アーティスト・コラボレーションの根幹を問う作品の登場だと言い切りたい楽曲がこの世に産み落とされた。生きるポップアートのような水曜日のカンパネラの「主演」であるコムアイが自分自身の言葉と音を表出する同士としてごく自然に共作をしたのがyahyelだったことは、今回の楽曲“生きろ。”を聴いてもらえば判然とするだろう。 1992年前後生まれという同世代感、東京という街で生きることの体感、そこから生まれるある種の違和感が動機になった今回の楽曲について。生きていることを実感するのは、むしろ真逆の状態に直面した時だろう。でも、そんな状態や状況から隔離されているのが私たちの日常でもある。“生きろ。”はその感覚に触れさせる音楽という名の触媒ではないだろうか。アーティスト・コラボレーションの新たなフェイズを彼らの対話から読み取ってほしい。

Interview：水曜日のカンパネラ×yahyel

——まず、コラボの経緯をお聞きしてよろしいですか？ 池貝峻（以下、池貝）　去年の12月にとあるライブでばったり会って、「やらない？」って言ったのが始まりです。 ——別に何のための曲というわけではなく？ 池貝　はい。俺がよく覚えててるのは、最初、「作ろう」っていったときに「曲を作ったことないからどうやって作るかを知りたい」って話をしてて。 コムアイ　プロセスをね。池貝　「そんなん鼻歌で全然いいんだよ」って話から始まって、最初、僕が軽く根本を作って、「これに鼻歌歌ってみて」みたいな感じで始まったんですけど、カンパネラ仕様のコムアイは結構、（パンパンと手を叩く）こういうフロウが多いんですけど、声質的にもっと伸ばしたものの方が合うんじゃないかな？　とずっと思ってて、それを意図して投げました。 ——池貝さんとコムアイさんはお互いにどういうところに興味があって、コラボしたら面白いものができそうだなと思いましたか？ 池貝　僕としては水曜日のカンパネラって、ポップカルチャーの最前線の位置だと思っていて、僕らは逆にそういうところから身を引いてるというか。そもそも僕、基本的に日本のポップなもの全部好きじゃなくて。ホスピタリティみたいなことがすごい嫌なんですよ。「気を使ってポップ」みたいなのがすごい嫌だったんですけど、話してるとそういうタイプの人じゃないし、ある意味毒のある人なので、なんでそういうアウトプットになってるんだろな？　ってことにも興味があったというか。そこの部分をちゃんと深堀りできたら面白いだろうなって思ってたんですよ。（コムアイが）自分の感情がちゃんと出るような曲作りの機会があればいいなぁと思ってたし、本人も曲を作りたい、こういうことを言いたいっていうのがあったんで、そういうところをうまいこと僕らの「この人たちは毒々しくてOK」って枠組みの中で生かしました。 コムアイ　ははは、確かに。池貝　生かしてもらえたらなぁと思ってました。 ——コムアイさんはカンパネラでやってることとは別にやりたいことが？ コムアイ　歌のエキスみたいなものを自分から出していくことをこの1年ぐらいは何曲かはやったんですけど、その時期はやってなくて。それでもう本当に「yahyelを借りる」というか（笑）、コラボしたらその人の印象を借りてすごく自由にできるから。あとはみんな同世代だし、学歴とか東京にいて生きてきて感じてるものが近い感じがしました。同世代の人たちとやったことなくて、だからこういうのが歌いたいと思ったときに、「それは自分も感じてたことだ」って感じで進んでいくことが今までなかったからやりやすかったです。水曜日のカンパネラ＆ yahyel

——今回の歌詞はダイレクトな内容で。人身事故を思わせる内容でもあるし。 コムアイ　はい。４年ぐらい前だと思うんですけど、新宿でホーム上がって見た光景を歌にしてます。人身事故から何十分か経ってて、遺体もないし現場も落ち着いた状態で、ただ血の海がずっと残っちゃってる状態で、「それは後で片付けよう」みたいな感じになってて。歩いてる人たちはみんなもう普通に「あ、あったんだ」と思って自分たちの生活のために電車に乗り込むって景色で、陽の光がすごく綺麗でした。一人、生きるのを諦めたことが悪いことのようにも思えないし、ずっとそこまでネガティブに人生に対して思ってたことがありませんでした。魂は解放されたから、その瞬間の絵は「解放」って感じがして。死ぬことを肯定したくもないけど、人が死ぬっていうことは自然なことだと分かりました。今、私がここに飛び込めば死ねるってことが、すごくよく分かったことで安心できたんですよね。それで、「あ、もう崖っぷちを私たち生き物は全員生きていくんだな」と思ったときに、走っていこうと思えたんですね。それを朝方、急に思い出して、音をもらって「合ってるかもな」と思って作って行きました。 ——それは選択できるということによる安堵ですか？ コムアイ　そうですね。選択できないことによる安堵かもしれない。下手したら突き落とされるかもしれないし（笑）。自分で決められるか決められないかも分かんないけど、一つの要素だと思って、ちょっと安心した。死をなるべく見ないように遠ざけて生きてくってことは、文明が発達していくときに起こることだと思うんですけど、そうすることで不安の形がわからないみたいな感じになってると思うんですよ。その正体が突き止められたときに安心するっていう感覚です。 ——コムアイさんはライブで鹿の解体など、生き物の命に向き合ってきた経緯があるから。 コムアイ　ははは。『もののけ姫』みたい。ただ、東京で生きてきただけですけどね。 ——池貝さんはコムアイさんの日本語の歌詞がある上で、自分のパートの歌詞を書いたんですか？ 池貝　僕も最初はある程度テーマをセットしようかなと思ってたら先にやられちゃったんですよね（笑）。もうほんとに朝方で僕らも訳わからない朝の4時とかに連絡取るときもあるんだけど（笑）。 コムアイ　そう。「ガイ（池貝峻）くん、なんか思いついた！」みたいな感じで連絡したら、だいたい変な時間に起きてるんですよね。池貝　「何やってんだ、俺は」と思いながら起きてて、そのときに今のテーマの部分とか、なんでこうなったかみたいな話が送られてきて、ちょうど朝日が差し込んでる状態で、街も道には誰もいなくて。なんかそういう瞬間って東京で生きてるとありません？　人がいなかったりとか。そういうことに実は一番リアリティがあるというか。それをもってその歌詞で僕がやるべきことは、逆に言ったら非日常以外のところがいかに不自由か？　っていうことを僕のパートの歌詞ではやりたいなと思っていました。 ——自発的ではない？ 池貝　生きる・死ぬみたいなことって実はそんなに選択肢はなくて、追い詰められた人は追い詰められてるし、考えもしないと思うんですよ、生きようと思う人は考えようともしないし、死ぬときは死ぬじゃないですか。それがリアリティで、それに気づけるってこと自体がすごく東京って限られてるなと思って。それ自体がすごく不自由なことだし、それ以外の非日常の部分って生かされてるっていうか、その矛盾を認知しないまま、なんとなく進んでいくことって逆に言ったらすごく辛いことであるっていう部分を僕の方の歌詞では書こうと、これを聴いて思ったんですね。リアルだったんですよ、ちょうど送られてきた時間と「この東京のリアリティを感じられる瞬間って確かにこの瞬間だよね」っていうのは、なんかすごいピンときたところはありましたね。 ——なるほど。コムアイさんと池貝さんが共有していたことについてはメンバーは逐一わかっていくわけですよね？ 篠田ミル（以下、篠田）　いや、ある程度コム（コムアイ）ちゃんの歌詞まで固まった段階で、僕にパスが飛んできて。聴いてみたら、飛び込んで血の海で蒸発してみたいなことで。ただ、コムちゃんもさっき言ってたんですけど、自殺するみたいなことが絶対的にネガティブでもないみたいな描かれ方がしていて、それこそ例えば日本社会に生まれたら、学校行って就職して、いい会社行って、働いて結婚してって、一見自分で選択してるようで選択しないで生きてるみたいな生き方の中で、例えば自分で死を選ぶって、自分の意志でできる決断かもしれないじゃないですか。そういう自殺を選ぶことのポジティブさみたいなものがあるなっていうのがあるなって。もちろんディストピア的な東京のリアリティみたいなのがテーマなんですけど、でもそこの中で死を選ぶって一見ネガティブなことが実はめちゃポジティブみたいな、ひねくれた開放感みたいなものをどう活かそうね？　っていう話をずっとMONJOEとしながら、トラックを詰めていきました。なので、例えば冒頭の呪術的、トライバルなビートであったりとか、兵隊が足を鳴らして歩く音のサンプルを取ってきたりして、そういう集団社会感みたいなものを出しつつ、最終的に最後のヴァースのところで、解放していくドロップができるみたいな展開をモン（MONJOE）ちゃんにシンセ組んでもらったりして詰めて行きましたね。 ——これはたまたまかもしれませんがyahyelの“TAO”もオリエンタルなサウンドで、カンパネラも最近、山田さんがMVを撮られた“かぐや姫”の世界観も意識としては繋がって見えたんです。 コムアイ　私、チャントみたいのをすごい聴いてて。 yahyel - TAO (MV)

水曜日のカンパネラ『かぐや姫』

——世界の祭祀というか祈りですよね。 池貝　僕の個人的な感覚では、そういうテーマを持ってくるときに思うのは、人を煽るとか盛り上げたいみたいな浅はかな音楽だったら、別に4つでキック打ってればいいと思うんですよ。ただ僕らが進む感じって、もっと個人の中でその気持ちをどう回して行くかってことをテーマにしたいから、視点が個人なんですよ。だからチャントとかそういうものが合うような気がする。祈りって本来超個人的なことじゃないですか。願い的にも個人で祈る社会になったらいいなと思うんですよね。個人が思ってることが実現して、みんなが意志を持ってしてることがみんなの願いになるってことが、ほんとは社会として健全な気がするんですよね。その自分に内包して考えて欲しいっていう雰囲気づくりみたいなものがチャントっていう気がするんですね。篠田　なんかサウンド的な話に関わらず、ペルソナみたいなものが、ある種二人とも宗教者的だなと思っていて。池貝はどちらかというと禅の修行僧みたいなタイプで、内面で禅問答してるみたいな。コムアイちゃんはどちらかといえばシャーマンみたいだなっていつも見てて思ってて。なんかいろんな霊、降霊させてるよね。 ——山田（健人）さんはカンパネラのMVも撮っていますけど、ディレクションしやすいアーティストですか？ 山田健人（以下、山田）　撮りやすいか撮りにくいかでいうと撮りやすいです。単純に好みっていうか、音とか全体的な世界観っていうのは第一にあります。水曜日のカンパネラの皆さんはとは、コミュニケーション取れるからいいです。会話もできるし、会話する機会もいただけるから。でもあのMVは自信があるし面白いし最高。 コムアイ　“かぐや姫”？山田　今日、全然言葉が出てこないな（笑）。いつもちゃんと喋れるんですけど。 ——（笑）。コムアイさんが山田さんに言わずもがなを感じるのはどういうところですか？ コムアイ　例えば私が、“かぐや姫”ってタイトルだから私が姫になるの嫌だなとか（笑）。私は「かぐや姫」は宇宙人みたいなイメージなんですよね。だから自分という意識は全然なくて、MVの中でヒロインみたいなのは超恥ずかしいんですよ。照れはすごいあって、それを「いややっぱりあんたの音楽だしそれはやるべきだよ」っていうのはダッチ（山田）はわかって、照れなくてできるようにセットしてくれたっていうのはありがたかったです（笑）。山田　姫感はあんまりないですよね。宇宙人みたいな共通認識はあったし、そういう話し合いを経てきたから。水曜日のカンパネラ＆ yahyel

——じゃあ日本の東京というところで活動していることについてお互いどんな感覚でいますか？ コムアイ　確かにそれをyahyelはどう思ってるんだろう？　東京にずっといるのってきつくないのかしら、と思うんだけど。池貝　僕は個人的には普通に辛いっす。でも辛いからどうっていうのはおかしいかなと思ってて。辛いのがなぜかを定義するのが仕事だと思ってるので。それを音楽を通してやっていきたいです。いずれにしても海外で音楽をしたいって次元の話と、この日本が辛いって話は別の話で。海外に行きたいってこと自体は、日本の音楽シーンの中で単純に「前の世代と同じことをやらなくていいんだよ」ってことを僕らが新しく定義する方法として、僕らが海外に行くっていうこと自体がすごく意味のあることで、これからの広がりができてることだと思うんです。我々にしかできないことがあるってことを僕らは言ってるだけで、それと日本が辛いってことは別の話かな。日本は辛いですよ。 コムアイ　日本嫌いになりたくないから旅行を自分でいっぱいしてる（笑）。いっぱい旅行して帰ってきたら、ご飯が美味しいなとか思えるので。ただしばらくいると、今中国から帰ってきてるから古い国に帰ってきた感じがすごくあって。国全体のフィーリングが40代、50代、60代ぐらいの感じがして。池貝　それわかるな。 コムアイ　中国行ったら、全員年齢関係なく20代30代ぐらいのマインドで未来を感じてるっていうのはあって。私たちは20代で、全然未来に関して自分で作って変えていこうってことは自然に思えるけど、だんだんそういうのってなくなってくる。でも中国行ったらそうじゃないんじゃないかなと感じました。街の年齢みたいなのってあるなって感じました。池貝　さっきミルが言ってたことはすごく芯を食ってると思ってて、要するに日本は「こうあるべき」という型が強すぎるから、単純に「自分はどうしたいの？」っていう（笑）。あなたの意志はどこにあってどうやって生きて行きたいのか？　っていうエネルギーがすごくない感じはしますね。これって言い古されてることで僕らがあえて今言うことでもなくて、なんでそれが変わんないんだろうって言うのが、もっと芯の問題だと思うんですよね。海外との違いはわかりやすくていいですね、みんな確かに年食ってる感じすんなっていうのはある。篠田　上海すごかったね。池貝　上海の人たちは本当すごいです。意志しかない。篠田　なんか上海ALLっていう上海のクラブシーンの中心があって。外にたむろしてる子供たちの服装がSF映画みたいなファッションしてました。「みんなどこで服買ってんの？」　って聞いたら全部オンラインだって言ってて。個人で若者たちがやってるプライベートブランドみたいなのがいっぱいあって、そこで買えるんだって話が面白かった。 コムアイ　日本に帰ってくるのも、「京都行こう」ぐらいの感じになったらいいんじゃないかなぁと。池貝　個人的にはその方が楽だよね。僕は逆に「そう思わないですか？」って聞きたいんですよ。逆にみんな（日本）「心地いい？」みたいな。水曜日のカンパネラ＆ yahyel

——杉本（亘）さんと大井（一彌）さんが寡黙ですけど（笑）。今回のコラボレーションに関して言っておきたいことがあればぜひ。 杉本亘（以下、杉本）　いや、本当さっき言った通り自分が手を加えた段階ではもう完全にイメージが出来上がってる中で、「ダメ押しで点決めて」みたいなところでパス渡された感じだったので、自分としては素晴らしい作品にしてくれてありがとうございますって感じですね。 コムアイ　ええ？　それ他人事だね（笑）。モンちゃんてあれなのかな、仕上げて聴けるものにするというか、トゲが耳に刺さらないようにするというか（笑）。聴けるトゲにするというか。杉本　ありがとうございます（笑）。池貝　じゃ、一彌は？（笑） コムアイ　一彌くんはもうグッドバイブス。今はクールな顔してますけど、「コムちゃん最高だったよ〜！」って言ってくれるのが私は超嬉しい（笑）。 大井一彌（以下、大井）　最高です。今回の”生きろ。”に関して僕がやったことは、ラスト後半のビートが入ってからのハイハットのフレーズと、そのスウィングの値を決めることだったんですよ。ケンモチ（ヒデフミ）さんのトラックをいくつか聴いて、彼の使ってるグルーヴの値みたいなものがなんとなく統一したものを感じたので、その辺を意識して設定してみました。水曜日のカンパネラ＆ yahyel

——技術的な側面ですね。 大井　ケンモチさんのハットの裏みたいなものがすごくいいなと思ったので数値的に立ち上げました。ライブしても普段あの修行僧の声で音楽やってるので、女性のシャーマンの声が入る4つ打ちっていうものはすごく新鮮でした。全く違ったグルーヴが生まれて。すごく新しかったです。 コムアイ　タイトルについても話した方がいいかも？　まず死に寄せるか生きるに寄せるかが考えどころで。池貝　死ぬ方を書いてるじゃないですか。それでも結局それって俺ら「生き延びろ」ってことが言いたいんだよね、最終的にはっていう話をしたね。 コムアイ　そうそう。私がタイトルつけるんだったら、曲が言ってる通りのことを探してたんですね。でもガイくんが「生きるのがいい」って言ってて、『もののけ姫』のコピーで「生きろ。」っていうのがあって。 ——ああ、まさに。 コムアイ　歌だけ聴いたら「生きろ。」って思い浮かばないかもしれないんだけど、私たちが思ってることは「生きろ。」だから。

水曜日のカンパネラオフィシャルサイト

yahyel オフィシャルサイト

RELEASE INFORMATION

生きろ。

水曜日のカンパネラ＆ yahyel “生きろ。”を聴く！

EVENT INFORMATION

ガラパゴスツアー

2018.11.07（水）東京・STUDIO COAST START 19:30 ¥4,500 2018.11.10（土）北海道・サッポロファクトリーホール START 18:00 ¥4,500 2018.11.30（金）大阪・味園ユニバース START 19:00 ¥4,500 2018.12.08（土）沖縄・ナムラホール START 18:00 ¥4,500 詳細はこちら

オルタナティヴR&Bをグラミー賞にノミネートされるほど高い作品性とポピュラリティーを兼ね備えたものに昇華した、ジ・インターネット（The Internet）。日本でも広く知られるきっかけになった『エゴ・デス』から約3年ぶりのアルバム『ハイヴ・マインド』が今年7月にリリースされた。多数のゲストを迎えた前作に比べ、バンドの親密なムードが味わえる、現代的なメロウネスを湛えた本作。『ハイヴ・マインド』からの2ndシングルである“ラ・ディ・ダ”は、これまでのジ・インターネットらしいメロウネスに加え、ラテンのリズムを大胆に導入したことでも新鮮な驚きを与え、今ではライブの定番曲に。ゲスト・アーティストには、ホーンセクションを担当したLA新世代ネオ・ソウルバンド＜ムーンチャイルド＞が参加しているのも聴きどころ。同曲のミュージックビデオではメンバーのオフショット映像も盛り込まれ、ロードムービー・タッチの仕上がりが魅力で、サプライズゲストに親交の深い水原希子が登場しているのもおなじみだ。今回はこの “ラ・ディ・ダ”をWONKの演奏でカバーし、ゲストボーカルにMALIYAを召喚するという、興味深いコラボレーションが実現。実は以前の来日公演にも訪れ、楽屋で記念ショットを撮るなど、メンバーとの交流もあったWONK。いつかコラボしたいという、お互いの思いがあった中、今回のカバー企画が持ち上がったのだという。世代的にもジャンル的にも親和性を感じさせる彼らにとって、ジ・インターネットの存在はどんな影響があるのだろうか。ボーカル・レコーディング直後の長塚健斗（WONK）とMALIYAに、話を聞いた。

Interview：長塚健斗（WONK）＆MALIYA

——“ラ・ディ・ダ”のカバーもそうなんですが、お二人がジ・インターネットの音楽性やバンドとしての存在をどう捉えていらっしゃるのかやWONKとMALIYAさんの関わりなどをお伺いできればと思います。ちなみに最初の接点はどういうところだったんですか？ MALIYA　WONKのベースの井上幹くんは小学校の同級生で（笑）。それを全然知らずに普通にあるイベントで一緒になって、お互い薄々気づいていました。「あれ？　同級生だったよな」みたいな感じで……そこからだよね？ The Internet - La Di Da (Official Video)

長塚健斗（以下、長塚）　恋人との出会いみたい（笑）。「どっちから告られたか」みたいになっている。 ——（笑）。それはライブの時ですか？ 長塚　ライブの時です。CDを出す前ですね。

——ボーカリスト対談なのでお互いにどんな印象を持っていらっしゃるか、本人を目の前にしてなんですけど（笑）。 MALIYA　（長塚）健斗は同い年なんですけど、オールマイティにできるなっていう人。英語もペラペラだし。さっきもレコーディングするのは初めてだったんですけど、全部自分で仕切ってくれたんで、そういう印象ですね。長塚　全然できないんだけど（笑）。僕から見たMALIYAちゃんは、「歌うめえな」っていう、まずその印象で。自分の声をちゃんと分かっているじゃないですけど、得意不得意だったりとか、そういうところも含めて表現の仕方が、「分かっている」というか。そういうシンガーって、いるようであんまりいないからレベル高いなと思いますけどね。

——長塚さんにとって「分かっていて、かつ上手い」シンガーとはどんな定義ですか？ 長塚　めちゃくちゃうまい黒人のシンガーとか、いわゆる「この人、めっちゃ歌上手いな」っていう感覚的な問題ですけど、自分の声を信じているっていうか。個っていうものがちゃんとあって、それが表現に出てくる人が上手い人だと思っていて。今日初めてレコーディングしたんですけど、MALIYAちゃんの歌はそういうところでキャパあるなっていう印象です。 ——長塚さんから見るとMALIYAさんは自分のことを客観視できていると？ 長塚　そうですね。自分の声をよく分かっているし、弱いところも強いところも含めて、表現が上手だなと。 ——そんなMALIYAさんのソロ1stアルバムのタイトルが『ego』だって言うのも面白いですね。 MALIYA　自分、エゴが強いな（笑） MALIYA 1st Full Album "ego"（Teaser）

——エゴが強い弱いと言うより、エゴそのもの？ MALIYA　そうですね。自分そのもの。 ——ジ・インターネットの前作は『エゴ・デス』だったというのはなんだかシンクロしますね。 MALIYA　シンクロする。長塚　間違いなく。 ——お二人はジ・インターネットをいつ頃から聴いていますか？ 長塚　僕は『エゴ・デス』で好きになった感じはあって。それからかな、その前の作品も聴き始めたのは。それで、一気にファンになったので。 ——もう3年前の作品だと言うのも驚きです。 長塚　3年前なんですか？　こわ！　去年ぐらいだと思ってたわ。 MALIYA　すごい。最先端をいつも行ってるよね。

——『エゴ・デス』のインパクトってなんだったんでしょう。 長塚　なんか「あ、これバンドなんだ」とは思ったけどね？ MALIYA　確かに。私も思った。長塚　来日公演も遊びに行って見たんですけど、「あ、バンドだわ」って言うのはありましたね。シンガー一人のワンマンとか見に行くと、サポートのメンバーがいるじゃないですか。そういう人たちが作る音とバンドメンバーで普段からライブでやっているパフォーマンスって、ちょっと違うと思っていて。バンドならではの良いとこ悪いとこはたくさんあると思うんですけど、それがライブですごく出ていたんで、そういうのが面白かったですね。 ——悪いところって？ 長塚　「こんな雑なパートあっていいんだ」と思って。多分、個々のプレイヤーが普段スタジオミュージシャンで、サポートとして組んだバンドとかだったら、仕事感がすごい出ると思うんですよね。そうではなくてバンドのライブだともっとラフというか。僕らがWONKでいつも結構ラフにやっているところもあるんで、そういうところは近しいところがあるなって感じたんですよね。

