーカー・ファミリーが作品を手にしてくれたから、出してすごくよかったと思っているところなんだ。

――制作中、特に印象的だった楽曲を挙げるなら？

スティーヴ・アオキと一緒に作った“Lonely（feat. Isák & Omar Noir）”かな。この曲はツアーで上海から北京に向かう４～５時間の電車の旅の間に最初のデモができた曲だった。その頃からユニークでクールな雰囲気の曲だったけど、2年後にようやく完成して今回日の目を見ることになった。

――どんなイメージから曲が生まれていったのか詳しく教えてもらえますか？

この曲を作ったときは……うーん、正直自分ではよく分かっていないんだけど（笑）。新しいウォーカー・ミュージックを作って、自分の音楽を次のレベルに持っていきたい、という気持ちだったと思う。これまでの曲と似たようなメロディや曲調、スタイルを繰り返すのではなくて、まだ試したことのない雰囲気のものにしたかった。それでゲーム音楽っぽい要素を加えていったんだ。スティーブには、プロダクションの面で色んなアイディアを加えてもらった。彼は才能溢れるクリエイター／プロデューサーで、EDMシーンでは伝説級の人でもある。彼と一緒に作業する中で、この曲が何度も話題に持ち上がってきたんだ。特に彼はこの曲のメロディを気に入ってくれていて、曲の構成について手助けをしてくれたよ。

――タイトル曲の“Different World（feat. K-391, Sofia Carson & CORSAK）”はどうでしょう？

この曲は僕とK-391（アラン・ウォーカーが影響を受け、過去曲でも共作しているノルウェー拠点のアーティスト）と一緒に作った曲だけど、もともとは彼がYouTubeで曲を作っていく過程を映した動画があって、それがいいなと思っていたんだ。とても楽しそうに、制作過程自体を楽しむような雰囲気だった。そこから、彼と共作するようになって……。今回は、彼と作業しているところに中国からCORSAKも参加してくれて、彼とも一緒に曲を作って、歌詞を書いて、さらにソフィア・カーソンが加わってくれた。この曲は、地球の環境問題、汚染問題についての曲。今人々は、地球が耐えられる以上の資源を日々消費してしまっているし、地球を治す活動もある一方で、それよりも多くの場面で、この星を壊してしまっている。そういう人々の意識をもっと高めたいと思ったんだ。人として重要なことだから、声を大にして、小さなものから大きなところへと広げていければいいなと思った。コミュニティの力を使って「違う世界（＝Different World）」を作っていきたい、と思ったんだ。

――それがアルバム・タイトルにもなっているんですね。自分自身が3年間の間に、小さなものが大きなものへと変わっていく経験をしたからこそかもしれません。

そうだね。この3年間は、世界中の色々な場所に行くことができて、コーチェラのような大型フェスにも出ることができて、日本にも来ることができた。日本は美しい国だよね。今回の来日では初めて大阪にも行ったよ。夜のネオン街もすごく好きだ。日本の「Walkers」にも会えたし、スーパーハッピーだよ。そもそも、僕は活動をはじめた当初は、自分が世界中を回って音楽を届けられる日が来るとは思ってもいなかった。でも、この3年間で音楽はユニバーサルな言語だということ、言語の壁を越えて理解できるものだということを感じた。「音楽を通して世界をひとつにできるんじゃないか？」って。実際、大勢の人がひとつになる姿は素晴らしいものだと思うんだ。インターネットがあれば、何だって可能なんだよ。

——今野監督はこれまでも“HAVIT ART STUDIO”でミュージックビデオ制作やグラフィックデザインもされていますが、〈BABEL LABEL〉に加入した理由を聞かせていただけますか？

今野里絵（以下、今野）　もう3年ぐらい前、私たちがミュージックビデオなどをアップロードしていたら、BABEL LABELの代表で、「LAPSE」プロデューサーの山田久人さんから、Facebookでメッセージをいただいたのがきっかけでした。それまでは横の繋がりがなく、趣味の延長みたいな感じでやってたので、そんな時、メッセージをいただいて、レーベルの存在を教えてもらって、仲良くなっていった感じです。