——MALIYAさんはいつ頃から？ MALIYA　“ドンチャ”が出た時に初めて聴いて「え、めちゃくちゃかっこいい」ってなって調べましたね。私も最初はサウンド的にバンドじゃないと思ったんです。打ち込み系の女のシンガーが歌ってると思って、調べたらビジュアルもいけてるし、それからハマってっていう感じですね。 The Internet - Dontcha

——なるほど。『エゴ・デス』のジャケ写って、すごく新しくなかったですか？ MALIYA　新しいし、ちょっと笑うとこもあって、「仲よさそうだな！」って。ほんとに仲がいい仲間が集まって、「ちょっと音出してみない？」って感じで作ったんだろうなって雰囲気が音からもジャケットからもするしっていうので好きですね。長塚　シド（・ザ・キッド）がまず女性なんだ？　って写真だけ見た時に驚いて。あと、ジ・インターネットって名前、ずる！　と思った（笑）。 ——確かに（笑）。フェイバリットナンバーはありますか？ 長塚　僕は“ギャビー”って曲あるじゃないですか？　あの曲をなんかふとしたタイミングでかけますね、夜とか。 MALIYA　私はさっき言った“ドンチャ”が結構好きかな。“ガール”も好きだったけど、“ドンチャ”の衝撃で、「わー、こういうの作りたい」と思ったの覚えています。 The Internet - Girl (Official Video) ft. KAYTRANADA

——ご自身の音楽とかボーカルに影響はありましたか？ 長塚　影響ないって言ったら嘘になるし、めっちゃあります。最近のウィスパー系のボーカリストって結構いますけど、その中でもシドってちょっと異質だなと思っていて。もちろんキャラクターも含めてイメージがあるからだと思うんですけど、ライブ見ていてもブレないんですよね。そこがすごいというか、ただ細かい表現が上手いだけじゃなくて、ウィスパーでもパワフルだなっていう印象がすごいあるんですよね。だから逆にああいう表現の仕方ってどうなんだろうな？　って考えさせられた存在ではあるんで。そういう意味で色々影響は受けていますね。 ——確かに内面的な表現なのに強い印象ですね。 長塚　うん、そうそう。 MALIYA　私はどっちかといえばトラックがめちゃくちゃかっこいいし、でもちゃんとキャッチーなのがいいなというか、私もそういうのを作りたいなというか。声質的にも全然違うんですけど黒人のパワフルな声っていうよりかは、私もどっちかというとちょっと細い声なんで、近いような感じがして。こういう風にトラックとシドの声のギャップがあるのも面白いし、こういうのありなんだなと。逆にボーカルが強かったら、今の時代にはもしかしたら合わないかもしれない。普段の日常に添えないというか。でも、シドは声が聴きやすいから。そういうのとか、音作りとか曲作りで影響は絶対にされていると思います。長塚　ライブだとちゃんと声を張るところはちゃんと張るんですよね。しかもちゃんと上手い、それがすごいなと。

——このバンドはメンバーがそれぞれすごいじゃないですか。シドもソロやっているし、スティーヴ・レイシー（Steve Lacy）も若いのにいろんな引き出し持っていて。長塚　末恐ろしいですね。でも年齢が近いというか、世代的にも近しいというのもあって、僕らは勝手に親近感を抱いたりとか、だからそういうのも含めて好きだし、意識しているバンドなんですよね。 ——そもそもの背景が日本人とアメリカ人では違うとしても、聴いてきた音楽とかなんとなく近しいんじゃないか？　と思うところとかありますか？長塚　多分、この世代で音楽をやっていて、ちょっと目立っている人って、だいたい聴いている音楽同じなんじゃないかな？　と思うですよね。それこそ、これいろんなところで話すんですけど、多分みんな（ロバート・）グラスパー（Robert Glasper）聴いているんですよ。グラスパーも聴くし、ハイエイタス・カイヨーテ（Hiatus Kaiyote）も聴くし、バッド・バッド・ノット・グッド（BADBADNOTGOOD）とかも聴くんですよね。で、最近の打ち込みとエレクトロとかサブスクでカテゴライズされるような音楽って、みんなフォローしていると思うし、ジャズも掘っていると思うんですよ。そういう意味で聴いている守備範囲みたいなものはみんな幅広いから、近しくなって当然じゃないかなと僕は思うんですよね。

——今の20代のアメリカのブラック（ミュージック）の人たちはインディーミュージックを通っている感じがするし。 長塚　まさにです。 ——そして新作の『ハイヴ・マインド』は、また『エゴ・デス』とは雰囲気が変わって。どんな印象を受けましたか？ MALIYA　どんどん新しいことっていうか、置いていきまではしないんですけど、新作とかMVとか上がるたびに「また新しいことしている」と思う。新しい音とか、そういう印象でしたね。だから今回カバーした“ラ・ディ・ダ”も、「あ、こういう感じなんだ？」みたいな。想像してなかったような感じの方向から来るというか。だからいつも面白いなと思うし、ずっと追いたくなるっていうのはありますね。なんか追わないとどんどん遅れちゃうみたいな感じはあります。 ——“ラ・ディ・ダ”は何が意外でした？ 長塚　なんかこんなにワーワーする曲もあるんだなというか、コーラスも重なっていて。今回やっていても、原曲は声の厚みがすげえなと思ったし。 MALIYA　セリフあるしね（笑）。 ——この曲だったからお二人で歌うことになったのかしら？　と思ったり。 長塚　そうなんでしょうね。まぁ難かったね？ MALIYA　難しかった！ ——WONKのバージョンはどう組み立てようと？ 長塚　でもカバーであって、リミックスじゃないんで、そんなに大きくガラッと変えるとかではないはずだったんで、多分変わるとしたら、セリフの部分のコード進行変えたりとか、コーラスの重ね方を違うライン録ってみるとか。あとは歌い手が違うからもちろん響きも違いますし。原曲を崩しちゃいけないからって意味で逆に難しかったです。リミックスだったら好きにやっていいじゃないですか？ ——他のボーカリストが入ったカバーはWONKでは初めてですか？ 長塚　というかカバー自体が初。ライブではやるけど。音源は初ですね。 ——どこまで曲としてそのニュアンスを残すのか？　とかあったと思うのですが。 長塚　アプローチが難しかったですね。なんか俺はサビしかほぼ歌ってないけど（笑）。 ——原曲もほぼ意味らしきことは歌ってないように思えますが（笑）。 長塚　「なんて歌ってるんですか？」ってとこから始まったもんね？ MALIYA　うん。「どんな歌？」から始まって。でも深読みしすぎずに、楽しい歌というか（笑）。深読みしすぎないほうがいいのかな？　っていうのもありますね。

——MALIYAさんは特段意味が明確じゃない歌詞の時はどういうふうにアプローチするのですか？ MALIYA　完全に音に寄るので、聴いていて気持ちいい、シドのパートがほぼラップっぽい感じだったんで、歌っていうよりかは、そういうアプローチで気持ちよく乗れるところに重点を置く感じですかね、今回は。それがすごく難しかったし、楽しかったですけど。 ——発語の楽しさも含めて仕上がりを楽しみにしています。 長塚　楽しみにしていてください（笑）。 MALIYA　今の段階なんで、まだ完全な仕上がりは分からないですけど、原曲ほどワーワーしてない、ダウナーというかちょっと大人っぽい感じかなと想像しています。 ——先ほどの話に関連して、だんだんどの国も今の同世代の音楽は接近してくるんじゃないかというお話ですけど、これからのR&B、ヒップホップ、ジャズがハイブリッドしている音楽は進化していきそうですか？長塚　この流れっていやまだまだ始まったばかりじゃないですか。ちょっと前ですけど、イスラエルのバンドが来た時にそっちの方のテイストが入っているからすごく新鮮だったし、それこそもっとアフリカンの音楽も出て来ていいと思います。まだまだ無限に音は出て来るんだろうし、新しい音色とかも増えるでしょうし。同じ構成でも音色違ったら全然違いますし、そういう意味で新しいバンドも出てくると思いますけどね。 ——そういう潮流の中でジ・インターネットってどういう存在なんでしょうか？ MALIYA　今の時代が全体的にそういう流れになっているけど、ジャンルは関係なくクロスオーバーしていて、ジャンルの壁はどんどんなくなっていくと思うんですけど、ジ・インターネットもその一つかな。R&Bでもあるし、ちょっとヒップホップもあるし、ちょっとジャズ要素もあるみたいなクロスオーバーしているバンドなのかなという印象はありますね。しかもそれがバンドというところも面白いですし。長塚　多分いろんな音がミックスしている音楽やっていますみたいな、ジャンルがごちゃ混ぜですってバンド、今、結構いると思うんですけど、ジ・インターネットの音ってジ・インターネットの音じゃん？ MALIYA　うん。長塚　聴いたら分かるじゃない？　「この感じね」って。シドの声聴いたらもちろん分かるし、ベースの音色とかすごく独特なところあるから、そういう意味で、「これってジ・インターネットっぽいよね」って言われる音をずっと作っているバンドだと思うから、そういう意味で周りのバンドよりも一歩先に行っている存在かなと。

——インテリジェンスとポジティブさとストリートがちゃんと出会ったというか。 長塚　まさに、そうだと思います。 ——最後にもしジ・インターネットと何かできるとしたらしたいことはありますか？ 長塚　一緒に曲作りたいです。曲作りたいし、ライブしたいし、ツアーしたいっす（笑）。もう、やりたいことしかないっす。飲みたいし（笑）。 ——東京案内とか？ 長塚　ああ、したいっす。めちゃくちゃ旨いラーメン屋とか。 MALIYA　ああ、いい（笑）。 ——全部吸収してくれそう。咀嚼力のありそうな人たちなので。 長塚　咀嚼力のありそうな人たちってすごいわかります（笑）。アニメの話してぇ〜。サンダーキャット（Thundercat）は『ドラゴンボール』マニアだけど、ジ・インターネットのメンバーにも絶対いますよ。ジャパニーズアニメ好きそう。話したい！ ——（笑）。“ラ・ディ・ダ”の仕上がりとともに、何か実現してくれることを期待しています。ありがとうございました。

取材の時点で曲は完成していなかったのだが、完成した音源をジ・インターネットに送ったところ絶賛。世界の視線も集めるWONK+MALIYAのカバーと、海を超えたコラボの続きに期待せずにいられない。

WONK × MALIYA 『La Di Da (The Internet Cover)』ティーザー映像

RELEASE INFORMATION

『ラ・ディ・ダ』

WONK feat.MALIYA 詳細はこちら

ロバート・グラスパー（Robert Glasper）らとともに新世代のジャズ・シーンをけん引してきたシンガー、ホセ・ジェイムズ（Jose James）。彼が最新アルバム『リーン・オン・ミー』を完成させた。この作品は、今年生誕80年を迎えた伝説的なシンガー、ビル・ウィザース（Bill Withers）の楽曲に新たな解釈を加えたトリビュート・アルバム。ほぼ全曲が打ち合わせなしの一発録りで進められ、曲ごとに表情を変えていくホセ・ジェイムズのボーカルと、ネイト・スミス（Dr）、ピノ・パラディーノ（B）、クリス・バワーズ（Key）、ブラッド・アレン・ウィリアムス（G）からなる鉄壁のバンドや、黒田卓也＆コーリー・キングによるトランペット、そしてゲスト・ボーカルとして参加したレイラ・ハサウェイの歌声との掛け合いが楽しめるものになっている。 Lean on Me: José James Celebrates Bill Withers (preview)

また、彼はアルバム・リリースに先駆けてトリビュート・ライブも始動。日本でもアルバム・リリース後の10月末～11月に公演が予定されている。作品を完成させて日本にやってきたホセ・ジェイムズに、アルバムの制作風景と敬愛するビル・ウィザースへの思いを聞いた。

interview：ホセ・ジェイムズ

――今回の一連のプロジェクトは、どんな風にはじまったものだったんですか？　デヴィッド・ボウイ（David Bowie）、レナード・コーエン（Leonard Cohen）、プリンス（Prince）……。僕はここ数年で自分のヒーローをたくさん失ってしまって落ち込んでいた時期があったんだ。「これから、音楽の未来ってどうなるんだろう？」って。そういうとき、音楽業界では決まってトリビュート・アルバムを出すと思うんだけど、そうやって偉大な故人を尊ぶのは素晴らしいことであると同時に、「だったら、生きているうちにトリビュートをして、彼らへの愛を伝えるべきなんじゃないか？」と思ったんだ。それが今回のプロジェクトのはじまりだよ。以前から僕はライブでビル・ウィザースの曲を３曲ほどメドレー形式で披露していて、観客からも「これをぜひレコーディングしてほしい」と言われていたし、今年はちょうどビルの生誕80周年。だから、タイミングとしてもバッチリだと思ったんだ。まずはライブでトリビュートをはじめたら、その噂を聞きつけたブルーノート社長のドン・ウォズ（Don Was）から「アルバムを出さないか？」と声がかかって、彼がプロデュースしてくれることになった。今回、ツアーとアルバムを通して『リーン・オン・ミー』というタイトルを付けているのは、この曲が持つメッセージがすごく今の社会に意味を持つものだと思ったからだね。異なる価値観を持った人たちがひとつのコミュニティが団結することを通じて、ポジティブなところに向かっていくような雰囲気が、この時代に必要なことだと思ったんだ。

――今回はリヴィング・レジェンドへのトリビュート盤とあって、アルバムの制作前にビル・ウィザース本人にも会うことができたんですよね？ うん、とても貴重な経験だった。僕らは多くの場合、アーティストを写真やMVやライブで知ることになるわけだけど、それって実はアンフェアな話で、本当のその人の人間性とは違っていたりもする。僕もビルに実際に会う前は、彼がどんな人か分からないからナーバスになっていたよ。彼が世に送り出した楽曲をライブで歌うだけなら一回限りでいいけれど、今回は作品としても残すわけだからね。それに、聴いた人に何か言われるだろうことも分かってた。僕だって、誰かが「トリビュート作品をつくっている」という話を聞いただけで、「どうせよくないだろう」と思ってしまうことがあるからね（笑）。でも、そうした不安が、ビルに会って取り除かれたんだ。実際に会った彼はとても謙虚で控えめで、でもクールで頭がよくて――。何より愛がいっぱいある人だった。僕が「こんな気持ちで企画を考えたので、トリビュートしてもいいですか？」と伝えたら、「もちろん。全部私が書いた曲だから、好きにやってもらって構わないよ」と言ってくれた。「音楽は『シェアするもの』だし、みんなが楽しんで、踊ってくれたらそれでいいんだ」って。そのとき、「大好きな彼の楽曲を、僕自身が自由に表現すればいいんだ」と感じて、すごくほっとしたのを覚えているよ。

――そうすると、選曲でも色々と考えたことがあったんじゃないですか？ そう、考えすぎるぐらい考えた。最初に彼の９枚のアルバムからそれぞれ数曲ずつ入れようとリストを作ったら、「これは絶対に外せない」という曲だけで60曲ぐらいになってしまって（笑）。それで必死に40～50曲に絞ったんだけど、その作業だけで半年ぐらいかかったし、そこから進まなくなってしまった。それでドン・ウォズに相談したら、「どの曲が一番君にとって大切かを考えてみたら？」とアドバイスをくれて、そこから本格的にリストを見直していったんだ。今回収録されたのは、その結果残った曲たちだね。 ――つまり、今回のアルバムはホセさんにとって思い入れのある楽曲を通して、ビル・ウィザースの魅力を広く紹介するような作品になっているんですね。その通りだと思う。そうなってくれたら嬉しいと思ってるよ。

――じゃあ、具体的にはどんな基準で選んでいったんでしょう？ それぞれに選んだ理由があるよ。たとえば“グランドマザーズ・ハンズ”だったらこうだね。子供は親には反発することもあるけれど、おじいちゃんやおばあちゃんは孫を甘やかしてくれる。もしくは自分の子供と上手くいかなかった分、孫と接することで自分の間違った子育てを取り戻したいのかもしれない（笑）。僕自身も、「キャンディはいる？　TVを観る？」みたいに、祖父や祖母にはいい思い出がたくさんあるんだ。この曲には、僕自身も小さい頃をもう一度思い返すような瞬間があった。そういう曲であることが素晴らしいと思ったんだ。ビル・ウィザースって、本来クールにはならない日常の出来事も、すごくクールなものにしてしまう魅力がある人だと思う。友情をストレートに歌うとダサくなる場合もあるけれど、彼が歌ったら不思議とクールになるんだよね。そういう魅力を伝えられると思ったんだ。 Bill Withers - Grandma's Hands (Audio)

――なるほど、他の曲はどうですか？ 他の曲だと……“ザ・セイム・ラヴ・ザット・メイド・ミー・ラーフ”は、シンガーとしての挑戦という意味で選んだ曲だね。ビル・ウィザースって、実はオペラシンガーぐらいのテクニックを使っている曲があって、この曲もすごく難しい。たとえば“ラヴリー・デイ”でも、ただずっと《ラヴリーデイ～》と歌っているようにも聞こえるけれど、そこでもロングトーンの中で感情のうねりを表現していくという難しい技術を使っている。派手さはないけれど、シンガーとしてのテクニックが高い人なんだ。あと、彼は南部の人だから、母音の発音の仕方がかなり特徴的なんだ。すごく細かいことかもしれないけど、ボーカルの先生にその部分も細かく教えてもらってレコーディングに臨んだよ。 José James - Same Love That Made Me Laugh

José James - Lovely Day ft. Lalah Hathaway ――それはビル・ウィザースの魅力を可能な限り伝えたい、という思いからですか？ その通りだね。

――今回の制作作業では、あなたとビル・ウィザースの音楽との関係を改めて振り返るような機会もあったかもしれません。あなたはビル・ウィザースの音楽から、どんなことを学んだと思いますか？それは「誠実さ」のようなものなんだと思う。ビル・ウィザースの曲には明るくて楽しい曲もあるけど、たとえば“ベター・オフ・デッド”では、「俺なんか死んだ方がましだ」と歌っている。自分を美化していない曲が多いと思うんだ。「自分も埃まみれで生きてきたけど、君もそうなんだよ。みんなそうだけど、だからこそ一緒になってやっていくことが大事なんだ」って。真のアーティストって、自分のことをすべて見せていく人たちだと思うんだ。今のこの世の中、将来のことを考えたときに、「僕も君も完ぺきな人間じゃない。だからこそ一緒にやっていく必要がある」というメッセージは、とても心に響くものだと思うんだ。 José James - Better Off Dead

――ホセさんは最新の要素を取り入れるときは、それがどんな歴史の中にあるものかを考えてきたと思いますし、逆に過去の音楽を題材にするときには、その音楽と現在とを繋ぐことを意識してきたと思います。今回、ビル・ウィザースの過去の名曲を今あなたがカヴァーする作品だからこそ、意識した部分というと？ただのコピーにはしたくないという気持ちは強かったよ。たとえば映画の『ブレードランナー』もそうかもしれないけど、過去の作品をリメイクするときに、監督が代わって、ちょっと照明を変えただけでは、なかなかオリジナルを超えることはできないよね。“エイント・ノー・サンシャイン（消えゆく太陽）”なんかは、これまで一番カヴァーされてきた曲のひとつだと思うから、「ああ、またホセ・ジェイムズがカヴァーしてるんだな」とは思われないようにしたかった。「2018年に作られた曲にしたい」ということはドンにも最初に伝えて、彼がそこは上手くコントロールしてくれたと思う。オーガニックで温かい昔ながらの手触りがありつつ、同時にモダンなミックスにすることによって、しっかりと今の曲としての魅力を表現することができたと思うよ。 José James 'Ain't No Sunshine' | Live Studio Session

――日本でもこのアルバムがリリースされて、その後トリビュート・ライブが行なわれますね。これはどんなショウになりそうですか？ まだ詳しくは言えないんだけど、最初はみんな知っているビル・ウィザースを入口にしつつ、最終的にはものすごくディープなところまで行くような、感情的な高まりのあるステージを見せられるんじゃないかと思う。すでに行なったワシントンDCのケネディセンターでのライブでは、お客さんもビル・ウィザースのファンが多くて、自分にとってのリトマス試験紙的な場所だったんだけど、そこでも会場の一体感が感じられる、とてもエモーショナルなショウにすることができた。日本でもそんな魅力が感じられるライブになると思うよ！

RELEASE INFORMATION

リーン・オン・ミー

2018.09.28（金）ホセ・ジェイムズ詳細はこちら

EVENT INFORMATION

ホセ・ジェイムズ celebrates Bill Withers

2018.10.31（水） 1st Stage OPEN 17:30 START 18:30／2nd Stage OPEN 20:30 START 21:30 ビルボードライブ大阪 Service Area:¥8,900／Casual Area:¥7,900 2018.11.01（木）、11.02（金） 1st Stage OPEN 17:30 START 19:00／2nd Stage OPEN 20:45 START 21:30 ビルボードライブ東京 Service Area:¥8,900／Casual Area:¥7,900 ホセ・ジェイムズ（vo）大林武司（p、key）ベン・ウィリアムス（b）　ネイト・スミス（ds）ブラッド・アレン・ウィリアムス（g）

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text by 杉山仁 photo by Kohichi Ogasahara

ハーレーファミリーの“異端児”、『ストリート750（XG750 Street® 750）』と『ストリートロッド（XG750A Street Rod®）』をフィーチャーしたプロジェクト「STREET×STREET」。2018年の「STREET×STREET vol.02」ではスタイリッシュな音楽性で注目を集める福岡の4人組バンドAttractionsと、アーバンで軽快なイメージが印象的な2モデルの魅力が融合し、ストリートから新たな風が生まれた。そのキャンペーンソングとなる“Instant Jam”のMV撮影が、2018年9月某日、都内某所で行なわれた。

先日公開されたインタビューでメンバーが語ってくれた通り、Attractionsが手がけた今年の「STREET×STREET vol.02」のキャンペーンソング“Instant Jam”は、バンドが新たな音楽性を追求して完成させた楽曲。それがハーレーファミリーに新鮮な価値観をもたらした『ストリート750（XG750 Street® 750）』と『ストリートロッド（XG750A Street Rod®）』のイメージとシンクロし、新しい場所へと辿り着いた。そうしたキャンペーンソングのテーマに合わせて、今回はMVでも斬新なギミックが取り入れられ、「デジタル」と「アナログ」を融合させたユニークな映像表現が追求された。 Attractions MV「Instant Jam」

貴重なMV撮影現場のレポートをお届け！

まずは撮影スタジオにメンバーが登場すると、後に今回のMVで活かされることになる、それぞれのソロカットを撮影。TARO（Vo）、TAKE（G）、JUN（B）、AKIRA（Dr）の4人が影が際立つクールなライティングの中で、実際に歌や演奏を繰り広げながら、歌唱／演奏シーンを撮影していく。フロント、サイド、斜めロー、ミドル、寄り、引きなど様々なバリエーションが映像に収められた。

こうした各メンバーの演奏時には、他のメンバーもスタジオ内でモニターを観ながら様子を見守り、ときには「よりライブ感を出す」ために、ボーカルのTAROが他メンバーの熱いプレイに合わせて踊ったり、拍手をして演奏中のメンバーを盛り上げたりする瞬間も。こうした撮影時の雰囲気は、完成した演奏シーンでの熱い表情に反映されているはずだ。

続いてメンバー全員が集結し、スタジオにアンプを持ち込んでバンド全員での演奏シーンの撮影がスタート。

今度は4人の演奏が互いに連動し、映像にもバンドならではのグルーブが生まれていく。4人が横一列に並んだ際のスタイリッシュな佇まいは、まさに『ストリート750』や『ストリートロッド』の魅力とも繋がるような雰囲気だった。

昼過ぎにはいよいよ、2台のハーレーが撮影スタジオに登場！　『ストリート750』と『ストリートロッド』はコンパクトでありながら、広いスタジオ内にあっても重厚な存在感を放つ。早速メンバーとハーレーとが一緒になって撮影がスタートし、両者が映像でも互いの魅力を引き立て合う姿が印象的だった。

ハーレーのサイドミラーにメンバーの顔を映すなど、技アリの映像美を撮影する瞬間や、ハーレーの各パーツの魅力が改めて感じられるような映像も収められた。

気になる休憩中の様子や後半撮影は？

続きをSTREET×STREET vol.2でチェック！

Attractions

2016年結成。UKロックを原点に、俄かに全国から熱い視線を集める福岡のニューストリートカルチャーの一翼を担うバンド。福岡・大名にあるアパレルショップ、BINGOBONGOグループが新たに立ち上げた音楽レーベル〈GIMMICK MAGIC〉の第一弾アーティスト。 2017年8月28日、福岡発世界基準の音を鳴らすべくデビュー曲“Knock Away”を配信リリース。Spotifyでは「Early Noise」「Tokyo Rising」など数々の主要プレイリストを網羅。異例の60万回再生を超え、Apple Musicでは「今週のNEW ARTIST」に大抜擢。 2018年10月4日(木)発売のEP『Attractions』リリースイベントではyahyel、韓国からKIRINを招きチケットは即ソールドアウト。 2018年3月の＜サウス・バイ・サウスウエスト＞に出演。ライブを観た現地関係者からのラブコールで急遽追加公演が決定するなど、当地でも反響を呼んだ。6月13日に新曲“Leilah”を配信限定リリース、この夏には＜SUMMER SONIC 2018＞や＜SUNSET LIVE 2018＞など大型フェスへの出演も行った。 STREET×STREET vol.02 FREEDOM MAGAZINE

Text：杉山仁 Photos：横山マサト

2003年といえば、日本のロックシーンには際立ったムーヴメントがなかった時期だ。ただし、チャットモンチーやOGRE YOU ASSHOLEがメジャーデビューしていたりして、カテゴライズが困難な孤高の存在は同期だったことがわかる。そう、髭が今年デビュー15周年を迎えたのだ。ユニコーンに多大な影響を受けた須藤寿は、必然的に奥田民生経由でビートルズ（The Beatles）に出会うこととなり、00年代に20代を過ごした彼やバンドは、その影響の中でもサイケデリックな部分や、英国的なシニカルさやファニーな部分をオリジナルに昇華していった。危ういのに楽しい。変なのに可愛い。そして何よりライブが最高にドライブしていた。彼らの同世代にそんなバンドはいなかった。今回、ニューアルバムでもあり最新作の『STRAWBERRY ANNIVERSARY』と、〈ビクター〉時代の全音源から当時のスタッフがA面的なベストと裏ベストからなる２枚組『STRAWBERRY TIMES（Berry Best of HiGE）』を編集し、同時リリースする。この機に、フロントマンの須藤寿とマイペースに見える髭の15年を振り返ってみた。ちなみになぜストロベリーか？　については、自明なのであえて説明はしない。

Interview：須藤寿（髭）

——今回はデビュー15周年という機会なので、髭というバンドのこれまでを検証しつつ、最新作についてもお聞きしたいと思います。まず、そもそもどんなビジョンで結成したんですか？僕は後から入れてもらったんで、後から入って自分の好きな趣味を推してったってことだと思うんですけど（笑）。 ——（笑）。最初は誰の色が強かったんですか？ 最初は俺以外の斉藤（祐樹）と宮川（トモユキ）とフィリポ（川崎“フィリポ”裕利）の前のドラマーがやってたバンドだったんで、３人が曲も歌詞も書いてたんです。で、僕がボーカルとして呼ばれて「須藤も書けば？」ってやっていくうちに、少しずつ僕がメインになっていく感じだったんです。始めは大学のバンドだったから、彼らもどこまで本気だったかっていうとよく分かってなくて、うん。ぼんやり組んでいたものが単純にお客さんが集まってきて上手くいったって感じだと思うんですけど。 ——〈ビクターエンタテインメント（以下、ビクター）〉時代の２枚組ベスト『STRAWBERRY TIMES（Berry Best of HiGE）』はシングルやライブの代表曲メインで収録されていますが、今振り返ってみるとどのあたりが転機だったと思いますか？転機……。バンドの転機は『PEANUTS FOREVER』とかなんじゃないの？　なんか景色がガラリと変わった気がする。 ——アイゴンさん（會田茂一）プロデュースで入って。 に、なったとか。確か、『Thank You, Beatles』とか『I Love Rock’n Roll』が2005年で『PEANUTS FOREVER』が2006年だから、その差１年ぐらいしかないけど、『PEANUTS FOREVER』に入った時に、なんかギアが変わった気がしたんだけどな。 ——良くも悪くも、かっこいいロックンロールで、「同じ髭」になりかけてたところにアイゴンさんがプロデュースで入って、いずれ加入しちゃうことになるじゃないですか。そうですね。 ——ライブでもレコーディングでもトリプルギターでバリエーションを広げようとしてたのかな？　と。 いや、そういうことでもなかったと思う。とにかくアイゴンさんには、バンドをまとめて欲しかったんですよ。バンドがあの時、分解しそうだったから、「やばいな」と思って。アイゴンさんには緩衝材として……やっぱ一人だけ大人だったし。僕たちは20代で、アイゴンさんがいればまとまるなっていう、精神的支柱だったんだと思う。だからライブではギターが３本もあるからダボついちゃうから、弾いてるようで弾いてない時とかいっぱいあったし。そういうのアイゴンさんは引くテクニック、自分が一歩下がるテクニックみたいなのはすごい上手というか、でも存在感はある、そういうのは感じました。 ——〈ビクター〉時代、実験的なこともやってたじゃないですか。アルバム全１曲の『Electric』とか。髭のダンスミュージック的なアプローチの時代。うん。『Electric』はもう、斉藤のものすごい影響下で作ってましたね。なんか『Chaos in Apple』が終わったあたりに、しばらく会ってなくて斉藤の家に遊びに行ったら、ものすごいレコードが増えてて、全部ミニマルテクノで。聴かせてもらったら俺もハマっちゃって。髭っていうグループがこれから先、音の方向転換するのは全く見えなかったけど、それまではものすごく駆け足でアルバムを作ってたんで、ちょっと休憩しようって時だったから、サウンド的なトライアルとして、昔の曲を今の影響でリアレンジしたら面白いんじゃないか？　って言ったのが『Electric』。だからあれは新曲じゃなくて良かったです。 ——このベスト盤の時以外にも転機だった頃といえば？ でもその辺が転機かもしれないですね。それまではアンダーワールド（Underworld）とかエイフェックス・ツイン（Aphex Twin）とか、それぐらいの範囲で済んでたものが、世界的にもそうなんですけど、2007年、2008年ぐらいから、また大きく変わってきたというか、いろいろなものが開けて見えるようになってきたというか。それでいろんなものを聴いた記憶がありますね。いろんなフェスにも遊びに行くようになったし。それも一つ転機だったかもしれないですね。 ——2015年の『ねむらない』以降で、今回の15周年記念アルバムもそうですけど、マスタリングというか仕上がりの音像が変わったと思うんです。なので、それも転機なのかなと。今の20代で、サイケデリックなことをやってるバンドも多いですけど、USインディー以降とのリンクは『ねむらない』以降の特徴かなと。ああ、そうかもしれないですね。 ——須藤さん自身はリアルタイムの20代の音楽というより、もっと全般的にオーセンティックなアメリカの音楽を聴いていたり？ いや、全然聴いてないですよ。 ——じゃあそれはバンドの中で起こる化学変化？ そうですね。何か常に聴いてはいるんでしょうけど。この『STRAWBERRY ANNIVERSARY』の参考になるような音源があったか？　っていうと、全然そういうのはなくて「もう髭は髭でいいや」って感じになっちゃってるんで（笑）。何かを、それこそ前作（『すげーすげー』）の頃は、アラバマ・シェイクス（Alabama Shakes）聴いてて、でも歌詞とか全然アラバマ・シェイクスっぽくないし。 ——いや、歌詞はならないでしょ（笑）。しかも『ねむらない』と『すげーすげー』は作品的には両極というか。 そうそう。『ねむらない』は自分の中ではやりたいことというか、かなり野心作だったんです。髭でベッドルーム・ミュージックというか、僕の中で寝ながら聴いて、そのまま落ちれるやつを作りたいなと思ってて、うるさくないやつを。それで本腰入れてやってたら、俺しか燃えてなかったというか、「やばい、これ、バンドじゃなくなってきてる」と思って作ったのが『すげーすげー』です。反動が出てる。「バンドにしなきゃダメだな」と思って。それで隣り合わせなんだけど両極端なアルバムができて。 ——なるほど。 で、『すげーすげー』のツアーが終わった後に来年15周年だということに気づいて。15周年のアルバムを出すんだったらインプットしてる時間はなくて、制作を始めてくれないともう間に合わないと言われたんで、割と『すげーすげー』からインプットなしに、そのまま地続きに来たっていうのが『STRAWBERRY ANNIVERSARY』なのかなっていう。なんか聴いてる暇はないというか、ゆっくりしてる時間はない感じでしたね。 ——両方に振り切った２枚の要素が今回のアルバムにはそれぞれの曲に落とし込まれてる感じがしました。“Play Limbo”のフェイドアウトが珍しいなと思ったり（笑）。（笑）。解決しないっていうね。この“Play Limbo”って、リハしなかったんですよ。詞曲書いて、最後のレコーディングの時になんか今回のアルバム、物足りないな、もう一個、なんか予定調和にならない曲が欲しいなと思って。もうみんなに会う予定なかったんですよ、３日後に最終レコーディングなんだけど、リハも一回もなくて。時間がなくて２日目に、だったらその場でレコーディングしてみようと思って用意してた曲なんです。斉藤とはデモでちょこっと煮詰めてたんですけど、ベースとドラムは曲知らなくて「こんな感じで早いところと静かなところ、とにかくやってみよう、適当でいいよ」って言って。で、やってみたというのが“Play Limbo”です。 ——すごいなぁ。でも勢いの方のライブ感じゃなくて、様子を見ながらやってるライブ感がありますね。 ああ、そうそう（笑）。ドラムとベースは曲が分かってなかったと思うから。 ——面白い。でも分かってなくても形になるというか、むしろ「これ、こういうパターンね」って舐めてない感じがいいですね。 そうそう。「ほんとにこれでいいの？」みたいな感じでしたけど。 ——近年のUSのサイケデリックやフォーキーなアーティストに通じるものを感じて。例えばマック・デマルコ（Mac DeMarco）とか。 ああ、いいですね。マック・デマルコは僕もすごく影響受けましたね。大好きでしたね。 ——そういう感覚が数年前の髭とちょっと違うところかなと。髭っていうバンドの実年齢がどんどん分からなくなってきたとも言えるんですが（笑）。ほんとですよね、確実におじさんなんですけどね（笑）。 ——（笑）。“きみの世界に花束を”は素直に名曲！　って言いたい曲で。愛しかないですね、この曲は。内容もストレートだし。 この曲は今回のアルバムでもちょっとでき方が違うというか、歌詞もバッチリみんなに見せる前にはできてたし、まぁ、プライベートなこととかもかなり色濃く反映した楽曲だと思います。だいたい、髭の曲の場合は自分が例えば曲を書いて、その時までは鼻歌だったり、ある程度、重要なキーワードぐらいしかなくて。例えば“ヘイトスピーチ”でも、サビの《ヘイトスピーチ》の連呼しかないとか、そんなもんなんです。バンドがまとまって「あ、この曲はいいね」ってなっていったら、みんなにアレンジしてもらった後から、歌詞の肉付けをする。だから、割と歌詞は後付けだったり、曲先だったりするんで、その中で“きみの世界に花束を”は曲と歌詞が同時にできてて。まぁ他のメンバーの影響をあんまり受けてない曲だと思います。 ——それに『ねむらない』以降って、コーラスがすごく増えたなと思うんです。今回もしかりで。 そうそうそう。コーラスが好きになったんだと思います。コーラス考えるのが楽しいし。あと、最近の制作事情にも関わってると思うんだけど、スタジオで合わすよりも自宅で、お互いのデモで高めあえる環境になったから。でもドラムとかベースって全部打ち込みで作っちゃうから。で、スタジオ入った時に、みんなに好きにリズムつけてもらえばいいやっていうことで、ベースとかドラムはある程度のところまでしか作らないんですけど、そうなってくると作れるのって、ギターとコーラスぐらいで、コーラスはいくらでも自分で考えられるから。だからコーラスが増えてきたのかも。 ——“得意な顔”の無機質なサイケデリアもいいですね。 これはね、ベースラインをまず頭の中で思いついて。そのワンフレーズのみでベースは始まりから最後まで行ってもらって、あとは歌とギターで景色を変えてみようと思って。“得意な顔”は一発録りで、中盤の構成は小節数決めないでやったので、何テイクか録ったんですけど、全部長さが違って。結果的に一番はじめに録ったテイクをOKにした気がする。 ——いいですよね。決めてない感。 そうそう。最近思ったのが、レコーディングも、そういうふうに予定調和じゃない感じでした方が、あとあと日記として機能する、あまりに自分で作り込み過ぎて、バッチバチにアプリケーションで作りまくっちゃうと、何年後かに聴いた時につまんないなと思っちゃうんです。余白や予定調和じゃないのもが残ってると、何年後かに自分で聴いた時にそこにスリルを感じたり、この頃のこの音源、面白いなと思える。自分の15年やってきたキャリアとしてはそういう感触があって、作り過ぎないものの方が忘れた頃に楽しめる。一生懸命作り過ぎた曲って、後で聴くとつまんなかったりして。「あれ？」って感じがしちゃうんですよね。 ——デビューしてすぐの時代のレコーディングは今に比べるとかっちりしてるというか。曲自体は昔から自由だけど、仕上がりに今の方が余白がありますね。そうですね。あの頃はアイゴンさんと南石（聡巳）さんのコンビだったんで、結構、〈ビクター〉の一番最後のあたりは僕たちも分かってなくて。どういう風に味付けされたのか、教えてくれなかったし。それはそれで今聴くととっても新鮮なんですけどね。最近のはどこまでも直せちゃう技術がすごくて、どこまでも直せちゃうから、直さないようにするのが難しいんです。女性の写真撮るアプリと同じで、できるだけ修正したい、めっちゃ顎とか尖らせたいし、目を大きくしたいし、できるんだけど、やっちゃうと自分じゃないんだよなみたいな。それを手にいれた時はそのテクノロジーを駆使して、すごい喜びに浸ってたんですけど、それを始めた頃の自分たちのトラック聴くと「誰でもいいんじゃない？」ってなっちゃう。理想の雛形みたいになっちゃって、最初は大満足なんだけど、もともと影響を受けたビートルズやヴェルベッツ（The Velvet Underground)）の曲たちを聴いてみると、間抜けなとこばっかりで、「これすっぴんじゃないの？」みたいに感じる。 ——その時代は技術的にすっぴんにしかできなかったというのもありますけど。 自分はどんどんどんどんナルシスティックに直したいんだけど、人はナルシスティックなところを見たくない、その人のすっぴんの部分を見たい、特にロック、音楽とかアートというのはそういうものだと思うんですよ。その人のすっぴんを見たいものなんです。ビジュアル系も言葉を変えればすっぴんみたいなものだし、その人たちからすれば、あれが素顔だってことだし。なんかそう考えた時に、自分はもう……演歌歌手ぐらいうまく歌えるんならOKだけど直してしかそうならないなら直すなよっていう感じのところになってるんですかね。 ——もともと影響を受けたミュージシャンとは別に、今のミュージシャンだとどういう人たちが励ましになりますか？ でも周りにいっぱいいるんだよね。ガタリ（須藤寿 GATALI ACOUSTIC SET）とかやってて、ガタリのメンバーはみんな励みになるなぁ。なんかすごいみんな面白いんだよな。ガタリのメンバーとのレコーディング、それも15年というキャリアの中では一つの転機になるというか。2012年ぐらいから知り合い始めたんです。長岡（亮介）とかケイタイモ（KEITAIMO）、ゴメス（中込陽大）、伊藤大地とか。やっぱりみんな直さないんだなと思って。レコーディングした時に「やっぱそうだよな」と。何も話さなかったんですけど、俺よりもみんなすっぴんで、すごいそれは励みになりましたね。でも実は、「ただうまかっただけなんだ、こいつら」と思いましたけど（笑）。 ——髭って60年代〜80年代のアーティストと並べてもおかしくないし、今の20代のバンドと並べてもおかしくないと思います。 あ、ありがとうございます。 ——CHAIやTempalayも髭、好きですもんね。 そう、Tempalayもびっくりした、こないだと大阪でライブした時、打ち上げで（小原）綾斗から話しかけてきて、「いやー、須藤さんのギターのステッカーの位置からバッジの位置から髪型から全部真似してましたよ」って（笑）。CHAIは褒めてくれ方も面白いし才能もあるし。３日前ぐらいに新宿LOFTでライブだったんですけど、久しぶりに踊って（ばかりの国）の下津（光史）に会えて。あいつも初めてあった時は“ブラッディ・マリー、気をつけろ！”とか聴いててくれてて。ちょうど一回りぐらい下なんですよね、みんな。民生さんと僕もその関係だから、やっぱ一回りすると好きなものも回るんでしょうね。 髭 - ブラッディ―マリー、気をつけろ！【MUSIC VIDEO(Short Ver)】

——ちなみにアーティスト写真には佐藤（謙介）くんも一緒に写ってますが、今、どういう状況なんですか？ サポートですよ。そこが髭はゆるくてね。MVには映ってないしね（笑）。昔ほどそんなにバンドってことに固執してるわけじゃないし。でもだからいい感じの距離感で付き合えてるんだと思います。 ——メインソングライターとしてのプレッシャーはあると思うんですけど。 いや、全然ないですよ、全然（笑）。今回は15周年だし、みんなで書いた曲でやろうって言って作ったし。全然プレッシャーなんかないですよ（笑）。

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髭BERRY BEST ALBUM「STRAWBERRY TIMES （Berry Best of HiGE）」

STRAWBERRY ANNIVERSARY

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Interview：KM、KLOOZ、SHINTARO KUROKAWA

ここ数年、楽曲のクレジットに、あるトラックメーカーの名前を見ることが増えた。その名はKM。トラックメーカーであり、プロデューサーでもある彼は、kiLLa、BAD HOP、KANDY TOWN、SKY-HIなど、メジャーアーティストへの楽曲提供やRemixワークに加え、AbemaTVのオーディション番組「ラップスタア誕生」でのトラックを手掛けていることでも知られる。 2017年の末には自身初となるInstrumental作品集『lost ep』をリリース。そしてとうとう、満を持して9月19日（水）に、KM本人名義のアルバム『Fortune Grand』が発売された。本作はKMがトラック制作からミックス・マスタリングまでを総合プロデュースし、MCのKLOOZがボーカルディレクションを担当。そして客演には、RENE MARS、ACE COOL、Weny Dacillo、Taeyoung Boy、Lui Huaといった若手注目株のラッパーから、kiLLaのYDIZZY、そして田我流までが参加している。サウンド、リリック、MV、ジャケット……すべてにおいて、国産HIPHOPの新機軸を提示するかのようなこのアルバムについて、KM、KLOOZ、そしてアートワーク&MVディレクターを務めたSHINTARO KUROKAWAの3人にたっぷり話を聴いた。

KMのビートはラッパーからすると、“余白”を残してくれてる（KLOOZ）

——まず、アルバムのタイトルにもなっている『FORTUNE GRAND』。これにはどういった意味合いが込められているのでしょうか？ KM　そもそもアルバムを作ろうと思った時に、僕はプロデューサーなんで、歌い手さんを集めないといけないと。そこで「こんなイメージなんだよね」っていうのをKLOOZくんに伝えて、ACE COOLとかRENE MARSとか歌い手を選んで候補を出してほしいとお願いしたんです。あとは実際にデモが上がってきたら、「こういう歌い方の方が良いんじゃないかな」とか、ボーカルのディレクションもKLOOZくんにお願いしました。 KLOOZ　「レコーディングの方は俺に任せてよ」って言って。KMくんと連絡しあって、構成についても話し合ったり、コネクトさせてもらったりとか。 KM　そうやってるうちに、2人でもいろいろできるねってなった。一応、今回のアルバムは僕名義でやってるんですが、そういう意味でFORTUNE GRANDっていうKLOOZとのプロデュースチームがだんだんと形作られていきました。 ——〈FORTUNE GRAND〉は訳した場合、どういう意味なんですか？ KLOOZ　元々は自分を筆頭に立ち上がったレーベルで〈ForTune Farm〉っていうのがあって。Fortune自体は幸運や富って意味で、僕たちはTを大文字にしてるんですけどForTune Farmで“音楽のための場所”っていう意味にもなってて、ダブルミーニングのコンセプトがあるんです。それが先にあった上で、KMくんとは音楽でもっと世界を目指したいというか、世界に通用する音楽を作りたいねっていう想いから、壮大の意味を持つ“GRAND”にしたんです。 KM　最初、KLOOZくん間違えてましたよね。 KLOOZ　そう。一同　ハハハ！ KM　FORTUNE “GROUND”でイベント打っちゃってた。 KLOOZ　言うの遅いんだもん！ KM　正しくはFORTUNE GRANDです。 ——間違えずに書いておきます。今回、制作はいつぐらいから始まりましたか？ KM　そもそもビートはすごい溜まってたんですよ。2017の4月ぐらいから……2016年もあるかな。そのころに作ってたビートを最初ラッパーに渡したんですけど、僕的に2016年のビートに飽きちゃってて。結局、ほとんどやり直したよね？ KLOOZ　うん、やり直した。 KM　ビートを渡して、アーティストには最初「それはタイプビートだと思ってくれ」みたいに言いました。明らかにそれを作った2016年の時より、僕の中でできることが増えていたので。そういった意味では、制作期間は今年５月からなので３ヵ月くらいです。ビートの原型はもうあったんでわりと全体の構想はスムーズに進みました。 ——ではこの曲数、このメンツって固まったのはけっこう最近の話なんですね。 KM　8月に入ってからですね。しかも苦渋の決断で削ったりしてるんですよ。 KLOOZ　そうだね。 KM　僕はマスターまで全部やるんですけど、いつも納期ギリギリまでやっちゃうんですよね。昨日は納得してても、朝起きたら「ちょっと違うな」みたいなことがけっこうあるので。