——もともとは映像表現をやりたかったんですか？

今野　映像だけじゃなくて、グラフィックや写真撮ったりするのが好きで。周りの友達を撮るところから始まっていて、表現全般が好きかも知れないです。

——SUMIREさんは今野監督の作品はご存知でしたか？

SUMIRE　なんとなくは知っていて、今回、一緒に映像を作り上げていくということで、ミュージックビデオを見て、こういうセンスがあって撮ってるんだなということを知って。さらに今回の映画を通してこの監督だからこの映像の雰囲気が出せるんだなと思ったり。撮影で髪をピンクにしてたんですけど、そういうのと撮りたい映像のやり方が合ってるのかなと思ったり。

——完成した作品を観てどんな印象を持ちましたか？

SUMIRE　『LAPSE』の3本を続けて観たんですけど、私が出ている『リンデン・バウム・ダンス』が一番、アート色が強いというか。監督が言った「表現するのが好きだから、作っていきたい」っていう意味があの3本の中だと一番表現されてるのかなと思いました。

——今回の『LAPSE』のテーマである「未来」を監督はどう捉えましたか？

今野　最初に「未来」っていうキーワードだけをいただいてたんですけど、自分の実体験だったりとか、もともと思ってたことと、みんなでやろうって話してた「未来」ってテーマをどうくくりつけたらいいか最初悩んで。自分にはもともと未来の話っていう感覚がなかったので、未来の要素を足して。人間がやってることを機械に置き換えたりすることで、何か新しく見えてくることもある気がして、それはすごい面白いなと思いました。

——20年後の2038年という時代設定や人工知能による医療行為が要素になっているのは？

今野　あんまり遠い未来のSFみたいなことを考えるのは得意じゃないというか、遠すぎるとリアリティがなくなっちゃうなと思ってたので、遠くない未来にしたっていうのはありますね。

——映画は昔から近未来を描いた作品も多いですが、そこからの影響はありますか？

SUMIRE　SFっぽいものは昔も今も作られてはきてるけど、映像の技術だったり、撮り方や機械の変化もあるこの作品は同じSFの括りでも、今らしい映像というか、絵が綺麗だとも思います。やはり昔のものは古き良き時代の撮り方だと思っちゃう。

今野　60年代とか70年代って、未来は超楽しみで希望みたいなのがあったと思うんですけど、それはたぶん空想の世界というか、夢の世界であり得ないことというか。今の人が未来について考えたときに、希望みたいなものってあります？　

SUMIRE　自分のことはわかんないし……う〜ん、でもケータイとか発達してるなと思うし。でも読めないんですよね。5年前の自分が今こうなるとかも分かってないだろうし、予測不能ですね（笑）。

——確かに。映像の質感はむしろ淡い感じで、未来とか過去では括れないイメージがありました。あの質感にしたのは？

今野　テーマが明るいものじゃないので、そのぶん映像は綺麗にしたいなというのはあって。ストーリーも暗いし、映像も暗いってなっちゃうとつらいので。

——近未来の物語ですけど、ヨーロッパ映画的な質感もあって。

今野　SUMIREちゃんだからそういう風に見えるっていうのは、結構あるんじゃないかと。そういう空気感があるので。

——アップでの目の表情の演技も多いですね。

今野　言葉というのがもともと得意じゃないというか、逆に言葉が溢れ出しちゃってめんどくさい！　ってなって、映像表現とか絵を描いたりするのが好きなので、今回、セリフはあんまりなしで、行動とか音楽でセリフの代わりに表現しようっていうのがありました。多く喋ることはあんまりなかったけど、その人が出すオーラだったり、表情、顔であったりとか、音楽、そういういろんな部分でこの映画は人の感情を伝えたりするのかなと思います。

——主人公ヨウの行動をSUMIREさんはどう感じましたか？

SUMIRE　最初、台本読んで、ヨウと自分を照らし合わせたときにちょっとキャラクター的に似てる部分があるかなって思ったり。すごい単純なところで自分もおばあちゃん子なので、その人に対する気持ちが主に理解できた部分かも。あのおばあちゃんがいるからヨウもいるとか、そういうところです。

——明快なストーリーではないこの作品を演じるときに大事にしたことはありますか？

SUMIRE　演技してる自分と関係なく、もともと自分が持ってる要素だったり性格、自分が持ってる目だったり顔だったり、そういうのも残しつつ演技していきたいなというか、素の部分で見せるというのは思いました。