——以前、粗悪ビーツさんと対談された記事を拝見したんですけど、かなり細かくビートを調整する性格だと仰ってましたね。 KM　そうです。めちゃくちゃ細かいんですけど、徹夜続きの時とかは前日に作ったビートを朝に聴くと、疲れもあってかスネアの音色が違って聴こえたりするんですよ。さらに納品日に聴いたら「ちょっとこれ不協和音だな」みたいな。本当にギリギリまでご迷惑をおかけしました。この場をかりて。一同　フフフ……。 ——「できることが増えた」っていうのは具体的にどんな部分ですか？ KM　まずここ最近だと、kiLLaはマスタリングもやって欲しいっていう依頼が多くて。だからボーカルのマスタリングっていうのは、kiLLaとやったことで特に自信を持ってできるようになったんです。chaki zuluさんに教えてもらったことを咀嚼しながら試行錯誤でした。2016、2017年はすごく勉強した期間でしたね。kiLLaはけっこう連絡してきてくれて、中でもYDIZZYとかはいつも突然で。 ——今回もYDIZZYさんは突然でしたか？ KM　今回もまた突然です。「なんか降って来ました」みたいな感じで連絡きて。 ——田我流さんに関しては後ほど伺うとして、それ以外のメンツは、いわゆる今注目の若手がそろっていますね。 KM　そうっすね。それはけっこうKLOOZくんが紹介してくれました。

——MVが公開されている“Distance”は、Weny DacilloにTaeyoung Boy、そしてLui Hua。 KLOOZ　今しかできないんじゃないかなっていう。 KM　この曲のビートはいろんな人に聴かせていて、一番人気があったんですよ。「これやりたい！」って勝手にラップ録ってくるやつとかもいて。 KLOOZ　とりあえず、Weny Dacillo（以下、Weny）とLui Huaも勝手に書いてたっていう。 SHINTARO KUROKAWA　そういうパターンなんだ。書きやすかったのかね？ KM　まあ僕はこのビートに一番時間かけましたね。というのもすごいシンプルなビートなんです。シンプルなのが一番難しい。 KLOOZ　でもKMのビートはラッパーからすると、“余白”を残してくれてる感じなんですよ。無限の可能性というか。”Distance”のトラックは特にそれが強かった。 KM　まあけっこう厳しいことも言いました。あれを録ったあたりから疲れが……。 KLOOZ　Taeyoung Boy が最後に録ったんですけど、それが終わった時は２人ともホッとしたよね。肩の荷が下りたっていうか。 KM　俺もあとはKUROKAWAさんに任せようって。 SHINTARO KUROKAWA　聞いてなくてよかったなと思いました。あの曲はけっこうスケジュールが押してたのでヒリヒリしてましたから。 KM　ヒリヒリしましたね〜。でもあの曲は奇跡的にできたと思うんですよ。一番早く書いたのがLui Huaで、Lui Huaは歌詞をその時点でWenyには送ってなかったんですけど、偶然２人のテーマが一致したという。 SHINTARO KUROKAWA　そう聞くとすごいね。 KLOOZ　すげー！　みたいな。Wenyのレコーディングは鳥肌立ったっすね。「同じ空の下」っていうワードが出てきて、Lui Huaが「この声天まで届け」みたいなことを言ってて。 KM　そうですね。そこはノーディレクションでした。次ページ自分のスタイルを最大限に生かしたヒップホップをやってほしい

今年の6月にサービス開始3周年を迎えた音楽ストリーミングサービス、「LINE MUSIC」。洋楽・邦楽問わず幅広いジャンルの音楽を楽しめることに加え、LINEのプロフィールに設定できる「プロフィールBGM」や学生に嬉しい「学割」があることから若いユーザーを中心に絶大な支持を得ています。そんなLINE MUSICがユーザー限定で一夜限りのスペシャルイベントを開催！　LINEファンが待ちに待った本企画の第一弾として、“Rise feat. Jack & Jack”が日本や世界で大ヒットを記録し＜ULTRA JAPAN2018＞にも出演した、ストリーミング総再生回数40億超のDJ／プロデューサー Jonas Blue（ジョナス・ブルー）が登場！　今回はそのイベントレポートとインタビュアーにセレイナ・アンを迎えLINE LIVEで放送されたインタビューの模様をお届けします。

Interview：Jonas Blue

セレイナ・アン（以下、セレイナ）　それでは早速登場してもらいましょう、ジョナス・ブルーです、Welcome！　日本の来日は3回目だそうですが？ ジョナス・ブルー（以下、ジョナス）　もう故郷みたいで、来る度に嬉しいよ。 セレイナ　日本の好きなところは？ ジョナス　一番はショッピングかな。もちろん食べ物もだけど。 セレイナ　ショッピングが楽しみなんですね！　ご飯は何を食べてますか？ ジョナス　なんでも食べるけど、日本のお寿司はおいしいよね。 セレイナ　お寿司！　ちなみに好きなネタは？ ジョナス　サーモンやマグロかな。 セレイナ　定番のものがお好きなんですね〜。では、ここからいろいろご質問していければと思います。今年ULTRA JAPAN初登場ということですが、どんなライブパフォーマンスに？ ジョナス　正式に出演するのは世界初のULTRAだから、本当にすごく楽しみにしてたんだ。新曲から定番曲までやらせてもらった。 セレイナ　今、日本では“Rise”が大ヒットしていてLINE MUSICでは1位を6回も獲得しています。日本での大ヒットについてはどう思われますか？ ジョナス　最高の気分だよ。“Perfect Strangers feat. JP Cooper”、“Mama feat. William Singe”も日本での評判は良かったようだけど、それよりも“Rise”がスーパービッグヒットになってることに興奮してる。イギリス人のアーティストとしてみんなが受け入れてくれてるのを感じていて、“Rise”がRISE（上に上がる）してることに対して興奮してるね（笑）。 セレイナ　ダジャレを言ってくれました！（笑）　その“Rise”ですが、この曲が生まれたきっかけを教えてくれますか？ ジョナス　4月にロサンゼルスに行った時にジャック＆ジャックがラジオのインタビューに答えていたのを聞いたのがそもそものはじまりなんだ。そのインタビューでは、若者の声がなかなか周りの人たちに理解してもらえないし届かない、そういった葛藤について話してて、それにすごく感銘を受けたんだ。実はその時は彼らのことを知らなかったんだけど、その後彼らがVINE出身のすごいスターなんだっていうことを知って。ロンドンに戻った時に、“Mama”を一緒に制作したチームとジャック＆ジャックってアーティストのインタビューからインスピレーションを受けて曲を作りたくなったっていう話をした。いまのミレ二アル世代にはネガティブなところがある。でも自分は結構ポジティブな曲を書いているから、彼らのネガティブな部分をポジティブなものに変えられるんじゃないか、って。それから曲を作って、ジャック&ジャックに「君たちのインタビューにすごく感銘を受けてこの曲ができたんだ。なのでぜひ歌ってほしい」っていうメッセージを送ったんだ。 Jonas Blue - Rise ft. Jack & Jack

セレイナ　ミュージックビデオが本当にかっこいいですよね。ポルトガルで撮影したというお話ですが？ ジョナス　ちょうどコーチェラ・フェスティバルの週末だったんだけど、彼らがコーチェラから戻ってきた翌日にはスタジオ入りしてくれて、すぐに歌入れをしてくれた。その次会った時はもうポルトガルの撮影だったよ。 セレイナ　ラジオから感銘を受けて曲まで作るって本当に次元が違いますね。LINEユーザーの間でプロフィールに設定できるプロフィールBGMが大流行してますが、ジョナスがおすすめしたいBGMはありますか？ ジョナス　もちろん自分の曲もおすすめだけど（笑）、ショーン・メンデス（Shawn Mendes）もいいよね、大ファンなんだ。もちろんブルーノ・マーズ（Bruno Mars）や、ハウス系だったらドン・ディアブロ（Don Diablo）とかもクールだと思うよ。 セレイナ　ティーンのツボをおさえてますね！　ちなみにLINE MUSICには「10曲でわかるJonas Blue」というプレイリストがあります。このプレイリストの楽曲の聞きどころを教えてください。 ジョナス　まだアルバムを出してないから、僕を知ってもらうにはこのプレイリストが最高だね。サブリナ・カーペンター（Sabrina Carpenter）とのコラボ楽曲“Alien”やアーリッサ（Arlissa）との“Hearts Ain't Gonna Lie”といった他の人とのコラボも入ってるからいい。“Fast Car feat. Dakota”とか“By Your Side feat. RAYE”とかもね。1箇所でまとまって自分の曲が聞けるのは嬉しいな。「10曲でわかるJonas Blue」プレイリスト セレイナ　ちなみに3年前にリリースされた“Fast Car”が一番最初のシングルとのことですが、感覚としては猛スピードでスターの階段を駆け上がったイメージがあります。そのことについてはどう思いますか？ ジョナス　“Fast Car”をリリースした時、周りがどんなリアクションをするのか想像がつかなかった。でもこの曲のおかげで単なるイギリスのアーティストではなく世界のアーティストととして知られるようになったと思う。イギリスだけでなく、日本をはじめ世界中で聞いてもらえるようなアーティストになりたいと考えていたので、本当にありがたいよ。 セレイナ　そんな今すごくアツいジョナスですが、今回の来日で初挑戦したいことはありますか？ ジョナス　逆に行ってほしいところがあれば教えてほしいな（笑）。 セレイナ　ショートトリップでスーパー楽しめるアクティブなところ、どこでしょう？（笑）　さて、ここで皆さんからきている質問もお伺いします。日本で行きたいところは？ ジョナス　Five G（ヴィンテージ・シンセサイザー専門店）かな。あとはレストランに行きたい。 セレイナ　食とファッションと音楽、全部ですね！　おすすめするところがない！（笑） ジョナス　まあ、なんとなく行きたいところは決まってるかな（笑）。 セレイナ　もうひとつ質問がきています。アルバムを作る予定は？ ジョナス　実はもう制作は終わってるんだ。もうそろそろリリースされるよ。 セレイナ　え〜！？　それは寒い時期？　熱い時期？　……あ、地球上のどこにいるかにもよって変わりますね！（笑） ジョナス　そうだね（笑）。もうすぐだよ。 セレイナ　楽しみです！　今回のLINE LIVEイベントには10代の若い子たちがたくさん来てくれましたが、どうですか？ ジョナス　若いファンのみんなは全曲聴きたいと思ってるだろうけど、メインの曲はパフォーマンスするよ。みんなで歌ってほしいな。

LIVE PHOTO REPORT

当日のプレイリストはこちら！

この週末に東京・代官山T-SITE内GARDEN GALLERYにてフリーライブ＜FREE[ER] WEEKEND PREMIUM LIVE SHOWCASE＞が開催！ 10月13日（土）、14日（日）の2日間の予定で、1日目のテーマ＜Swingin’ Night＞には高岩遼とAzumiの二組、2日目のテーマ＜Hit The Town＞にはThe ManRay、Rei、Kan Sano（acoustic set）、の三組が出演が決定しており、プレミアムなライブをお届けする予定だ。このイベントは先日発表されたハーレーダビッドソンの最新モデルFXDR™ 114と過ごす特別な週末＜FREE[ER] WEEKEND＞として9月22日から毎週末、全国各地で行われてきている。そして今週末に迫ったイベント開催を前に、初日に共演する高岩遼とAzumiの二人によるスペシャルな対談が実現！ wyolicaのヴォーカルとしてデビューし、2011年のソロ・デビュー以降はDJ、デザイナー、役者など多岐にわたる活動と並行して、ジャズ・シンガーとしても精力的な活動を行っているAzumi。SANABAGUN.、THE THROTTLE、SWINGERZの中心人物であり、10月17日にはビッグ・バンドを起用したソロ・デビュー・アルバム『10』をリリース予定の高岩遼。二人のヴォーカリストに、「ジャズ」をテーマに語ってもらった。ジャズを愛する二人の話を聞けば、＜FREE[ER] WEEKEND PREMIUM LIVE SHOWCASE＞をより堪能できるはずだ。

Interview：Azumi×高岩遼

——Azumiさんと高岩さんは10月13日（土）に行われるハーレーダビッドソンの＜FREE[ER] WEEKEND PREMIUM LIVE SHOWCASE＞で、久々の共演となります。まずは、お二人の最初の出会いについて教えてください。 Azumi　昨年の4月に六本木でやったライブが初めましてだよね？ 高岩遼（以下、高岩）　そうですね。六本木のVARITというライブハウスでイベントをすることになって、ぜひ誰か女性のジャズ・シンガーを招きたいねという話をしていたんです。そこでライブハウスのスタッフさんから「Azumiさんがいいんじゃないか」という提案があって、自分も「Azumiさんだ！」ということでお声がけしました。 ——その時もジャズのイベントで、お二人でデュエットも披露したそうですね。 高岩　やりましたね。“Fly Me To The Moon”歌いました。キーをどうしようか、みたいな相談をしたのを覚えてます。 Azumi　あと“You'd Be So Nice To Come Home To”も一緒にやったよね。

——どちらもジャズのスタンダードですね。デュエットする楽曲はすんなりと決まったんですか？ 高岩　事前にメールで、「何やります？　てか、遼くんは何を歌うの？」みたいなやり取りを少しして、あとは現場で少し合わせたくらいでした。でも、どっちかというと、「何着る？」みたいな衣装の話をしてましたね。「僕、セットアップは緑ですよ」って。 Azumi　そうかも（笑）。今日も何を着てくるのかすごい気になったもん。高岩　俺もどんな感じか、結構気になってました（笑）。 ——実際に共演してみて、お互いの印象はいかがでしたか？ Azumi　まずは声が素晴らしいと思いましたね。日本人で、フランク・シナトラのような唱法のクルーナーってなかなかいないじゃないですか。上の世代の大先輩には多いですけど、若い方ではあまりいない。私はその時初めてジャズを歌ってるのを聴いたんですけど、素晴らしかったです。 ——Azumiさんの印象はどのように変わりましたか？ 高岩　それまではお会いしたことがなかったので、もっとフワフワした、フェミニンな方なのかなと思ってたんですよ。でも、実際に共演してみると男気があって。歌手として北海道の方から出てこられて、タフにやられてる。精神力の強さを感じましたね。 Azumi　いやいや、ありがとうございます（笑）。

——今回の＜FREE[ER] WEEKEND＞は、それ以来久しぶりの共演になります。お二人が出演される10月13日（土）のステージは＜Swingin’Night＞ということで、ジャズ・セットを予定されていると思いますが、まずはお二人のジャズとの出会いについて教えていただけますか？ Azumi　私はもともと10代の頃からブラック・ミュージックばかり聴いていて、70年代ソウルやファンク、90年代のアシッドジャズ、ヒップホップ、R＆B、その辺にどっぷりハマった人なんです。例に漏れずローリン・ヒルになりたかったB-GIRLみたいな。高岩　いやー、最高っすよね。 Azumi　私はローリンのつもりだったけど、アムラーって言われてた（笑）。 ——（笑）。確かに、そういう時代かもしれませんね。 Azumi　その辺を聴いてるうちに、その影響元でもあるジャズとフュージョンの方に向いていって。一番初めに聴いたのがディジー・ガレスピーだったのかな。エラ・フィッツジェラルドや、ヴォーカリストも聴いてはいたんですけど、それよりも実はインストものが好きだったんです。中でもハービー・ハンコックが大好きで、LAでレコーディングがあった時にハービーの家を見に行ったり（笑）。

高岩　マジっすか！（笑）。ヴォーカリストじゃないのは意外ですね。 Azumi　そうなんですよ。自分はヴォーカリストなんだけど、聴くのはインストの方が多い。ドラムとベースとバッキング。リズムやコード感ばかりに耳が行ってました。 ——高岩さんはどのようにジャズと出会ったんですか？ 高岩　俺は小学校3年生くらいの時に、スティーヴィー・ワンダーの『The Definitive Collection』っていうアルバムをずっと聴いてて。それこそ歌詞カードがグシャグシャになるくらい聴き込むほど大好きだったんです。その後、小学校6年生くらいでレイ・チャールズに出会って。 Azumi　えー！　早熟！高岩　“We Are The World”の一番最後のパートを歌ってるので、感激しちゃって。中学校に入るとヒップホップがやってきて、ヒップホップ、R＆B、ソウル、ブルースみたいな。本当に黒人音楽至上主義みたいな脳みそのB-BOYでしたね。 ——十代の頃の音楽ヒストリーは、お二人ともどこか似てますね。 高岩　B-GIRLとB-BOYだったっていう。共通してますね（笑）。 Azumi　そうですね（笑）。皆、やっぱり入りは「ブラック・ミュージック！」みたいなところあるよね。『ブルース・ブラザーズ』とか観るといまだに興奮します。高岩　高校2年生くらいでブルースとかジャズを聴くようになるんですけど、その時はジャズとブルースの境目がまだ分からなかったんですよ。それで、ある時に手に入れたジャズ・ヴォーカリストの廉価盤コンピレーションに、一人めちゃくちゃ歌が上手い人がいて、感激して号泣しちゃったんですよ。それがフランク・シナトラだったんですよね。心に届くものがあると。最高で、そこからジャズのヴォーカルはずっと聴いてましたね。

——高岩さんは、10月17日にソロ・デビュー・アルバム『10』のリリースを予定されています。このアルバムはどのような作品になっていますか？ 高岩　シナトラのカバー3曲で、後は全部オリジナルです。フルでビッグ・バンドでレコーディングしたんですけど、僕の中のジャズ最先端になってます。僕のジャズ愛だけだったらシナトラの焼き直しとかレイ・チャールズみたいになってしまいそうだったんですけど、〈Tokyo Recordings〉のYaffleがプロデューサーで入ってくれて、今までチャレンジしたことがなかったような作品になりました。 ——今回ソロ・アルバムを作ったのは、どういうきっかけがあったんですか？ 高岩　もともと岩手の田舎から「絶対スターになりたい」って思いで上京してくるときに、母ちゃんとか仲間に「俺が絶対にソロで出すときはビッグ・バンドでしかやらない」って話をしていたんです。それから音大で四年間ジャズを学んで、卒業してからSANABAGUN.とかTHE THROTTLEとか、SWINGERZって仲間たちが増えていく中でも、ソロの思いはずっと頭にあって。でも、僕が首謀者でバンドを作ってるんで、男としての責任があるじゃないですか。だから、まずはバンドを盛り上げていたんですけど、去年の4月くらいに、〈ユニバーサル〉のユウスケくんが、「遼くんソロやらない？」っていうのを恵比寿BATICAで言われて、「よし、じゃあビッグバンドでやろう！」って話したんです。 Azumi　いい話ですね！

——Azumiさんもソロでは、ジャズ・アルバムのリリースやジャズ・フェスの出演など、ジャズ・シンガーとしての自分を大切にされている印象があります。 Azumi　私もwyolicaをやってる頃から、ずっとジャズ・アルバムを出すのが夢だったんですよ。でもwyolicaの時は、創ることができなくて我慢してたんですけど、ある時自分で企画を立てたんです。 ——その企画はどのように発案したんですか？ Azumi　ジャズってなんで若い女の子たちが聴かないのかな？　という疑問がずっと自分の中にあったんです。ジャズは敷居が高いし、難しい音楽みたいな印象があるから、私はその入り口を作りたいなと思って。それで、ジャズ・スタンダードやクラシックのメロディに自分で日本語詞を乗せるというコンセプトにしました。あとは、ジャズ・シンガーって夜のイメージが強いけれど、朝聴けるジャズにしようと。ジャズの間口が広くなって、ジャズを知るきっかけになれば良いなと、思っています。 ——ハーレーダビッドソンとの関連でいうと、毎年開催されているハーレー乗りの祭典＜BLUE SKY HEAVEN＞に、お二人とも出演されてますよね。全国から集まったハーレー・オーナーの前でのライブはいかがでしたか？ Azumi　多分私のことを知っている人はほとんどいなかったと思うんですけど、なんか優しかったし、温かかったです。「良かったよ、ねーちゃん！」みたいな感じで（笑）。高岩　みんな優しいですよね。 Azumi　見た目はみんなゴツいのに、優しい。

——高岩さんはどうでしたか？ 高岩　僕は二つのバンドTHE THROTTLEとSANABAGUN.で出演させて頂いて。ロックとヒップホップでリアクションも全然違って、面白かったですよ。ハーレーとロックは何か繋がるものがあるし、ハーレーとヒップホップは意外性が楽しめるということで、そういうのがお客さんの顔見てわかるというか。「懐かしいことやってるねぇ！　サイン書いてくれよこのGジャンの後ろに！」みたいなおじいちゃんいたし（笑）。 Azumi　（笑）。遼くんは、ヤンチャだったおじいちゃんとかに好かれそうだね。 ——今回の＜FREE[ER] WEEKEND＞は、ハーレーダビッドソンの最新モデルFXDR™ 114と過ごす特別な週末というイベントです。このFXDR™ 114を実際にご覧になった感想を教えてください。 Azumi　すっごいオシャレ。フォルムが美しい。高岩　確かに。ちょっとトランスフォームしそうですよね。形が変わって、喋りかけてきそうな雰囲気がある（笑）。

——高岩さんは昨年、大型自動二輪免許を取られて、今は実際にハーレーに乗ってらっしゃるんですよね。 高岩　そうです。僕とSANABAGUN.のギターの隅垣元佐が免許取らせてもらいました。 Azumi　そうなんだー、すごい！　でも、むちゃくちゃ似合いますね。高岩　去年の夏に、かっこいいところを地元の奴に見せたいから、1800cc近い、デカいハーレーで地元の岩手県宮古市に凱旋帰省したんですよ。僕のママも拍手してましたよ。「あんた、頑張ってるね」って（笑）。 Azumi　かっこいい！　車とかバイクって、親への効力は大きいですよね。「こんなバイク買えるなんて、頑張ったんだね」みたいな。高岩　間違いないですね。

——今回のライブは、どういったセットを予定されていますか？ Azumi　私はピアノ・デュオで、SWING-Oさんにピアノを弾いてもらいます。曲は自分のソロの楽曲やカバー、昔のユニットの曲をやるつもりでいます。高岩　おー！　それはバキバキの二人で、楽しみですね！　僕は若手ジャズマンのコンボで歌いますよ！ ——―曲目はソロ・アルバムからやる予定ですか？ 高岩　いや、多分スタンダードしかやらないですね。 Azumi　スタンダード楽しみですね。私もスタンダードで何かやろうかな。対抗して。高岩　やめてくださいよ！（笑）。

Text：青山晃大 Photos：真弓悟史

EVENT INFORMATION

＜FREE[ER] WEEKEND PREMIUM LIVE SHOWCASE＞

2018.10.13（土）、14（日）代官山T-SITE　GARDEN GALLERY 出演 13日　高岩遼、Azumi 14日　The ManRay、Rei、Kan Sano (acoustic set) 詳細はこちら

EVENT INFORMATION

Azumi presents Love Lounge

2018.12.17(月) Blues Alley Japan 詳細はこちら

山内マリコが2012年に発表した処女小説『ここは退屈迎えに来て』がついに映画化される。主演は橋本愛。東京に出たが、夢を諦めて地元に戻った27歳のフリーライター「私」を演じる。共演には門脇麦、成田凌、渡辺大知、柳ゆり菜、村上淳など。本作には、「何者かになりたい」と願う切実さと、何者にもなれなかった悲しさ、そして青春のあとに残る小さな希望が描かれている。鑑賞後には、独特の重さを持った痛みが残るだろう。しかしその痛みは、主役を演じた橋本愛が言う通り、「心地良い」ものでもある。橋本愛はこうも語る。「何者でもないことを自覚することの方が大事」「何者かになりたいという欲望を引き剥がすことを心がけている」。また、渡辺大知は、「何者かになりたいと願うことが正しいとは思わない、でもその欲求はすごく純粋なもの」だという。橋本愛と渡辺大知のふたりに、この作品が持つ痛みや希望について語ってもらった。 10/19公開映画『ここは退屈迎えに来て』予告

「どうしようもなく痛んでしまうが、心地良い痛み」（橋本愛）

——完成した映画を観て、率直にどう感じましたか？ 橋本愛（以下、橋本）　安心した、という気持ちが大きいです。というのも、わたしはこの原作小説『ここは退屈迎えに来て』を読者として読んでいて好きだったので、作品を傷つけたくないという気持ちがいちばんにあったんです。だから、良い映画になっていて原作の核を守れたことにほっとしました。あとはフジファブリックさんの音楽ですよね。 渡辺大知（以下、渡辺）　音楽、本当に素晴らしかった。 ——フジファブリックによる主題歌“Water Lily Flower”は本当に素晴らしいですよね。これだけ素晴らしい音楽を持ってこられると、渡辺さんはミュージシャンとして嫉妬するんじゃないですか？　 Water Lily Flower

渡辺　嫉妬？　……嫉妬は、してないですね……。なんでだろう。良いものにたくさん出会いたいし、才能ある人たちにいっぱい会えると嬉しいからかなあ。そもそも音楽が好きでやっているので、良い音楽があるのに「クソ！」みたいな気持ちにはあんまりならないですね。橋本　わたしは、この映画を90分観たあとにこの主題歌が聴こえてくるという、その時間の体験がすごく尊いものに感じられました。あの頃に戻りたいと強く思ってるわけでもないし、いまがあの頃より輝いてないと思ってるわけでもないけど、この映画を観ると、どうしようもなく心が痛んでしまう。そしてその痛みは結構、心地良いものだったんです。不思議な感覚になりました。渡辺　原作や脚本を読んだ時に僕が感じたのは、鬱屈とした生活のなかにあるきらめきのようなものでした。今回の映画では、それが見事に映像化されている。淡々とした映画ではあるし、特別な事件が起きるわけでもない。でも登場人物や街の景色がみずみずしく目に飛び込んでくる。なんでもないことのなかに潜んでいるきらめきみたいなものが、うらやましく思えてくるんです。だから心にモヤモヤを抱えた人の救いになるんじゃないか。この映画は、退屈であることが良いとも悪いとも言っていないと思います。でもそれは大事なことなんだと思える。

「等身大の寂しさが出せた」（渡辺大知）

——おふたりともアラサー（現在）と高校生（過去）という、10歳も差のある役を演じられました。難しかったことは？ 橋本　「10年もいたしね」というセリフがあるんですけど、その10年は自分にない10年なので、難しかったです。わたしにとって10年前は小学校の高学年になってしまうので……。セリフとリンクできる経験が自分にないから、想像で補うしかなかった。渡辺　でもあのセリフには橋本さんが演じる「私」の10年がたしかに見えましたよ。僕は、「自分が高校生に見えるのかな……」ということが心配でした。橋本　（笑）。渡辺　僕はいま28歳で、高校を卒業してから10年経つので、作品内の現在のパートの人物たちと同い年なんです。20歳くらいの頃は、高校生活ってまだ近い過去のものだったから、思い出したり懐かしんだりするような感覚はなかった。でも28歳になると、高校生活というものがすごく遠くにある感じがして、切なくなる。あんなに鮮明に頭に浮かんでいた高校生の頃の記憶をちょっと忘れ始めている。それが寂しい。そういう意味では、等身大の寂しさが出せたかなという気がしています。役柄として難しいという感覚はあまりなかったけど、だからこそ、この作品に合った自分の消化の仕方をすごく考えました。

——舞台となるのはどこかの地方都市。撮影は富山県だそうですね。おふたりの地元の風景とはどれくらい似ていますか？ 橋本　わたし、富山の景色がすごく好きなんです。地元の熊本と似ているんですけど、ひとつ明らかに違ったのは、夕日。熊本の夕日は、まぶしくて見ていられない。でも富山の夕日はきれいでずっと見ていれられる。どうしてなんだろうって原作者の山内マリコさんと話していたら、「富山の空はグレーがかってるからね」って言われて（笑）。気候のせいなのか、空気の違いでフィルターがかかるのかわからないけど、夕日が本当にきれいでした。本来は目にやさしいものが好きだし、太陽より月のほうが好きなので、これまで夕日を特に好きだと思ったことはなかったんですけど。渡辺　たしかに、橋本さんは月が好きそうだし似合うよね。月が似合う女、橋本愛。その女が愛した太陽のある街、富山。 ——東京の夕日はどうですか？ 橋本　東京の夕日は、ビルに反射してまぶしいですよね。夕日というより「西陽」というイメージ。渡辺　僕の地元は神戸の山奥なんですけど、この映画のようなまっすぐな道はなくて。神戸は坂が多い町なんです。橋本　チャリ漕ぐの大変そう。渡辺　そう、だからチャリは漕がない。それで地元にいた頃、夕日が真っ赤に染まる瞬間を見たことがなかったんです。山に囲まれていると、日が沈む頃にはもう太陽が山に隠れてしまっていて。空はオレンジがかってるけど、夕日自体が赤くなるところを見たことがなかった。初めて東京に出てきた時、夕日が赤くて、それを見て泣きました。橋本　フジファブリックだ〜！渡辺　あっ、ほんとだ“茜色の夕日”だ。……いや、これいま思い出したことなので仕込みじゃないですよ（笑）。だから初めて東京の丸くて赤い夕日を見た時は、すごくかっこいいと思いました。その光景はいまだに脳に焼き付いていますね。僕のなかでの東京は、あの丸い夕日と東京タワーのイメージ。橋本　じゃあ東京は赤い街なんだ。面白いなあ。

「“何者でもない”ことを自覚することが大事」（橋本愛）

——おふたりは以前に映画『大人ドロップ』『渇き』（ともに’14）などで共演されていますが、当時は一緒に撮影するシーンは少なかったと思います。今回、本格的に共演してみて、お互いどのような印象を持ちましたか？橋本　今回の役柄のせいもあるけど、中性的な印象がすごく強いです。ニュートラルという言葉の意味そのままの人だと思う。何を入れてもいろんな形や色にしてくれるから、他の作品を見てもまったく違うキャラクターになっているし、オーラも役によってまったく違う。ミュージシャンをやりながらここまで演じられるのはすごいなって、圧倒されます。渡辺　……やばいですね、ちょっといま、照れてしまって橋本さんの目を見られないです。橋本さんは、その佇まいというか、圧倒的な存在力。セリフを言う前からセリフが始まっているような感覚なんですよね。ミュージシャンでもたまにいるんです、歌う前からかっこいい人が。その人がステージに出てきただけで泣けちゃうという。たとえば、僕はハナレグミの永積タカシさんを初めて見た時にそう感じました。そういう力を橋本さんは映像で出せる人なんです。現場で、切り返したカメラに橋本さんが映った瞬間、もう何かが始まっている。そう思わせてくれる人は映画にとってすごく大事ですよね。いち映画ファンとしても、橋本さんが映画界にいてくれていることはありがたいと思います。お芝居がうまい方はたくさんいらっしゃいますけど、橋本さんにしかない魅力はそうした佇まい、存在力だと僕は思います。 ——本作で描かれる人物は「何者かになりたくて、何者にもなれなかった人物」です。そういう悶々とした時期というのは、おふたりにはあったんでしょうか？橋本　わたしは「何者かになりたい」と思ったことがないかもしれません。仕事を始めたのが早かったので、自分探しをする前にその船に乗っていたという感じ。だから「何者かになること」が正しいとも思っていないし、むしろ「何者でもない」ことを自覚することの方が大事だと思う。確かに、自分が弱っている時や、何かひとつのことに集中しすぎていると、そういう浅はかな欲望が出てくることもあります。だから逆に、それを打ち消す作業を頑張っている。たぶん、「大きくなりたい」と思うから「何者かになりたい」と願うんだと思うんです。でもそれに固執すると、自分がどんどん小さくなっていくという予感がする。そういう矛盾を引き剥がすことを心がけています。

渡辺　僕もまったく同じ回答でお願いします（笑）。というのは冗談で、僕はこれまで「何者かになりたい」という感情が浮かんだことがなかったんです。音楽も役者も、「やりたいなあ」と思う前に、気付いたらもうやっていた。でも最近ふと「あれ？　自分はなんでこれをやってるんだっけ？」って初めて考えたんです。そうしたら、自分のなかに「何者かになりたい」という気持ちが実はあったんだと、ようやく28歳になったいま気付きました。「何者かになりたい」と願うことが正しいとはいまでも思っていないけど、その欲求はすごく純粋なものだから、そう思っちゃったということを大事にしたいです。

「退屈だということを忘れさせるのではなく、向き合わせてくれる」（渡辺大知）

——この映画に希望はあると思いますか？ 橋本　あると思います。たしかに痛いまま終わる映画だけど、すごく何気ないもので持ち上げられる感じがしていて。出来事というよりも、何かを読んだり見たり、良い意味で自分にとって都合の良いものをピックアップして、そうしてなんとか前向きに生きていく。それがこの映画の本当に小さい、けれどもたしかな希望だと思いました。 ——終盤で、東京に出たある人物が「超楽しい」と言うシーンがあります。あのシーンをどう解釈しましたか？　映画のテーマ的には、皮肉とも解釈できると思うのですが。橋本　最初に脚本を読んだ時は、その人物が無理やり言っている感じがしました。でも映画を観たら、表情や東京の街並みの美しさから、人物の心が満たされている感じがして。それはいつか終わるものなのかもしれないけど、美しい瞬間だとは思います。渡辺　僕は、先のある「超楽しい」だなという感じがして、それが切なく感じました。東京に行ったり、地元に戻ったり、残ったり、いろんな生き方があると思うけど、みんな不安や退屈を抱えて生きている。退屈だということを忘れさせるのではなくて、ちゃんと向き合わせてくれる。それがあのセリフだと思いました。 ——「超楽しい」と言った人物は、あの数年後に「私」になるかもしれないわけですよね。 渡辺　構造的にはそうですよね。でも、そうならないかもしれない。橋本　ならないでほしいですね（笑）。渡辺　でも、東京にいようが地方にいようが、どこにいても変わらないんだと思います。みんなそこそこ楽しくて、そこそこ退屈で。それを悲観的に捉えてしまったら終わりという気がする。橋本さんが言った「何者にもなれない、ということを自覚する」という言葉に近いけど、「楽しくないとやばい」とは思わない方がいいと思う。そもそも「退屈だ」と思うことは生きている証だと思うし。そういうことも受け入れさせてくれる映画だと思います。

映画『ここは退屈迎えに来て』

10月19日（金）全国公開

text & interview by 山田宗太朗

PROFILE

メイリ

北海道出身、色白の道産子グラドル。週プレボイン番付大関＆美巨乳美巨尻番付張出横綱。2018年2月にDVD『愛のつづき』、5月に『Sweet Vacation』を発売。タレントとしてAmebaTV「お願いランキング」や「モヤモヤさまぁ〜ず2」配信オリジナルコンテンツに出演。
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Qetichub

Vol.01 – 清水あいり／ Vol.02 – 森田ワカナ／ Vol.03 – 菜乃花／ Vol.04 – 水沢柚乃

2016年にリリースされデジタル配信再生回数3億回越え、CD売上400万枚以上と驚異的なヒットを打ち出したクリーン・バンディット（Clean Bandit）の“Rockabye”に参加し脚光を浴びたイギリス出身のシンガーソングライター、アン・マリー（Anne-Marie）。スティーブ・マック（エド・シーラン）やナナ・ローグス（ドレイク）、マシュメロなど豪華プロデューサーが集結したデビュー・ソロアルバム『スピーク・ユア・マインド（Speak Your Mind）』や、そのうちのシングル“2002”が10代を中心に日本でも爆発的人気となったりと今最も注目のシンガーソングライターです。今回はなんと、そんなアン・マリーがLINE LIVE限定のスペシャルアコースティックライブを敢行！　QeticではLINE LIVEで放送されたインタビュー&ライブの模様をお届けします。

Interview：アン・マリー

——日本へようこそ、アン・マリー！ こんにちは〜！（日本語） ——「こんにちは」って言葉も覚えてくれたんですね。前回の来日はのことは覚えていますか？ もうすごい昔のことのように感じてるわ。日本に戻ってこれてすごく嬉しい！　ルディメンタル（Rudimental）と来た時は本当に賑やかな旅って感じでワイワイキャーキャーした感じだったけど、今回はひとりで自分の曲をみんなに聞いてもらえるのがすごく嬉しいの。 ——私たちも嬉しいです。今回プロモーションでの来日ですが、日本でやりたいことはありますか？ なかなか時間がないんだけど、やりたいことはぜんぶやりたい（笑）。時間が許す限りいろんなところに行ったりして、とにかくここにいることを実感して楽しみたいわ。 ——4月にリリースされたニューアルバムはUKだけでなく世界的ヒットとなりました。実感はありますか？ 本当に精魂込めて、気持ちを100%入れて作った大切な大切なアルバムなので、たくさんのみなさんに聞いてもらいたいです。気に入ってもらえたら嬉しいな。 ——“2002”は日本の女子高校生を中心に大ヒットしています。音源を使って踊った動画をSNSに投稿するのがブームになってるんですが、それはご覧になりましたか？まだ見てないわ。知らなかった！　そんな風になってるなんて……すごく嬉しい！　すぐにチェックするわね。 Anne-Marie - 2002 [Official Video]

——見てみてください！　さて、次のシングル“perfect”はどんな曲なのでしょうか？ 本当に大切な一曲よ。いかに自分のことを愛したり好きになったりするのが大切かっていうようなメッセージを込めました。これももちろんたくさんの人に聞いてもらいたいわ。 ——これまでキャリアの中でたくさんの方々とコラボレーションをしてきました。“2002”はエド・シーランとの共作でツアーも一緒に回ったり、デリック・メイやマシュメロとのコラボなど、さまざまな共演から何かインスピレーションは受けたりするのでしょうか？コラボするたびにたくさん刺激を受けてます。特にルディメンタルとコラボは印象深かった。それまでの私の楽曲は結構スローだったりゆったりしたものが多かったんだけど、彼らと出会ってからはもっと動かなきゃ！とかテンポアップしたい！とか思うようになりましたね。そういった面で自分の音楽に本当に大きな影響を与えられました。 ——日本のファンの印象は？ 日本のファンのみなさんは本当に最高！　それに歌が上手い！　私が歌ってる時にみんなが歌ってくれたけど、上手すぎてなんだか気まずいわ（笑）。私の見え方が悪くなるんじゃないかな？って心配しちゃうぐらいよ。 ——ここからは視聴者からの質問にうつります。髪を染めるとしたら何色がいいですか？ う〜ん。結構クレイジーな色に染めるのが好きだからピーチ、桃色とかがいいかな。今度私を見る時が来たら桃色になってるかもね。もしかしたら！ ——気分を上げるために聞いてる曲はありますか？ いろんな曲を聴くけど、ルディメンタルの“RUN”。タイトルの通り、聴くと走りたくなったり外に行きたい気分になったりするの。気分を上げたいときはよく聞いてるわ。 ——好きな日本語は？ 一番のお気に入りは「じゃあね」。別にバイバイを言いたいわけじゃないけど、じゃあねって響きが可愛いから気に入ってる。習いたいなと思ってるんだけど、きっと難しいよね。 ——ぜひレパートリー増やしてもらいたいです！　続いて、何歳から歌手を目指しましたか？ 5歳の時に歌っていて歌楽しい！大好き！って思った記憶があります。どんな歌を歌っていたかは覚えてないけど（笑）、なんでもハミングしたり鼻歌したりしてたわ。 ——中学生の視聴者からの質問で、中学の頃は何にハマってましたか？ とにかくスポーツ、体を動かすことにハマってた。もちろん空手もそうだけど、バスケットボールも結構やってたの。 ——ファッションで影響を受けているひとはいますか？ ちょっと難しい質問ね。私は結構着心地がいいものを着るっていう信念があって。例えば、すごくイケてるすてきなひとがいて、あのファッションやってみたいなって思う時が来ても必ずしもそのファッションが自分に似合うかはわからないから、誰かを真似したりフォローしたりはしない。あえて言うなら、グウェン・ステファニー。彼女みたいにクレイジーな服を着たりするのは私もすごく好きだし自分の見せ方でやりたいことを見せられる人はすごくかっこいいと思う。自分のままを表現できる人のすごさを彼女を通して感じるので、本当に素敵だと思うわ。 ——さて、最後となりましたが、インタビューとは別でアン・マリーさんには今のお気に入り曲のプレイリストを作ってもらいました。今回、どんな楽曲を選びましたか？ 5曲選んだんだけど、全てに通じて特に歌詞がすばらしくて。私は音楽を聴くとき歌詞のメッセージ性だったりに注目しながら聞いてるの。今回は比較的ヒップホップやダンス系のアーティストが多いけど、普段は特にジャンルにこだわって聞いたりすることはないし、幅広いジャンルの音楽を聞いてるわ。今回のプレイリストは少し多めにそういう曲が入ってるかもだけど。元気になれる曲を選んだの！ぜひ聞いてみてね。今日はこんな機会をいただけて本当に嬉しかったです。私もすごく楽しませてもらったわ。みんな、本当にありがとう！プレイリストをチェックアン・マリーの楽曲はこちら

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アン・マリー × あいつ

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韓国のBTS（防弾少年団）が全米アルバム・チャート1位を成し遂げた2018年は、エンターテインメント全体にグローバル化の波が押し寄せた年として記憶されるだろう。そういった時代とも呼応するように、日本からも大器を予感させるボーイズ・グループが登場した。 INTERSECTION（インターセクション）は、2015年に東京にて結成。4人全員が日米ハーフのバイリンガルで、それぞれ異なる文化圏で生まれ育った彼らは、「交差点（Intersection）」の名にふさわしいハイブリッドな表現を提示している。モデル級のルックスに加えて、歌やダンスも一級品だし、おまけに超が付くほどスマート。メンバーみずから作詞作曲や楽器演奏も行ない、将来的には楽曲をセルフプロデュースしていく方針だという。そんな彼らは、今年10月にデビュー曲“Heart of Gold”を発表し、今まさに世界へ羽ばたこうとしている。もしかしたら近い将来、そのボーダーレスな感性でもって、J-POPに新風を巻き起こすどころか、BTSのような成功を収めるアクトになっていくかもしれない。そこで今回は、INTERSECTIONにインタビューを実施。生い立ちや音楽的な興味、音楽シーンへの想いやグループのアティテュードに至るまで、様々なアングルから4人の魅力に迫った。彼らを知るための入門編ガイドとしても役立つはずだし、平均年齢18歳とは思えぬクレバーな語り口と、ときおり見せる初々しいやり取りとのギャップには、無限の可能性を感じずにはいられない。

INTERSECTIONメンバーが語る4人の知られざる素顔

INTERSECTIONのメンバーは、橋爪ミカ（ミカ）、青山ウィリアム（ウィリアム）、ミッチェル和馬（カズマ）、モリアティー慶怜（ケーレン）の4人。彼らはそれぞれ異なる地で育ち、ユニークな少年時代を過ごしている。まずはメンバーによる客観的な紹介コメントを交えつつ、パーソナリティをひとりずつ掘り下げていこう。ちなみに彼らは、日常会話も英語がデフォルト。ミカとケーレンは日本語が少し苦手で、そこをカズマがプロ顔負けの通訳でフォローしてくれた。それぞれの語り口にもキャラが滲み出ているので、そこも注目しながら読み進めてみてほしい。

Interview：INTERSECTION

橋爪ミカ（ミカ）

PROFILE 16歳までハワイで生活。人に対して気遣いができるやさしい性格で、グループ最年長としてみんなをまとめるリーダー。サーフィンやスケボーを愛してやまない。

ミッチェル和馬（以下、カズマ）　周りの友達はみんな、グループのなかでミカ君が一番カッコイイって言うんですよ。僕はそう聞いて、ちょっと傷つくんですけど（笑）。あと、本当は頭がいいはずなのに、すぐにバカな声を出したりギャグを言ったりしてくるんですよね。ケーレン君とのコンビはとにかく面白い。 モリアティー慶怜（以下、ケーレン）　他人に気遣いができる人。怖くてクールな雰囲気に映るかもしれないけど、愛嬌もあるし本当にいいヤツです。動物に喩えたらチワワかな（笑）。 青山ウィリアム（以下、ウィリアム）　ミカには「シックス・センス」があると思います。人の気持ちを察する能力を持っているんですよ、あの映画のように。 ミッチェル和馬（以下、カズマ）　そんな映画だったっけ（笑）。 ——ミカさんは16歳までハワイで育ったそうですね。 橋爪ミカ（以下、ミカ）　そうです。ハワイはもちろん好きだし、僕の大らかな性格にも影響を与えている気がします。ただ、友達とも「シティー・ライフを経験したい」っていつも話してました。だから今は、東京で暮らすことができて嬉しいです。 ——昔はプロのサッカー選手をめざしていたとか。 ミカ　9歳から15歳くらいまでやってました。最初は足が早かったからフォワードで、13歳からディフェンダーに転向したんです。 カズマ　僕のほうが上手いよね？ミカ　うるさい！（笑）。 ——音楽は昔から身近な存在だったそうですね。ヴァイオリンやウクレレを弾いていたり。 ミカ　バーイオリンは6年くらい勉強していたけど、今はもう全然弾けなくて（笑）。ウクレレは最近も家でよく弾いています。でも、ギターのほうが好きかな。