今野　これまではミュージックビデオが多かったので、演技をつけるのは初めての部分もあって。SUMIREちゃんと初めて会ったとき、そのままがいいというか、ストーリーに過剰な演出がある訳ではないので、普段をこっそり撮ってた風なぐらいの喋り方だったりとか、雰囲気がいいんじゃないかなと思って。SUMIREちゃんなりのニュアンスでやっていただいたので、それはすごい良かったと思います。

——「未来に抗え」というテーマを持ったこの作品群。では、監督や出演者はどう未来に抗うのか？　もしくは未来に対するスタンスは？

SUMIRE　何が起こるか分からない時代に、前よりもなりつつあって。でも、そのときそのとき楽しんでれば、未来もよくなるのかな。解決策も決まってるわけじゃないし。みんながやりたいことをできてればいいな。

今野　恐怖みたいなものはみんなあるんじゃないですかね？　クローンとか、アベラくんの話もそうだし、得体の知れない奴がやってきて、人間をいつか超えるんじゃないか？　みたいな。そういう怖さみたいなものはうっすら感じてて、それが現実になるんじゃないか？　ということをこの3作品で、ちょっとでも感じてもらえればいいんじゃないかなと思いますね。

ーーはじめに自己紹介をお願いします。

こんにちは、Maurits VerwoerdことNachtbraker。27歳でオランダアムステルダムに住んでます。ここ10年くらいこの名義で曲を作り続けてるかな？　それから〈Quartet Series〉というレーベルを3年間前にスタートして、それと＜ZeeZout＞というフェスティバル、Rins FMやRed Light Radioといったラジオのレジデントもやっているよ。

ーーあなたのプロジェクトNachtbrakerとレーベル〈Quartet Series〉について紹介してもらえますか？　アーティストネームの由来も教えてください。

Nachtbrakerという名義で10年。最初のギグはそれこそ友達の家で始まったのかな。友達からフライヤーに何かアーティストネームを載せろよ、と言われてこの名前を仲間が付けたんだ。その時は夜の11時から朝の7時まで曲を作ってたから、オランダ語で「夜更かし／フクロウ」って意味の「Nachtbraker」がそのまま名前として誕生したってことだね。

〈Quartet Series〉は元々自分の中にレコードをみんなに収集してもらえるような仕掛けをアイデアとしてもっていたんだ。子供の時に「quartets」っていうカードゲームにハマってて、自分のレーベルもそのカードみたいにできないかと思ったんだ。4枚の似てる絵を集めて「Quartet（カルテット）」を完成させる。これこそレーベルのコンセプトだ！ってね。だからアートワークがとっても重要な柱だし、それに関しては本当に力を入れたよ。自分が信頼するヴィジュアルアーティスト達と一緒に仕事をしたね。

※レーベルのジャケットを手がけたのは以下のヴィジュアルアーティスト。Marcoはレーベルロゴと初期のジャケット、Elsemarijnはその後のジャケット、Lunaは今回のアルバムアートワークと最新のプレスフォトを手がけた。

Elsemarijn｜Marco｜Luna

ーー今回はフルアルバムのリリース後のツアーですが、アルバムの内容についていくつか質問させてください。今回のアルバムはどのような環境で製作されましたか？

そうだね。僕はあまりたくさんの機材を使う方じゃないかな。時々友人でもあり、スタジオが隣同士のDetroit SwindleからKorg Monopolyをたまに借りることがあるね。それからMC303 Grooveboxも使ったな、とてもいい音がでるんだよ。でもほとんどの作業はソフトの中で完結しているよ。FL Studioをメインに使いながらFruity Loopsを制作の最初から活用している。これは10年前に制作をスタートしてからずっと変わってないし、一番クリエイティブを発揮できる自分の習慣みたいなもんだよね。さらにWavesやArturiaみたいなプラグインも使ってるよ。

サンプリングはとにかく沢山やるな。古いファンクやソウル、ジャズ、アンビエント、ヒップホップはもちろん、フィールドレコーディングもよくやるね。それこそ、アルバムの最初の曲はモロッコの近くのランサローテ島っていう島に住んでいる友達の家でDream Sequenceを使って作ったんだ。クラップ（拍手）の部分は部屋の中でいい感じのエコーがかかるような場所で何度も叩いてレイヤーしていったんだ。かすかに聞こえる電車の音とかは地元アムステルダムのトラム（路面電車）をレコーディングしたし、それこそトラック「Aliens」はYouTubeからUFOを目撃してパニックになってる人たちの声をサンプルしたし、トラック「lol」もYouTubeから取ったね。