モリアティー慶怜（ケーレン）

PROFILE キューバ、スペイン、ハワイと多彩な文化の中で育つ。グループのなかでは最年少で、無邪気で楽しいことが大好きで大人っぽさも隠し持っている弟キャラ。常に面白いことを言ってみんなを笑わせるムードメイカーでもある。

カズマ　ケーレン君はジョークを言ったりして、いつもみんなを笑わせようとしているんですよ。マジメな場面でも何かやらかしたり（笑）。 ウィリアム　とても人思いですね。ミカ　ファニーでとっても面白い人。このグループにいるのを楽しくさせてくれますね。 ——お父さんの仕事の都合で、キューバのミリタリー・ベースで生まれたあと、いろんな国を転々としてきたそうですね。 ケーレン　父は海軍で働いているので、赤ちゃんのときは（アメリカの）バージニアビーチにいました。そのあとスペインに引っ越すんですけど、もう驚きの連続でしたね。スペインとアメリカでは、カルチャーそのものが全然違うので。 ——そういう境遇で育つと、気苦労も多かったのでは？ ケーレン　大変でした。ハワイでもしばらく暮らしましたけど、行った先々で友達を作っても、すぐにまた引っ越すことになっちゃって……。でも今では、その頃の経験が本当に役立っていると思います。 ——ケーレンさんの明るいキャラも、そういう生い立ちが関係しているんでしょうか。 ケーレン　そこはたぶん、一緒にいた友人たちの影響じゃないかな。自分の周りにいる人や、これまでの人生で出会ってきた人が、自分のパーソナリティを形成するものだと思うので。

ミッチェル和馬（カズマ）

PROFILE ハーバード大学在学中のNYのアッパーサイド育ち、穏やかで飾らないスーパーエリートで、MEN'S NON-NOの専属モデルとしても活躍。普段は冷静だけど、たまにはしゃいだりもする一面も持ち合わせている。

ケーレン　（流暢な日本語で）すごくカッコイイ（笑）。あとは頭が良くてスマート。そういうところを尊敬しています。 ウィリアム　（ボソッと）ノスタルジック。 ——えっと、どういう意味ですか？ ウィリアム　いや、ちょっと考えさせてください……。ミカ　（笑）。ケーレンが面白いキャラだとしたら、カズマはフレンドリーで親しみやすい感じがします。 ウィリアム　まとまりました（笑）。いろんな面で頭がいい。勉強だけじゃなくて、人間関係をどう保つかとかも含めて。音楽のセンスもすごくいい。 ——カズマさんのプロフィールには驚きました。『MEN'S NON-NO』の専属モデルをしつつ、ハーバード大学に現役で合格されたとか。ヤバくないですか？ カズマ　ありがとうございます（笑）。高校時代は親が厳しかったのもあり、とにかく勉強してました。学業とグループの活動を両立させるのは大変でしたね。今は大学を休学していますけど、理系が好きなので進学したら工学や物理をやるかもしれないです。 ——クラシックやジャズもお好きみたいですね。 カズマ　そうですね、幼い頃からフルートとサックスを始めていたのもあって。ただ、クラシックは習い事感覚でやっていたので、どちらかというとジャズが好きですね。特に、マイルス・デイヴィス（Miles Davis）やチャーリー・パーカー（Charlie Parker）をよく聴いてきました。 ——INTERSECTIONのライブでも、サックスを吹くことになりそう？ カズマ　実はすでに一度、ライブでジャスティン・ビーバー（Justin Bieber）の“Love Yourself”をカバーしたときにサックスを吹いているんですよ。いずれは自分たちの曲でも演奏してみたいですね。 Justin Bieber - Love Yourself (PURPOSE : The Movement)

青山ウィリアム（ウィリアム）

PROFILE カルフォルニアで生まれ2歳で日本へ。表現やコミュニケーションが独特でアーティスト的な才能も持ち合わせた、天才肌のマルチ・タレント。自分で音楽を作り、グループの作曲を担当している。

カズマ　何をやらせても、上達するのが一番早いんですよ。もともと水泳で＜ジュニア・オリンピック＞に出場するくらいずば抜けていたのが、音楽に切り替わった途端に5つも楽器を習いだして。ギターも僕と同じくらいのタイミングで始めたのに、ウィリアム君のほうが遥かに上手いし。歌もどんどん上手くなって、学業のスコアまで上がっている。自分がこれと決めたら、一気に成長する人なんだと思います。ミカ　ひとつのことに興味をもつと、信じられないほど上達していくのが羨ましいですね。音楽の才能もグループ内で一番あるんじゃないかな。 ケーレン　4人のなかで最も個性的ですね。それは悪い意味ではなくて、彼の存在がグループに強さとコントラストをもたらしている。友人としても、グループの一員としても頼りになります。 ——さっきから、ウィリアムさんの語り口が最高だなと。 ウィリアム　こうやって話すの、恥ずかしいんですよ……。 カズマ　彼は陰キャなんです（笑）。 ケーレン　そう、ちょっと変な人（笑）。 ——それにしても、5つも楽器ができるとは達者ですね。 ウィリアム　メインで演奏するのはピアノとギター、ドラムス。ちょっとだけ演奏できるのはベースとヴァイオリン。INTERSECTIONに参加することが決まってから、自分でも音楽をやりたくなって。それで14歳のときに始めました。

INTERSECTIONのスタイルを確立させた、四者四様の音楽テイスト

デビュー以前から業界関係者に注目されてきたINTERSECTIONは、今年9月の＜マイナビ presents 第27回東京ガールズコレクション 2018 AUTUMN/WINTER＞でオープニングアクトに抜擢されると、大舞台にふさわしいパフォーマンスで観衆を魅了した。その新人離れしたポテンシャルは、持ち前のフラットな感性に支えられている。様々な音楽ジャンルを横断しながら英語詞で歌う、彼ら独自のミュージシャンシップはどのように形成されたのか。音楽への好奇心や表現者としてのこだわりを訊いてみた。 ——みなさん学業に励んだり、スポーツに打ち込んだり充実した日々を送ってきたなか、グループへの参加を決めたのは大きな転機になったと思います。そこで決心した理由は？ミカ　3年前までずっとサッカーをやってきたけど、それを辞めてしまったあと、自分が何をするべきなのか見失っていたんです。そのときに、このグループを一緒にやろうとオファーがきて。自分の人生を変えるチャンスだと思ったんです。 カズマ　僕は最初、ノリで受けてみたんですよ（笑）。だけど活動を続けていくうちに、人生にとって大切なものに変わっていきました。 ウィリアム　もともと音楽に興味はあったけど、このグループに入るまでやったことがなかったんですよ。それまでとは違う自分に出会いたくなって。それで決心しました。

——これまでの活動には、どんな手応えを感じていますか？ ケーレン　このグループに入ったおかげで、ファッションもそうだし、性格とか全ての面で成長しているのを実感しています。ミカ　僕もそう。ここまでひとつの目標に打ち込んだことは、それまでの人生ではなかったから。 カズマ　最近はInstagramを覗くと、いろんな国からファンのコメントが付いていて。インドネシアとかアジア圏のファンも多いんですよ。そういうのを見ると、グローバルに繋がってきているんだなと。 ウィリアム　僕もみんなと同じような感じですね。あとは……彷徨っています。 ——ワン・ダイレクション（One Direction）におけるサイモン・コーウェルのように、ボーイズ・グループの背後にはプロデューサーや仕掛け人がいるものじゃないですか。そこに委ねてもよさそうなところを、INTERSECTIONは自分たちの力で音楽を作りだそうとしていますよね。 カズマ　最初の頃は結構プロデュースしてもらったんですけど、今では全部自分たちで書こうという方向に進んでいますね。 ——作曲の中心はウィリアムさんが担っているんですよね。そこで工夫していることは？ ウィリアム　聴いてくれる人のことをまず意識しながら作っていますね。「ここでこの音が鳴ったら違和感だろうな」とか、「こういう展開を用意したら、どんなリアクションが得られるかな」みたいなことをよく考えています。

——そんなウィリアムさんから見て、3人の歌やダンスはどうですか。 ウィリアム　ダンスが上手いのはケーレンですね。カズマとミカはリフ（コーラス）が上手。特にミカは、高い音域がかなり良くなってきました。 カズマ　そういうウィリアム君も、（ボーカルの）高音が安定しているんですよ。だからコーラスとか任せちゃいます（笑）。 ケーレン　ウィリアム君が最初から上手かったことは、僕たちのモチベーションにも繋がりました。 ——最近では、どんな音楽にインスパイアされているのでしょう？ カズマ　僕はフランク・オーシャン（Frank Ocean）。音作りもユニークだし、歌詞もただライムしているだけではなくて、ストーリーが感じられるじゃないですか。そこが新しいと思うし、昔から影響されています。 ウィリアムス　真っ先に思いつくのはThe 1975ですね。もともと好きだったのはガンズ・アンド・ローゼズ（Guns N' Roses）だけど、時間が経つにつれて、自分の趣味もインスパイアされるアーティストも変わってきました。ポップを作る人は、時代に合わせて変化していくべきだと思いますし。ミカ　このグループに入ってから、音楽のテイストも変わった感じがします。曲のプロダクションよりも、ボーカリストの表現に耳がいくようになって。特に尊敬しているのは、ジャスティン・ティンバーレイク（Justin Timberlake）やブルーノ・マーズ（Bruno Mars）ですね。 ケーレン　好きなのはラップやダンス・ミュージック。それから、ジャスティン・ビーバーやポスト・マローン（Post Malone）は、アーティストとしての存在感はもちろん、サウンド面でも魅力を感じます。あと、同じボーイズ・グループとして刺激されるのはプリティマッチ（PRETTYMUCH）。エネルギッシュでクールだし、僕らもあんなふうになっていきたいです。 ——やっぱり、アメリカのポップ・ミュージックと慣れ親しんできたんですね。日本の音楽で好きな人を挙げるとしたら？ カズマ　星野源さんですね。あとは、ゲスの極み乙女。も好き。みんな楽器が上手いですよね。 ウィリアムス　サカナクションの“新宝島”はとても好きです。 サカナクション / 新宝島　-BEST ALBUM「魚図鑑」(3/28release)-

ケーレン　ゆずはお母さんが大好きで。言葉がわからなくてもエモーションが伝わってきますし。 ケーレン　FUNKY MONKEY BABYS、GReeeeNが好きです。

INTERSECTIONが語る連続リリースの展望と、多様化が進む音楽シーン

昨年リリースした配信シングル“Starting Over”がSpotifyの『Early Noise 2018』に選出されるなど、楽曲のクオリティーも当初から評価されてきた彼ら。10月のデビューソング“Heart of Gold”から3ヶ月連続で続くシングル・リリースによって、INTERSECTIONならではの世界観が明らかになっていくはずだ。そして、日米双方のカルチャーで育ってきた彼らは、今日の音楽シーンをどのように見ているのか。最後に熱く語ってくれた。 INTERSECTION / Starting Over -Music Video-

——“Heart of Gold”の制作はどんな感じでしたか？ カズマ　この曲に関してはプロデューサーの方と一緒にレコーディングしたので、歌詞をどう伝えるかなど、わからないことがあったらその場で聞いて、すごくいいやりとりをさせて頂きました。 ——サウンド面でいうと、どこが気に入っています？ ミカ　ベースラインがいいですよね。 カズマ　ドラムもカッコイイと思います。最近のモードも捉えつつ、かなり新鮮なサウンドになっているんじゃないかな。 ——J-POPに親しんでいるリスナーは驚くかもしれないですね、いい意味で。 カズマ　たしかに、結構違うかも。ミカ　“Heart of Gold”はスロウに始まったあと、体が動き出しそうなグルーヴがあると思うんですよ。自分自身もスロウな曲が好みなので、その辺りが気に入っています。 ケーレン　みんなのコーラスにも注目してほしいですね、声のバランスもいいし。あとはキャッチーなフレーズが多いのも特徴だと思います。 ——MVもいい感じですよね。 カズマ　80年代の『VOGUE』みたいな感じをコンセプトにしていて。流れていくような映像も好きです。ミカ　よくあるMVと違って、物語性よりもファッション・ビデオみたいな作りが強調されていますよね。そこがいいと思う。 ケーレン　あと、最後のほうでダンスを披露しているので、そこもチェックしてほしいです。 NTERSECTION / Heart of Gold

——さらに、今後もシングルを出していく予定なんですよね。 カズマ　2018年11月9日（金）にリリースする“Falling”のMVは、鎌倉で撮影しました。学生っぽい青春を描いたものになっています。曲も大好き。 ケーレン　この曲のMVは、僕らの関係性がいい形で表れたものになっていると思います。 カズマ　2018年12月7日（金）に出す“Body Language”はビートのグルーヴ感が強くて、キャッチーな曲なので周囲の反応もすごくいいですね。こちらのMVは渋谷で撮影しました。

——楽しみです！　INTERSECTIONは4人全員が日米ハーフのバイリンガルであることが特徴に挙げられると思いますが、それ以外にどんな特徴を持つグループだと思いますか？ミカ　国籍だけではなくて、音楽のセンスも日本とアメリカの両方から得ているので、どちらのマーケットでも評価される存在になっていきたいですね。 ケーレン　日本にもこれまでアメリカ的な流れを持つグループが存在していたかもしれないけど、僕らは実際にアメリカのカルチャーに囲まれて生まれ育ってきたので、そういうところを発信していきたいです。 ウィリアム　（カズマに向かって）言いたいことがあるんだけど、英語を使ってもいい？ カズマ　いいよ。 ウィリアム　We are Independent, but dependent. カズマ　僕らは個人としてのパーソナリティを持っているし、4人が揃うことで初めて生みだせるものもある……訳すのが難しいけど、そういうことだよね。 ——それぞれの違いを受け入れつつ、ときに団結し合うと。最近はヒスパニック系の音楽が主流になりつつあるし、韓国のBTSが全米チャートの頂点に立つなど、音楽シーンでも多様な価値観が浸透しています。そういう状況をどのように捉えていますか？ カズマ　ストリーミングを使えば、どの国の音楽でも聴けるようになりましたよね。要するに、何かきっかけさえあれば、誰にでも世界中でヒットする可能性がある。ミカ　2000年代の頃に比べて、最近はアメリカのトップ・チャートにもいろんなジャンルの音楽が並んでいますよね。どんなジャンルをやっていても、その音楽さえよければ未来が広がっているんだと思う。 ウィリアム　今はそういう状況が急激に加速していますよね。みんなの好きな音楽も時間とともに変わっていくし、1ヶ月後に何が流行るのかもわからない。僕たちはそれを追いかけ続けて、次にリスナーが何を聴きたいのか考えることだと思う。 カズマ　おお、カッコイイ（笑）。 ——では最後に、今後の目標を教えてください。 ミカ　人それぞれ好みのジャンルは違うけど、幅広いリスナーの人の琴線に響く音楽を作っていきたいですね。 ケーレン　日本だけではなく、世界中のアーティストと一緒に活動してみたいです。そのためにも、トレンドには敏感であり続けたいし、もっと音楽の勉強をしていかないと。 カズマ　自分たちの音楽スタイルを見つけていきたいですね。R&Bにジャズの要素をミックスさせたり、INTERSECTIONだからこそ生み出せる音楽を追求したりしていきたい。 ウィリアム　この世界は誰かの価値をスコア（数字）で測れるわけではないし、みんなそれぞれ輝く場面があると思うんですよ。「こうあるべき」みたいなスタンダードは存在しないし、他人の目を気にするような必要もない。「自分らしくていい」というメッセージを発信していきたいです。

RELEASE INFORMATION

『Falling』

2018.11.09（金）

『Body Language』

2018.12.07（金）詳細はこちら

materialclub-feature_P6A2598田ハネダ（パスピエ） Ryohu（KANDYTOWN）

Base Ball Bearを率いる小出祐介が新プロジェクト、「マテリアルクラブ」を始動。それは、Base Ball Bearのようなバンドでもなく、単なるソロプロジェクトでもないという。では、マテリアルクラブとは、いったい何なのか。小出が盟友福岡晃子（チャットモンチー済）とともに各曲にゲストを迎え制作する。という形態自体は特に珍しいことではないが、確かに、ここにしかなかいフレッシュな空気を感じることができる。今回はそんなマテリアルクラブの魅力について、“Nicogoly”に参加したパスピエの成田ハネダと“Material World”に参加したRyofu（KANDYTOWN）に話を聞いた。そうして見えてきた「マテリアル」と「クラブ」の意味。なるほど、それはカッコいい作品ができるはずだ。

Interview：成田ハネダ（パスピエ）×Ryohu（KANDYTOWN）

——集合した時からお二人でいろいろと話をされていましたが、出会いのきっかけを教えてもらえますか？ 成田ハネダ（以下、成田）　下北沢GARAGEです。僕はパスピエでよくライブもしてました。それで二人とも自分が出演するしないに関わらず、出入りすることが増えてきて仲良くなりました。 Ryohu　10代の頃から知ってるんで、もう10年近い付き合いになります。当時ここ（下北沢GARAGE）の店長だった人が、よく変わった企画をやってたんです。さっきナリハネ（成田ハネダ）が言ったような感じで、出入りしている人たちに「とりあえず、30分あるからよろしく」みたいな感じで無茶振りしてセッションが始まる、みたいな。

——普段もよく一緒に遊ぶんですか？ 成田　いつも起点はここです。あとは流れで飲みに行くとか。 Ryohu　ちょっと話変わりますけど、俺が今も制作で使ってる鍵盤は、そんなノリのなかで、ナリハネに「ちょっと借りるね」って言って持っていったやつ。それで借パクから昇格（笑）。成田　最初は貸したんだっけ？　まあRyohuだから仕方ない。改めてあげとくよ（笑）。

——パスピエというバンドの成田さんと、ヒップホップ畑のRyohuさんが、まさかひとつのライブハウスで繋がっているとは。 成田　そう思いますよね。やってることも活動の範囲も、ぜんぜん違いますから。 Ryohu　オフィシャルでは一度も絡んでないですし。成田　実は、出演者名も出ない地下で、よく一緒にやってたんですよ。 ——では、お二人と小出さんとの出会いは？ 成田　簡単に言うと、コイちゃん（小出祐介）も僕らと同じように、ここ集まっていた一人です。Ryohuのほうがコイちゃんと直接絡むのは早かったよね？　Base Ball Bearの日本武道館ライブには客演で出てたし。 Ryohu　もう6年も前になるのか。Base Ball Bearの“クチビル・ディテクティヴ”って曲を一緒に作った時期。マテリアルクラブでコイちゃんとタッグを組んでるacco（福岡晃子／チャットモンチー済）も“クチビル・ディテクティヴ”のコラボメンバーだったんです。

——小出さんとコラボすることになる前、最初の出会いは、成田さんと同じく下北沢GARAGEですか？ Ryohu　そうです。さっき話した当時の店長がやってた企画の延長みたいな感じで、告知もしない、観てる人が10人いるかいないかくらいのUstreamに呼ばれて。コイちゃんはギターも持ってなかったし、ラップしてるし、俺はヒップホップやっててバンドのことは詳しくなかったから、コイちゃんがBase Ball Bearの人だって知らなかった。それで、別の友達が下北沢の駅から見える、Base Ball Bearの看板を指差して「あれ、コイちゃんだよ」って。ギャップが大きすぎてさすがに「え？　すげえ！」ってなったけど、それからも、特に何も変わることなく、飯食いに行ったりセッションしたりしてました。 ——下北沢に根付いた小さなライブハウスでの出会いが、Base Ball Bearにゲストとして招かれることに繋がり、成田さんも含めマテリアルクラブへの参加にも。いい話ですね。成田　多いときは週に1回のペースで通っていて、行けば必ず誰かがいて一緒に何かしてました。今でこそ回数は減りましたけど、やっぱりここに来ると落ち着くし楽しいですね。 Ryohu　俺とナリハネみたいな、まさかの繋がりがたくさんあるから、特集とかしたら面白いかもですよ（笑）。 ——興味津々です。小出さんはどんな方なんですか？ Ryohu　ラップの上手いお兄ちゃんから始まり、ギターの似合うカッコいいバンドマンだとわかり、曲を一緒に作り、ツアーにも連れて行ってもらい、やっぱり俺にとってはいいお兄ちゃん。今回久々に一緒にやらせてもらって（“Material World”にラッパーとして参加）、改めてめちゃくちゃやりやすいなって思いました。こっちに自由はあるんですけど、ちゃんと決まったものを提示してくれる。

——小出さんと福岡さんが作り込んだトラックがあって、イメージを伝えられて、それを元にリリックを書いた、ということですか？ Ryohu　そうですね。僕のパートにも、コイちゃんのラップがしっかり入ってました。それがまた上手くて、触らずにそのままでもいいんじゃないかって思うくらい。でも、そこはせっかく呼んでくれたんだし、俺なりに共有されたイメージや、コイちゃんがいろいろ考えたことを想像して、完全に自分の解釈でまったく別の言葉を使ってリリックを書いていきました。 ——RHYMESTERのMummy-Dさんも共に参加されていますが、Ryohuさんとはどういう絡みを？ Ryohu　基本的には、コイちゃんが指定してくれたところに、二人それぞれがリリックを書いて別々でレコーディングしました。最後のアウトロは、もともとラップはなかったんですけど、Mammy-Dさんがリリックを書いてきてくれて、そこは二人の掛け合いが面白いんじゃないかってことで、一緒にレコーディングしました。 ——“Material World”、すなわち我々が住むこの世界。プロジェクト名の「マテリアルクラブ」は、そのまま解釈すれば仲間たちがいるこの場所ということ。その辺は意識しましたか？ Ryohu　そうですね。だから、コイちゃんとaccoと、今回オフィシャルでは初めて一緒にやれたMammy-Dさんがいてこその俺の歴史を素直に表しました。 ——ギターの強い、80年代のニューウェーヴや、90年代のオルタナティヴな香りも漂う、作品の中でももっともロック色の強いサウンド。それをファンキーに彩るリズムとラップ、というイメージを持ちました。ラップをどう乗せるか、意識したことはありますか？ Ryohu　ロックであろうがヒップホップであろうが、エレクトロニックであろうが、俺はカッコよければ何でも好きだし、ラップを乗せるうえでもあまり差はないですね。それこそこの場所で、いろんな人と交流したことによって培われたスキルでもあると思います。どんなものがきてものノー・ストレスだし、BPMも気にしないですし。