「lol」は引き笑いみたいな声をYouTubeの断片から見つけてそれを使ったんだ。17か18歳の頃に実家の屋根裏で友達とやってたバカ笑いみたいなのをこの曲で表現したかったんだ。

ーーアルバムに収録されたトラックは実に幅広いBPMやテイストで構成されていて、フロア映えは勿論、リスニングでも楽しめるように構成されているように感じます。このアルバムのコンセプトについて話してもらえますか？

それはシンプルにアルバムがどうなったかってことだよね。2年半前からアルバムのプロデュースに取りかか始めたけど、明確なコンセプトやアイデアがあったわけじゃなかった。ただ自分は窮屈と感じることなく音楽を作りたいと思ってたからね。

だから自分が現場でたまにプレイしたいなと思ってた曲を作って、それをプレイリストに入れて使っては捨ててたけど、満足できるプレイリストができるまで立ち止まることは無かったんだ。ほとんどの楽曲はまっさらな状態からスタートして、単純に曲から曲へ移行するという感じ。時には曲がドラム&ベースで終わるのもあれば、ヒップホップだったり、ハウスやテクノのクラブトラックだったりするしね。

ーー個人的にはB1-Randy、C-2 Just Doing My Thang、D-1Aliensがお気に入りなのですが、アルバムの中で特に気に入っているトラックはありますか？

ありがとう。正直言って全部の楽曲が好きだからね（笑）。自分にとってベストじゃない曲はアルバムに入れないよ。強いて言えば「Driving Me Lazy」「 Horsepony」そして「Just Doing my Thang」は作れたこと自体に誇りを持ってるし、プレイするのは「Flambo」と「Randy」が最高だね。

ーーあなたのリリースするトラックには個性的なパーカッションやサンプリングが、予想外のタイミングで散りばめられているように感じます。あなたがこうしたトラックを製作するようになった音楽的なルーツや、影響を受けたアーティストについて教えてください。

音楽の勉強は全くしいてないんだ。ちょっとのコードやピアノは弾けるけど、それだけ。でも音楽をよく感じて、曲を聴く時に、自分にこれが使えるぞっていう音の断片をいつも見つけることができる。だからサンプルをするし、とにかく沢山の音楽を聴いて、正しい気持ちで、正しい音の断片をサンプルするだけさ。

ーー今後のリリースやツアーの予定について教えてください。

今始まっているアジア／オーストラリアのツアーが本当に楽しんでるよ。（ツアーフライヤーを見てくれ！）日本や韓国そしてオーストラリアの雰囲気は最高だし、戻れて本当に嬉しいよ。遠くの世界に自分の音楽が届いているのが本当に嬉しいよ。

ーー2015年の初来日から今回が4度目の来日ですが、日本でのお気に入りの場所はありますか？また好きな日本の食べ物やお酒など、あれば教えてください。

もちろん。何度もここに訪れていつも歓迎されてる気持ちだよ。世界中で最も気に入っている場所だ。東京も好きだし、2017年に初めてプレイした大阪も訪れることができた。クールな街で現地の人も本当に素晴らしいよ。次に来る機会があれば東京や大阪に限らず日本の色々なところを訪れたい。もっともっと発見できる事があるはずだからね。田舎の方なんかも間違いなく素晴らしいだろうね。好きな食べ物は、即答で味噌ラーメン！　毎日食べれるよ。

ーー最後にギグを楽しみにしてくれているあなたのファンにメッセージをお願いします！

またみんなの前でプレイできるのが待ち遠しいよ。ここは僕にとって最も楽しくて、世界中で一番素晴らしい観客がいて、本当にやりがいがある。何年もサポートしてくれたことに本当に感謝したいし、何度も戻って来ることを約束するよ。ありがとう！

――アベラさんは『失敗人間ヒトシジュニア』をどういう未来を想像しながら作られたんでしょうか。

アベラヒデノブ（以下、アベラ）　まず、子供の頃から見てた「ドラえもん」のような「なんでも可能になってそうな未来」と、少し先の未来で現実に起こりそうなことを題材にしていこうというのはありました。現実の中にすでにクローンが可能になっていてお猿さんのクローンとか仕上がってる。で、都市伝説かリアルかわかんないですけど、人間のクローンも技術的に可能で、この世の中に存在してるんじゃないか？と言われていて。