——成田さんは、この“Material World”に、どのような印象を持ちましたか？ 成田　ちょっと誤解を生む言い方かもそれませんが、ここでやってきたことを思うと通常営業というか。やってること自体に驚きはなかったです。 ——それだけここ下北沢GARAGEには、いろんな趣味嗜好の方々が集まっていた、ということですね。 成田　そのなかでも、コイちゃんは、とても不思議な存在で、音楽的にいろんな文脈を持ってるし、人との繋がりもあるから、どんなアウトプットもありなのかなと。 ——なるほど。では、成田さんが参加した曲“Nicogoly”についても話を聞かせてください。成田さんと小出さんの関係性は、どんな感じなんですか？ 成田　僕のコイちゃんに対する最初の印象は、Ryohuとはぜんぜん違いますね。自分でもバンドやってるし、Base Ball Bearは先輩というか、背中を見てきた存在。最初はフランクにいけなかったです。「わ！　べボべのボーカルだ！」って。コイちゃんも、そんなに明るく「やあ！」って感じの人でもないんで、徐々にいつの間にか親しくなっていったような感じですかね。 ——今回はゲストとして、初めてともにひとつの曲を作り上げていったわけですが、そうなったきっかけとして、お二人のピースがハマった瞬間などはあったのでしょうか？成田　いや、むしろハマらないからやる、みたいな。そうでないと誘われてないんじゃないかとも思いますね。ミュージシャン同士というよりも、僕がこの下北沢GARAGEという場所で、知り合った仲間であるということに、比重があるんじゃないかと。 ——手元にある資料には、「Base Ball Bearの小出祐介が主宰する、ソロでもなくバンドでもなくユニットでもなくグループでもなく新音楽プロジェクト」と記されているんです。別にバンドマンがソロプロジェクトを立ち上げ、ゲストを招いて作品を作るというのは、珍しいことじゃない。じゃあ何なんだ、いう疑問があって。成田　そうですよね。文字情報だけを見れば。僕もそう思います。 ——でも、さきほどRyohuさんとも話した、マテリアルクラブというプロジェクト名があって、この下北沢GARAGEでの出会いの話があってのことなら、と考えると今すごく腑に落ちています。成田　さっき言ったような関係性や歴史があるからこその面白さは出ていると思います。 ——一言でいうと自由な作品。その最初を飾る1曲目に相応しい曲だと思いました。 成田　データでやりとりして、そこに自分なりの要素を加えていったんです。しょっちゅう現場で会って遊んでたのに、制作ではほとんど会ってないっていう（笑）、それもまた面白かった。Ryohuと同じで、基本自由なんだけど軸は指定してくれるし、言ってることとデモの感じも合ってたんで、すごくやりやすかったです。

——「軸」には何があったんですか？ 成田　リファレンスとして、いろんな音源をやりとりして、ブラッシュアップしていったんですけど、さっくりまとめると、90年代感ですかね。コイちゃんは、ずっと等身大を貫いてきた人だと思うんです。90年代はそんなコイちゃんの青春時代。そこで感じたことを、バンドとはまた違うやり方で、バンド以外に興味を持った音楽も含めて吸収してアウトプットしているところは「なるほど！」と思いました。 Ryohu　確かに、90年代感あるよね。Jurassic 5（ジュラシック5）とか、ちょっと思い浮かんだ。 ——鍵盤の使い方で意識したことはありますか？ 成田　キーボードってレンジが広くていろんな雰囲気は出せるんですけど、一方でバンドや曲のバランスを変えてしまう楽器でもあるから、そこの抜き差しはいろいろ話し合いました。 ——強い低音と流麗な鍵盤のマッチングが、すごく新鮮でした。 成田　福岡さんのベースラインに、僕が上ものでリフみたいなのを乗せたり、バッキングで下からから押し上げるのもいいな、と思ってやってみたり。対低音というベクトルで考えていたこともありましたね。 ——ここまではお二人が参加した曲について話していただきましたが、作品全体を通して感じられた魅力についてはいかがでしょうか。 成田　難しいですね。魅力が出てこないんじゃなくて……。 Ryohu　その質問は最終的にくると思って考えてたんですけど、難しいなあ（笑）。コイちゃんの頭のなかはわからないけど、俺らはその破片を見せてもらって参加した立場で、仲間と夏休みの自由研究やってるようなワクワクする感じでした。成田　あ！　でも、トラックメイカー小出祐介の魅力っていうのはあるかと。バンドと違って、すっと彼がメインじゃないところで見えるセンスや面白さ。 Ryohu　それがわかりやすいと思います。

——小出さんが率いるバンドのBase Ball Bearと、小出さんが主宰するプロジェクトであるマテリアルクラブの違いとなると、Base Ball Bearはギターとベースとドラムという担当楽器があること。マテリアルクラブは、コンピューターなので、あらゆる音の抜き差しが自由。そして、後者の進歩によってバンドが水を開けられたわけではないにせよ、現在、世界を見渡すと、商業的にバンドは難しい位置にあります。そこについて、バンド編成のライブもありますがバンドではないRyohuさんと、バンドマンの成田さんの話が聞きたいです。 Ryohu　Base Ball Bearは、ギターとベースとドラムで鳴らしていることがすべて、という美学が基本にあると思います。それがBase Ball Bearのカッコよさ。それに対してマテリアルクラブは「こういうのもいいでしょ？」っていうことをやってる。それらがコイちゃんのすべてではないと思いますけど。学校の部活はバスケだけど、地域のサッカークラブにも入ってるみたいな。そうやって好きだと思う音をいろいろ発信するのは、すごく意味のあることだし、俺もそういうスタンスでありたいです。今はいろんな音楽の境界線がないとか、かたやバンドは数字的なことで言うと厳しいとか、確かにいろんないいこともあれば、そうでないこともあると思います。でも、結局自分がカッコいいいと思うことをやっているのがすべて。その表現手段をたくさん持っているって、めちゃくちゃいいですよね。成田　作る側とその外とでは、もしかしたら見方がちょっと違うかもしれないですね。バンド以外の音楽に目を向ける人は昔より増えてると思います。逆側からみると、例えばヒップホップの場合、サンプリングで曲を作ってるその時点で、バンドとかいろんな音楽を聴いてるわけです。要するに、何かに影響を受けてカッコいいと思ったことを、自分たちの今やれる方法でアウトプットしたのが現時点、というだけなのかなと。それが僕ならパスピエというバンド、RyohuにもKANDYTOWNやソロ。みんなそれぞれの「家」があって、毎回新しいことをしようと試みたり、実験的なことをしたりしてるんです。 Ryohu　うんうん。そうだね。

成田　そこでマテリアルクラブは「ザ実験」っていう感じ。バンドだけでなく、新しいやり方を切り開いて音楽について考えるとか、「音楽をやるってこうじゃない？」って提案しているようで。まさにミュージシャンとしてコイちゃんが持ってる、実験的部分を体現した作品だと思ったんです。まだ全体を聴いたばかりで咀嚼できてない部分もあるし、コイちゃんが何を考えてるかもわからないけど、僕がコイちゃんから感じた姿勢は、これからの自分に影響してくるように思います。 Ryohu　その実験的で何でもありなかでも、自分なりの制約を付けてやってるわけで。「マテリアルクラブ」っていう新しい概念をバンドとしてやったっていいとも言えますよね。でも、あえてDTMをスタートにして打ち込みでいろんな音を出して、客演を迎えるコイちゃんに同意する俺たちがいる。そして、コイちゃんも制作に参加した俺たちも、それを聴いてくれた人たちも、みんなそれぞれ、これまでに感じていた「マテリアル（素材）」という言葉の意味に、また新たな感覚が芽生える。そこで出会って飲みに行く人たちもいるだろうし、そこで受けた刺激を持って帰って何かを始める人もいるかもしれない。そういうひとつのライフというか、それが「マテリアルクラブ」の意味のような気もしてきました。あれ？　俺何言ってんだ？　ちゃんと話になってますか？ ——はい、むしろグッとくる話です。今日はありがとうございました。 Ryohu　そういう魅力がある作品なんじゃないかということで（笑）、ありがとうございました。

RELEASE INFORMATION

『マテリアルクラブ』

2018.11.07（水） 01.Nicogoly 02.00文法（ver.2.0） 03.閉めた男 04.Amber Lies 05.告白の夜 06.Kawaii 07.Material World 08.Curtain 09.WATER 10.New Blues 詳細はこちら

text by TAISHI IWAMI

インターネットを基盤にしたクラブ・シーンから登場し、国内外の様々なアーティストの楽曲提供／プロデュースを担当する他、DJ／アーティストとしても世界を舞台に活動するTeddyLoid。彼の最新作にして、3年間続いた『SILENT PLANET』シリーズの最終章となる2枚のアルバム『SILENT PLANET: RELOADED』と『SILENT PLANET: INFINITY』が完成した。この2作品には、2015年のアルバム『SILENT PLANET』以降続いてきた壮大なコラボ・プロジェクトの集大成として、シリーズを彩った様々な面々がふたたび集結。そこに新たな仲間も加わって、シリーズを通じて表現されてきた、音楽で感情を解放する戦いの最終決戦がストーリー仕立てで描かれるコンセプト作品。中でも、『SILENT PLANET： RELOADED』の序盤に強烈なインパクトを残してくれるのが、日韓の気鋭ラッパー、SALUとPaloaltoを迎えた“Two Dawgz and The Ape feat. Paloalto & SALU”。その制作背景について、TeddyLoidとSALUに聞いた。

Interview：TeddyLoid×SALU

——最初に聞かせてもらいたいのですが、今回“Two Dawgz and The Ape feat. Paloalto & SALU”で2人のコラボレーションが実現した経緯はどんなものだったんですか？ TeddyLoid　僕がKOHHくんの曲を作ったときに、一緒のアルバムに入っていた“If I Die Tonight feat. Dutch Montana, SALU”でのSALUくんにまずは釘付けになりました。MVもSALUくんの演技が、まるで深作監督が撮る映画のような佇まいで「すごいな」と思って。そのとき、同じタイミングで彼の“TOKYO”も聴いて、バースが独特なのにサビはすごくキャッチーなことに惹かれました。僕はそれまで、SALUくんにはすごくメジャーな印象があったんですけど、そのアルバムで衝撃を受けたんです。フロウもかっこいいし、USよりも先に行っているような独自の魅力を感じて、すごく気になって。ちょうどその頃、僕はモード学園のCM用に15秒ぐらいのトラックを色々と作っていたんですけど、当時のSALUくんのディレクターさんから「それを聞かせてもらえないか？」という話をいただいて、５～６トラック送ったのが最初の繋がりでした。 KOHH - ”If I Die Tonight feat. Dutch Montana, SALU” Official Video

SALU　でも、その時点ではお話をしたことはなくて、トラックを聴かせてもらっただけだったんですよ。僕もKOHHくんの曲を通してTeddyくんのことを知って、正直「俺ともやってほしいな」と思っていました。僕は僕で、KOHHくんとはまた違うアプローチでラップを乗せられる自信があったんで、いつか一緒にやらせてもらいたい、と思っていました。 ——2人とも、メジャーもアンダーグランドも、ジャンルも横断してクロスオーバーしていくような活動を続けてきた人だと思うので、そういう意味では共感するところがあったのかもしれませんね。 SALU　そうですね。もちろん、僕は言葉を使って音楽を表現していて、Teddyくんはトラックを作って音楽を表現していますけど、スタンスがすごく似ているな、というのは感じてました。今回はTeddyくんとPaloaltoさんと３人で曲を作ったわけですけど、外へ外へ広げていこうという気持ちはお互い強いと思うので、僕たちらしい曲になったと感じました。 TeddyLoid　僕も同じように感じていましたね。僕はKOHHくんに曲を提供する一方で、ゆずのアレンジ／ミックスを担当することもあって、SALUくんもJP THE WAVYさんと一緒に東京のトレンドを作る（“Cho Wavy De Gomenne Remix feat. SALU”）一方で、LDHファミリーと一緒に曲を作ったりもしていて。今って、メジャーなものとアンダーグラウンドなもののどっちかしかやらないというのは、僕はかっこよくないと思うんですよ。かっこいいことをやっている人が好きなので、今回一緒にやれてすごく嬉しかったです。 ——2015年から続く『SILENT PLANET』シリーズには、音楽や感情が禁止された地球で、音楽の力を使ってそれを解放していくレジスタンスの戦いが描かれた作品になっています。その中で、TeddyさんはSALUさんにどんな役割を担ってほしいと思っていたんですか？ TeddyLoid　“頼れるパートナー”じゃないですけど、同年代で、言葉を使ってともに戦ってくれる、頼れる存在としてオファーさせていただいました。あと、僕は『SILENT PLANET』シリーズで色々なアーティストの方々と共作を続けてきましたけど、彼も色々なアーティストと曲を作っているので、お互いの軍勢を引き連れた連合軍みたいな見え方も出来たら面白いな、と思っていたんです。 ——ははは、なるほど。実際の制作はどんな風にスタートしたんですか？ TeddyLoid　まずは最初、SALUくんからすごくいいアイディアをいただいたんです。実は最初は、2人である曲のリメイクを作ろうという話になったんですよ。 SALU　そうなんです（笑）。 TeddyLoid　それで一度作ってみたら、めちゃくちゃかっこよくて。ただ、権利関係の問題で、その曲はお蔵入りになってしまったんです。 ——“Two Dawgz and The Ape feat. Paloalto & SALU”の前に、実はTeddyさんとSALUさんが2人で作業した曲があったんですね。 TeddyLoid　音楽的にはかなりロックなサウンドの曲でした。そのままSALUくんと2人で曲を作ってもよかったんですけど、ちょうどその頃、僕は最近韓国のラッパーに注目していて、その中でも〈Hi-Lite Records〉が好きだったので、レーベルの誰かと楽曲ができないかと打診してみたら、レーベル主宰のPaloalto氏が「ぜひ一緒にやりたい」と応じてくれたんです。それなら、SALU君と僕とPaloalto氏の３人で、曲を作ろうと思ったんですよ。 ——今回の曲は「犬」や「猿」というキーワードが出てきて、このテーマがとても魅力的なものになっていると思います。これはどんな風に出てきたアイディアだったんですか？ TeddyLoid　僕は犬が好きで、Paloalto氏も愛犬家として知られていて、彼の作品やInstagramには頻繁に愛犬が登場しています。ヒップホップでは「Dawgs（ドッグス）」という「仲間」を表わすスラングがありますよね。そこで、SALUくんにも「テーマは『犬』でどうですか？」って訊いてみたんですよ。そうしたら、SALUくんはやっぱり「猿」だという話になって。それなら、日本にはたまたま「犬猿の仲」って言葉があるけど、「その関係を俺たちの世代で変えて行くんだ」という曲にしようというアイディアをSALUくんが送ってくれたんです。やっぱりこの人はすごいな、と思いました。 SALU　まず、僕は犬を飼ったことがないんで、愛犬家としてラップするのは違うよな、と思って（笑）。それならむしろ、「犬」「猿」ということも関係なく、３人で曲が出来ればいんじゃないかと思ったんです。そもそも「犬猿の仲」という言葉だって「誰が決めたんだろう？」と思うし、僕は色んな方と分け隔てなく音楽を作りたいと思っているんで。「犬を飼ってたりしますか？」と聞いてくれたことで、曲がすごくいい方向に向かいました。 ——「犬を飼ってますか？」という話から、「犬猿の仲」にアイディアが広がって、日韓のアーティスト3人でそれを越えて行こうという曲になった、と。面白いアイディアですね。 SALU　最初に犬のことを聞かれたときは、ちょっと焦ったんですけどね（笑）。その後、まずは、Teddyくんが用意してくれたトラックにPaloaltoさんがラップを入れてくれたんですよね。 TeddyLoid　そうですね。その内容も、韓国と日本を繋ぐことなどをラップした、メッセージ性のあるヴァースで、それを僕がエディットしてSALUくんに聴いてもらいました。僕の方では、曲のテーマに合わせて犬の鳴き声をドロップに入れたり、猿の鳴き声を入れたりして。サウンド的には、SALUくんとPaloaltoさんと一緒にやるなら、とびきり最新のトラックを用意したいと思っていたので、ハイブリッドトラップと呼ばれるような、トラップにエッジの効いたウォブルベースを加えたものにしました。実は最初、Paloalto氏には2種類のトラックを提案していたんですよ。曲を投げたんですよ。 SALU　へええ、そうだったんですか？ TeddyLoid　そうしたら Paloalto氏が「ハイブリッドトラップの方はやったことがないから、こっちにトライしたい」と言ってくれて。それでSALUくんにトラックを送りました。 SALU　そのトラックが送られてきたのが、確か夜20:00ぐらいだったと思うんですけど、僕は23:00ぐらいにはラップを入れて戻したと思います。一瞬で書けてしまったんですよ。 TeddyLoid　そうだった！！　すごく早かったんです。 SALU　トラックがめちゃくちゃかっこよかったし、その時点でPaloaltoさんのリリックの日本語訳もついていて、彼が何をラップしているのかも全部分かって。それを聴いて、すごく燃えたんです。「すぐ形にしたい」と思って、その場で自分のバースを録りました。自分の場合すぐに形になるときと、何か月もかかるときとの2パターンがあって、どっちがいいというわけではないんですけど、直感で書けたものの方がいいことが多いんです。自分としても、この1年間色々な客演をやらせてもらった中でも気に入っているものになりました。

——それにしても、2時間でラップが返ってくるというのは、ものすごいスピードですね……！！ TeddyLoid　僕もビックリしたんですよ。すぐに僕の手元にやってきて、その内容も「僕らの世代で変えていくんだ」という深いものになっていて。その時点で、「もうこのままでも出せるぞ」というクオリティで驚きました。 ——かなりスムーズに作業が進んだんですね。 SALU　もちろん、友達が3人同じ部屋に集まって作業するのとは違って、それぞれの国とそれぞれの立場があって、海を越えて音源を送り合っていたので、そのやりとりには時間はかかったと思うんですけど、音楽に関しては何も大変に思うことはなくて、本当に楽しくやらせていただきました。 TeddyLoid　今、日本と韓国の間には色々な問題もあったりしますけど、音楽を作るうえではまったくそんなことは関係ないし、僕は韓国のことも大好きだし。それに、2人のラップを聴いていて、お互いへの思いのようなものも伝わってきたので、これこそ一緒に作る意味がある曲だな、と思いました。生半可じゃないラップがすごいスピードで返ってきて、改めてすごいなと思いましたね。 SALU　こういう国と国との話って、気軽に話題にできることではないのかもしれないですけど、でも、音楽ってそのためにあると思うんですよ。今回“Two Dawgz and The Ape feat. Paloalto & SALU”がスムーズに出来たのは、僕らが直感で一緒に音楽を作れた、この3人でやりたいと思えたということで、それ自体が、この曲で言っていることの証明だったんじゃないかな、と思います。 TeddyLoid　そうですね。僕はそれをすぐにPaloalto氏に送ったんですけど、SALUくんが入れてくれたサビのところに、次は彼が2人でユニゾンになるように声を入れてくれて。海を越えての作業でしたけど、本当に３人でセッションしているような感覚でした。 ——SALUさん、Paloaltoさんのラップに、Teddyさんのウォブルベースも絡み合っていて、まさに3人が一緒にセッションをしているような雰囲気ですね。 SALU　そうですね。Paloaltoさんのラップを受けるときにも、「同じフロウで同じことを言う」「同じフロウで違うことを言う」「違うフロウで同じことを言う」「違うフロウで違うことを言う」と、色んな方法があると思うんですけど、今回はお互い違うフロウで違うことを言っているのに、同じことを表現しているような感覚があって。サビでもTeddyくんが僕が送った声の素材を使って色々とエディットしてくれて、そこにPaloaltoさんの声も混ぜてくれました。3人が直接会って作業していたわけではないのに、それぞれがそれぞれを音の中で意識して、自分のアプローチで曲に向かっていて。実際に作業をした時間軸や場所はずれているんですけど、音の中では同じところに立っているような感じがすごくしました。 TeddyLoid　『SILENT PLANET』シリーズはコラボレーションに重きを置いているプロジェクトなので、SALUくんもそんな風に感じてくれたことが本当に嬉しいですね。僕は僕で、２人が送ってくれたテイクに色々なエディットを加えていきました。 ——完成形は、最初からだいぶ変わっているんですか？ SALU　変わっているというよりも、もっと無駄がなくなって、研ぎ澄まされていった感じですね。完成形を聴いて、Teddyくんが僕が送ったラップに寄り添って、下から押し上げてくれたような感覚がありました。最初の時点でも、ある程度Teddyくんが起伏を作って、ガイドをしてくれていたからこそ僕もリリックを書きやすかったんだと思いますけど、それで僕が「こうだろう」と思って送ったものに、「そうくるならこうしよう」とTeddyくんがさらに音を変化させてくれて。その過程で曲から余計なものがどんどんなくなって、ピュアなものになっていったと思います。 ——レコーディングを通して、お互いのどんなところにすごさを感じましたか？ TeddyLoid　僕はこれまで色んな人と曲を作ってきましたけど、まず、SALUくんが提案してくれた曲のテーマにすごさを感じましたし、彼のフロウのオリジナリティが本当に魅力的だと思いました。オートチューンを使ったラップって今はすごくポピュラーになっていると思いますけど、SALUくんのラップには聴いた瞬間に持っていかれる力があって、「何だこれ？！」と思ったんですよ。「このままだとトラックが負けているな」と思って、トラックを作り直したりもしました。 SALU　僕も色んなプロデューサーの方と曲を作ってきましたけど、Teddyくんは柔軟性が高いというか、声を入れる人に合わせるのがすごく上手い人だと思いました。きっとTeddyくんには最初から完成形がある程度見えていて、僕らを導いてくれてると思うんですけど、それを「導いている」と思わせないんですよ。僕が自分でやっていると感じるぐらい、主張を無理やり押し付けたりしないし、存在感をわざと消してくるんです。Teddyくん自身、自分の信念もすごく持っている人だと思うんですけど、いい意味でそれを押し付けない。たとえば、無理やり手を引かれても、行きたくないところには行きたくないじゃないですか。Teddyくんとの作業の場合は、自分が足を出して「これはすごくいい道だ」と思っていたら、実はTeddyくんがガイドしてくれていた、という感覚でした。だから、今回のリリックも、Teddyくんが早く書かせてくれた、ということだと思います。そういうことってなかなかないんですよ。アーティストの魅力を引き出すのが上手な人なんだな、と思いました。 TeddyLoid　トラックを作る段階で、最終形がどんな風になるのかある程度は分かっているんです。でも、SALUくんのように個性があって、セルフプロデュースができる、凄みのあるラッパーにそうやって言ってもらえるのは、本当に嬉しいことですね。