きいた　この世界に？

アベラ　偉人の方がクローンになってて、目が醒めるのを待ってる可能性もある。そんなこともあるって話を風の噂やネットの記事で見てて、今回、クローンを取り上げたんですね。かといって普通のクローンをやってもしょうがないので、僕自身のルックスに対するコンプレックスとミックスして、「失敗したクローン」「ミスってしまったクローン」、しかもクローンであることを隠されてて、「お前はクローンなんだよ」って言われた瞬間の恐怖みたいなものも取り入れて、今回の作品を考えました。

――ねおさんときいたさんは今回この作品に出演されて、そういう未来をどう感じましたか？

きいた　発展というのはすごくいいことだと思うんですけど、「クローンだから」ってすぐに殺されちゃったりするのはあんまりいい印象ではないので、発展に伴って、考え方をいい方向に持っていけば、もっといい世界が作れるんじゃないかな？と思うんですけど。

――いろんな科学技術を？

きいた　いいことも悪いこともいっぱいあるので。いいことだけに使いたいですね。

――この作品の未来の設定は、すでにクローンがいて、しかも失敗したクローンと判断されると国によって回収されて破棄されちゃうわけで。

ねお　ホントにそういうのが始まってくるといいこともあったり悪いこともあったりなので、自分ができることがあったら少しでも協力して、クローン人間も含め良い時代を作れたらなと思います。でも、クローン人間がいることによっていつもと違う日常ができたりとかってあるのでいいのかなとも思います。

――例えば？

ねお　自分とちょっと違うクローン人間が作れたとしたら、自分に足りないところをクローン人間にやっていただきたいなと思います（笑）。

――ポジティヴに考えると自分は一つって決めなくてもいい？

アベラ　今の自分と全く同じ自分がもう一人現れちゃうと困るし気持ち悪いんですけど（苦笑）。自分の欠点を遺伝子操作で補った完璧なクローンを作れるよ、っていうのがこの映画の世界観ではあるんです。

――題材としてディストピアというか、あまりポジティヴな未来ではないじゃないですか。この物語自体をどう感じましたか？

ねお　難しい話だけど、色々考えさせられる映画だなと思って。（発展の過程で）何かを変えたら映画の中で起こったようにはならなかったかもしれないなと思ったので、やっぱり考えて行動することも大事なのかなと。自分もちゃんと考えて行動するようになったので、すごく考えさせられる映画だなと思いました。

――何を間違えたら人間はクローンを作ってしまうのか、もしくは作って人間扱いするのかしないのか、その境目ってなんなんでしょうね？

きいた　一つの命っていうものをちゃんと大事にするっていうことですね。便利っていう気持ちでクローンを作ったらいけない気がする。

――確かに。ねおさんときいたさんは今、SNS上でフォロワーもたくさんいて、今の時代のインフルエンサーなわけですけど、お二人はどうやって情報収集をして発信していますか？

ねお　とにかくSNS見ることが好きなので、空き時間ずっと携帯電話を見ています。海外で流行ってるものをいち早く取り入れることにも力を入れていて。韓国からの流行りも最近の傾向だと思っています。最新の情報をゲットして自分が紹介したいなと思うものがあったらいち早く取り入れてみて、自分なりに試してみて自分が感じたことを発信しています。

――そもそもYouTuberになったり、いろんなことを発信しようと思ったきっかけはなんなんですか？

ねお　YouTube始めたきっかけは、「ミックスチャンネル」をやってたんですけど、その時は声を出したことがなくて。自分の声でものを紹介してみようとYouTubeを始めてみました。「毎日メイク」やったり、質問コーナーでもファンの方と交流したりして始めたのがきっかけですね。

――きいたさんは最初、Instagramだったと思うんですけど、始めたきっかけは？

きいた　僕、もともとSNSをやってなくて。高校生活が始まった時らみんなやってて、「取り残される！」と思って始めました。その時の内容は男子高校生の日常をずっと撮っていまいたね。

――乗り遅れるってどんな部分だったんですか？

きいた　やってないと完全に話についていけなくて。やっぱりSNSには情報があふれているなと。

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