——三者三様の個性がお互いに引き立て合って、いいコラボレーションになったのですね。今回のコラボレーションが実現したことは、『SILENT PLANET』シリーズにとっても、すごく重要なことだったんじゃないですか？ TeddyLoid　そうですね。『SILENT PLANET』シリーズを通じて出会った仲間たちが集結したアルバムに、この3人が垣根を越えて集まったことは、すごく意味のあることだと思います。SALUくんが歌ってくれた「僕らで変える」というリリックも含めて、本当にいいものになったと思っていますね。 ——改めて、今回の制作期間を振り返ってもらえますか？　2人にとっては、どんな経験になったでしょうか。 SALU　今回の作業は、余計なことが全然なくて、すごく早かったんですよ。だから、すぐに（アルバム）1枚できちゃいますよ（笑）。 TeddyLoid　僕はコラボレーションするときに、相手に無理やり自分のエゴを押し付けたりするのは嫌なんですよね。それよりも、お互いのよさを引き出しあうような、尊重し合うようなものにしたいと思うんです。実際、SALUくんのラップは素晴らしいものでした。 ——最近は、たとえば「88Rising」のように、国境を越えて価値観で繋がる共同体のような場所から音楽が生まれていく機会が増えていますよね。今回のコラボレーションにも、まさに同じような雰囲気を感じました。 TeddyLoid　僕自身、この数年間は1か月に1回ほどDJをするためにアメリカを筆頭に海外の各地に向かうような生活をしていたんですけど、そこで感じたのも同じようなことで、やっぱり、音楽だからこそ場所も言葉も関係ないと思うんです。そういう意味でも、すごくよかったと思いますね。 SALU　自分が普段接している人だけじゃなくて、そうやって色んな人と音楽を共有できることって、単純に「楽しいな」って思うんですよ。たとえば、道を歩いていても、毎日同じ道を歩くだけじゃなくて、色んな道や、知らない街に行きたくなるじゃないですか？　だから、そんな感覚で色んな人と音楽をやっていきたいですね。今はインターネットがあって、国境をすぐ越えられる部分もありますけど、きっかけがないとなかなか難しいことでもあるので、今回Teddyくんがこうやって誘ってくれて、すごく楽しかったですね。 TeddyLoid - Two Dawgz and The Ape feat. Paloalto & SALU

RELEASE INFORMATION

『SILENT PLANET: RELOADED』

11月14日(水)発売 ※配信リリースは11月16日(金) NKCD-6849/¥2,800+税

『SILENT PLANET: INFINITY』

11月28日(水)発売 ※配信リリースは11月30日(金) NKCD-6850/¥2,800+税詳細はこちら

1984年の結成以来、長期の活動休止や解散の危機とは全くの無縁で、コンスタントに良質な作品を作り続けてきたヨ・ラ・テンゴ（Yo La Tengo）。80年代後半のUSオルタナ黎明期から90年代の全盛期、2000年代のインディ・ロック隆盛を経て、幾度目かの大きな変化の時代を迎えている現在、彼らのように変わることのないバンドは存在すること自体が貴重なものとなっている。多くのインディー・バンドが生き残りをかけてメジャー・レーベルへの移籍や新しい音楽性への挑戦といった可能性を模索する中、ヨ・ラ・テンゴだけは徹底して不変のままだ。2018年3月にリリースされた通算15作目の新作『There’s a Riot Going On』は、同時期に手がけた映画『いろとりどりの親子』のサウンドトラックと並行して制作され、セルフ・プロデュースとなっているものの、そのサウンドに目を見張るような変化はない。ヨ・ラ・テンゴというバンドが内包する多様性を乱反射させた、白昼夢のようなサウンドスケープは変わらずに美しいままだ。

Yo La Tengo - There’s a Riot Going On

その最新作『There’s a Riot Going On』を引っ提げて、＜朝霧JAM＞への出演と東名阪ツアーを行ったヨ・ラ・テンゴ。即日ソールドアウトとなった坂本慎太郎とのスプリット・ライブ直前、アイラ・カプラン（Vo／G）に話を聞いた。

Interview：アイラ・カプラン（ヨ・ラ・テンゴ）

——今回の来日では＜朝霧JAM＞へ参加されました。同フェスでのライブはどうでしたか？ 台風の心配をしながら演奏するという、いつもとは違う経験になって楽しかったね。それに、僕たちのライブの前にBOREDOMSを見ることができて良かった。彼らのパフォーマンスはとても素晴らしかったよ。 ——台風で開催が危ぶまれる中でのステージとなって、オーディエンスにとっても特別な体験となったのではないかと思います。 悪天候下でのステージは、オーディエンスに2つの選択肢があると思うんだ。惨めな体験になってしまうか、本当に素晴らしい時間になるか。天気が悪いとみんな消極的に過ごすことができないから、結果的にとてもエキサイティングなライブになったと思う。 ——＜朝霧JAM＞と同じくアウトドア・フェスである＜FUJI ROCK FESTIVAL＞（以下、フジロック）には何度も参加されていますが、＜朝霧JAM＞ならではの魅力はどこに感じましたか？＜フジロック＞のような大きいフェスでは、広い場所にいくつもステージがあって、多くのバンドが同時にパフォーマンスしているから、普段のライブとは随分違うステージになる。でも、＜朝霧JAM＞は規模が小さいから、普段の自分たちと近い環境で演奏できたと思う。小規模だからこその親密な空気があるのが良かったね。 ——今日はこれから坂本慎太郎とのツーマン・ライブですが、彼との付き合いも長いですね。 サカモトサン（坂本慎太郎）とはゆらゆら帝国の頃からの付き合いで、日本でもアメリカでも何度も共演してきた。僕らの中では特にジェイムズ（・マクニュー）と仲が良くて、彼のソロ・プロジェクトであるダンプ（Dump）の12インチ・シングル（『NYC Tonight』）でリミックスを担当してもらったりもしていた。GGアリン（GG Allin）の“NYC Tonight”のカバーで、とても美しいバージョンになっていたね。僕たちみんな、ゆらゆら帝国の頃からの大ファンだよ。 ——彼がソロになってからのライブを見るのは初めてだと思いますが、どのようなライブを期待していますか？ サカモトサンのレコードはまだ一枚しか聴いていないんだけど、そのアルバムはとても大好きだから楽しみだね。さっきサックスを見たんだけど、ゆらゆら帝国の時には彼らがサックスを使っているのを見たことがないから、どんなライブになるのか想像もつかない。本当に楽しみだね。 ——3月にリリースした新作『There’s a Riot Going On』は、同時期に手がけていた映画のサウンドトラックのレコーディングから派生して生まれたそうですね。どのような制作過程だったのでしょうか？その2つが密接に繋がっているのは確かだね。映画用の音楽は主にコンピューターを使って、一つのアイデアをもとに作っていた。それと並行してバンドが集まって作る作業もしていて、その過程で出来た楽曲がアルバムになっていったんだ。中には、コンピューターで作り始めたアイデアで、サントラではなく自分たちのアルバムに反映された楽曲もある。また、映画用に作った曲で、映画に合わないという理由で使われなかったものもあったんだけど、実はその話を聞いて嬉しく思ったりもしたんだ。それなら自分たちのアルバムに使える！って（笑）。

『There’s a Riot Going On』

——その時に制作していたサウンドトラックを使用した映画『いろとりどりの親子』は、日本でも11月に公開を控えています。映画用の音楽とバンドの音楽で、レコーディングの進め方に違いはありましたか？今回のアルバム『There’s a Riot Going On』はサントラと並行して作っていったから、制作過程自体に大きな違いはなかった。一番の違いは他者の要望があるかないか、という点だと思う。映画用の音楽では、何分何秒に収めるとか、どのようなムードにするとか、映画サイドからの依頼があらかじめ決まっている。アーティスティックな部分で素晴らしいアイデアが浮かんだとしても、映画にフィットするかどうかを第一に考えなくてはいけない。一方で、自分たちの音楽はまっさらなキャンパスがあって、そこに描くものは完全に自由なんだ。良いアイデアを思いついたら、ひとまず試してみる。それが上手くいくこともあるし、全く別のものへと発展していったとしても、それはそれで面白い。そういう自由度の違いはあると思うね。

11月17日(土)公開『いろとりどりの親子』予告編

——ヨ・ラ・テンゴは結成から30年以上経った今もコンスタントに作品を発表し、精力的にツアーを行っています。バンドを長く続けていく秘訣はどこにあると思いますか？第一に、僕たちはラッキーなんだと思う。僕たちは他のどの国よりも日本が大好きだけど、アメリカからは長旅になるし、時差もあるから体力的に大変ではある。それでもツアーを楽しめているのは、クルーを含めたバンドみんなでオフの時も一緒に笑い合ったり、いろんな体験をシェアできたりしているからなんだ。彼らと良い関係を築けているからこそ、ツアーや旅の経験も毎回新しいアドベンチャーのように楽しむことができる。また、ジョージア（・ハブレイ）とジェイムズと僕で、興味関心が共通している点も大きいと思う。ロビン・ヒッチコック（Robyn Hitchcock）のバック・バンドとして一緒にプレイしたり、ただ音楽を作ってツアーしたりするだけじゃなく、様々な経験ができている。そうして、自分たちを常に楽しませることが大事なんじゃないかな。

Photo by Kodai Kobayashi

RELEASE INFORMATION

There’s a Riot Going On

NOW ON SALE ヨ・ラ・テンゴ詳細はこちら

didn’t exist.

音楽ユニット“citrusplus”が、アパレルブランド/ショップとコラボレーションし、今までにない“ (didn’t exist. ) = 新しいトレンド”のスタイルを発信していく企画が、新たに“Qetic”にてスタート。

citrusplus × UNFOLLOW

記念すべき第一回目となる今回は、原宿はキャットストリートに店舗を構えるセレクトショップ『UNFOLLOW』をフューチャー。

citrusplusのボーカル "ヨロズユイ"が、UNFOLLOWの提案する国内外の新進気鋭ブランドの最新アイテムを3回にわたり着こなします。

LOOK1　 “off to”

デニムジャケット(HYEIN SEO / ￥32,500) カットソー(irojikake / ￥10,200) パンツ(KAPPA / ￥11,000)

about citrusplus

2017年1月結成・活動開始。

ヨロズユイ（Vo.）、 Fujimaki（DJ ／ Key）、Mori（VJ ／ Dr.）の3人からなる、奥渋系エレクトロポップユニット。かつて一世を風靡した渋谷系のように、音楽だけでなくカルチャー・ファッションを嗜好する人々からも厚い支持を集める。ダンサブル且つキャッチーなサウンドが特徴。

Instagram Website

about UNFOLLOW

“追随しない（＝アンフォロー）’’をコンセプトに、国内外の成長株といえる新進気鋭ブランドにフォーカスし新しい潮流を提示していく。

Instagram Website

Model：Yui Yorozu（ @citrusplus_jp ） Stylist：Takafumi Yao（ @takafumi80 ） Videographer：Jumpei Mori（ @jumpeimori1112 ） Assistant Videographer：Yu Kari（ @yu.kari7 ） Director：Masataka Kawaguchi（ @masataka_kawaguchi ） Editor：Mao Oya（ @oa__o__ ）

オルタナティヴR＆Bと括るにはJ-POPとしての強度も持つ音楽性。素を見せるというより、ビジュアルセンスや美しい写真を見たい人の多さを物語る、インスタのフォロワー数が４万人超えという数字。一つのイメージに固定できない、向井太一というアーティストは実に今日的な存在だ。

そして今日的なまま、向井太一はニューアルバム『PURE』で、よりシンガーソングライターとして、時として身もふたもないぐらい正直な言葉を紡ぎ、人間らしい悔しさや弱さもさらけ出す。そしてその傷つきやすい感性のままで、前に進もうとする。

これまでも制作を共にしてきたLUCKY TAPESの高橋海やmabanuaを始め、今回は☆Taku Takahashiや蔦谷好位置をCoプロデューサーに、さらにはKREVAが客演で参加し、ブラックミュージックをベースにした音楽性の中でもさらに細部の表現に最適なクリエーターが結集した印象だ。

一見儚げでクールな印象のある彼の内側で燃える強い意志。ニューアルバムのサブテキストとして、今の彼の言葉を届ける。

Interview：向井太一

——１stアルバムの『BLUE』から今回の『PURE』に至るまでの期間に向井さんの音楽に一番影響を与えたもの言うと？

音楽っていうよりは、社会的なニュースだったり、あとは自分がそれに対して感じたことだったり。それを受けてファンの人たちがDMや手紙として想いを伝えてくれたりとかして、結構、前より考え込む時間が多くて。で、ま……あることというのは言いたくないんですけど、あることがあって、それに対してファンの人ですごく落ち込んでる人がいて、その時にいろんなアーティストがそのことに対してメッセージを発信していて。でも僕はそのとき何も言えなかったんです。社会的なことに対して発言するのがちょっと怖くて。

でも何も言えなかったことへのもどかしさみたいのをずっと感じていて。そういうのを音楽として表さないとミュージシャンをやってる意味がないなと思ったんです。だから今回は全曲そうなんですけど、より実際に自分が感じたことだったり、伝えたいメッセージをまっさらな気持ちで曲に表していこうっていうので、こういう作品になったんですね。だから実際に受けた言葉や見たもの、感じたことが作品に一番の影響を与えましたね。

——それはいきなりSNSで社会的なことを発信するということではなくて。

そうですね。昔は一つの情報だけで言葉にするのは怖くて。でも僕は誰かに対して何かを言ってあげられないのはやっぱ発信する側として嫌だなと思って、今回はそういう気持ちとか、そういうことを感じてる人に伝わればいいなと思って、書いた曲とかもあります。

——その感じは作品に表れていて純粋とか素直だけでなくて、社会問題系から恋愛系までかなりぶっちゃけてますね。すごく勇気を感じました。

もともと僕自身は近しい人には直接感情を伝える方で、友達にも「お前と友達でほんとによかったよ」って、本気で言っちゃうタイプなんです（笑）。だからやっちゃえば後悔はしないなって感じはあったので、やってよかったですね。歌詞の書き方もちょっと変わってきて、今までだったら絶対使わないような言葉だけど、自分の気持ちを表すとこういう言葉になるよねっていうのを素直に使ったり、そういう変化もすごくあると思います。

——これは時代も関連した見方ですけど、向井さんの登場したタイミングは、いわゆるブラックミュージックをルーツにしてるシンガーソングライターの部分と、東京インディー的な部分と形容のされ方が分かれていて、本人の意図とは別にカテゴライズがあったんじゃないかなと思って。でも2018年になるとそれぞれのアーティストがそれぞれの存在感を打ち出しやすくなったように思うんです。

うん、確かに。それぞれの色がすごい分かりやすくなって、特に僕と同時期に出てきたバンドとかシンガーソングライターは、なんとなく役割分担が分かりやすくなってる感じはありますよね。

——この1年、ワンマンツアーやイベント、いろんなフェスもありましたけど、ライブからのフィードバックはいかがですか？

いや〜、すごかったです。フェスだと、今年も＜サマーソニック＞に去年に続き出させていただいたんですけど、出番がすごく早くて、しかも去年よりぐっと会場が広くなったんですけど、すごいたくさんの方に集まっていただいて。なんか不思議な感覚でしたね。「こんな早い時間から向井太一見に来るんだ」っていう（笑）。でももちろん嬉しかったです。着々と自分が種を蒔いてきたものが、芽が出てきてるなと感じられた１年なので、自分のやってきたことが自信にもなりましたし、なんか答え合わせしてる感じになります。自分が探り探りやってることが。

——ケラーニ（Kehlani）の単独公演のお客さんの前でやるライブはどうでした？

面白いのが、海外の人はものすごくノリが良くて、日本人の人はちょっと「おまえ誰だよ」みたいな（笑）。でも逆にそれが面白くて、どうやって振り向かせようかなとか考えて。最初が大阪で、2公演目が東京だったんですけど、東京でセットリストを変えたりしましたね。

——イベントも色々で、自分が知るところでいうとPAELLASやodolの企画イベントにも出演されていて、面白いなと思ってて。彼らも今年、カラーが明確になってきたアーティストですし。

確かに。PAELLASとかはそうですね。MATTONくんとも話してて、割と奥底にあるものは共通するものがあるというか、ジャンル的なのもそうですし、世代も近いのですごく嬉しかったです。odolはミゾベ（リョウ）くんが同郷なんで、そういう意味でも呼んでくれて嬉しかったですね。特に福岡で、その時のイベントはKing GnuとLILI LIMIT（4アーティストで）やっていて。東京で知り合った人たちがこうやって地元の福岡でやってるっていうのは、なんか「プロになったんだな」っていう気がしました（笑）。

——今回のアルバムでは、もちろんCoプロデューサーも大事でしょうけど、向井さんの中では一番何をやりたい、やらなきゃっていう部分が強かったんでしょう？

第一に最初に言ったようなメッセージを伝えたいっていうのと、前回までは割と同世代とか新しいプロデューサーを意識的にピックアップしてたんですけど、今回はほんとに僕が学生の頃から聴いてた方々ばかり新しく起用していて、とにかくエモーショナルな時間を過ごしましたね。学生の頃の自分に言ってやりたい、このクレジットを（笑）。っていうぐらい、ほんとに素晴らしい方々とやらせていただいて。まず、自分がこのステージに立ったのがすごい嬉しかったですね。

——以前のインタビューで最近日本の90年代のR&Bを聴いてらっしゃるというのを読んだんですけど、その中の一つがm-floの☆Taku Takahashiさんだったり？

☆Takuさんもそうですし、Shingo.SさんもずっとR&Bをやられてますし、まさに！　ですね（笑）。m-flo初期のLISAさんの時もですし、「Lovesシリーズ」も好きだったし、復活してからも聴いてるんで、ほんとに嬉しかったですね。聴き返すとむちゃくちゃ難しい歌だなと思って。これがヒットするってすごい（笑）。久しぶりに聴くとこんな難しいフロウだったっけ？　とか思うぐらいなんですけど、でもすごい名曲だっていう。しかも☆Takuさんはいろんなハコで個人的にもDJとかやられてますし、m-floとして活動する上でも常に新しいものとか面白いものを発信し続けるっていうのは、なかなかJ-ポップシーンだと難しいと思うんですけど、ああいうことをやられてる方々が上にいると、すごく音楽するのが楽しみになるなと思います。

——“Break up”は☆Taku Takahashi節が満載ですよね。

まさに。でもあの2ステップの感じを古く感じさせないっていうのがさすがだなと思ったのと、あと、程よいポップ感というか、J-POPでありつつ、やっぱりいい意味でのエグみというか、新しいことをされてるというのはさすがずっとやられてる方だなと思いましたね。

——人選の希望は最初からあったんですか？

基本的に僕がお願いしたりとか。蔦谷（好位置）さんは「いつか一緒にやりたいね」って言ってくださってて、今回やっとご一緒できるようになったんです。大体の制作はデモを作ってからアレンジをお願いしたりするんですけど、「この人のアレンジ、絶対合うよな」と思ってお願いしてみたりとか。「ちょっとダメ元で聞いてもらっていいですか？」みたいな感じで（笑）、お願いしてます。

——Taku☆さんや蔦谷さんとやろうと思えること自体が、メジャー云々じゃなくて向井さんの気持ちの強さだと思うんですね。でもそれはシンプルに好きだからやりたいという？

完全にそうですね。あとは蔦谷さんもそうですけど、一緒に作り続けて、「これいいよね！」みたいなのが生まれた瞬間が嬉しくて、「これやってよかった」と思ってくださる仕事を僕もやりたいと思いますし、そういうのが生まれるような方達とやりたいなぁって思ってるんで。ちょっと質問の意図とは違いますけど（笑）、とにかく楽しいです、これをやることは。

——その蔦谷さんをCoプロデューサーに迎えた“Answer”にフィーチャーされているのがKREVAさんで。これはどういう順番で決まっていったんですか？

最初、蔦谷さんと作ってて、「これラップ欲しいよね」って話になって、僕も好きだったんですけど、親がめちゃめちゃ好きで、KREVAさんを。で、蔦谷さんはもともとKREVAさん繋がりがあったんで、「KREVAさんとかできないですよね……？」みたいな感じでお聞きしたら、その場で電話してくださって快くOKしてくださって。打ち合わせの時も、すごく僕の伝えたいことだったり、曲の世界観を理解してくださって。KREVAさんてヒップホップっていういわゆるマイノリティの音楽をメジャーシーンに持ってきたというか、クオリティを下げずにポップスにしたことがすごいことだなと思って。ラップで武道館をやり、フェスのヘッドライナーもやりっていう方って、ほんとにいないと思うので、そういうのは自分がしたいことに通じることだなと思いました。

——ああ、なるほど。

昔からずっと自分のビジュアルイメージと音楽性にギャップがあって、音楽性もちょっとクセがあってみたいなことをずっと言われてきたんで、どこかしら自分がほんとにこれをやることが正しいのか？　とか、J-ポップとしてやってく上でこの音楽性はどうなんだ？　とか、葛藤する部分はあって。でもそれを乗り越えて、しっかりと広めてるKREVAさんはすごくリスペクトしますし、今回ご一緒できて嬉しかったです。まさにこの“Answer”って曲の世界観にぴったりのリリックをいただきました。

——すごく硬い韻踏んでますよね（笑）。

いやー、すごい（笑）。なんか「強っ！」って感じなんですよね。

——ちゃんとVSな感じで来る人なんだなと改めて思って。

いや、ほんとに。僕はでもKREVAさんの上品さも好きです。完全にサグな感じでこないというか、ちゃんと愛のある感じとか、他の楽曲もそうですけど完全にDISしかないラッパーって苦手で、そうじゃなくてちゃんと人間味というか、愛のある感じはほんとに改めて大好きだなと思いました。KREVAさんとか、もっと前で言うと宇多田ヒカルさんとか、ブラックミュージックをJ-POPにするって、ものすごい力だと思うんですけど、それが自分がやりたいことだなって改めて思いました。

——ちょうど向井さんがそれを素直にやりたいと思うタイミングと、それを受け入れる時代的な土壌もシンクロしてきたのかな？と思います。

確かにやりやすくなってきたと思います。僕らが学生の頃とか10年前ぐらいは、どっちかというとJ-POPはダサくて、もっとジャンルがはっきりしてた頃はインディーの音楽がイケてるっていう変なプライドがあって、分かれてた時期だったんです。でもそれがだんだん崩れてきて、面白いことがやりやすくなったな、と。そういう前からいらっしゃる方が、新しいものを生み続けてるっていうのもあると思うんですけど。

——例えば宇多田ヒカルさんの新作はずっと聴いてきてるから聴いてる人ももちろんいるけど、音楽的に新しいし、歌もすごいフロウじゃないですか？

歌えないですよね？（笑）　すごいなと思います。あと、歌謡的な部分が『Fantôme』に比べて『初恋』の方が強いかなと思ってて、それも絶妙なバランスだなと。

——向井さんがやってることもオルタナティヴR&BとかインディーR&Bって形容されてる頃から聴いてる人も、無意識にポップスとして聴いてる人も両方いると思うんです。

そうですね。なんかそういう意味では僕のことをR&Bって言わなくなる時代まで来るといいなと思ってます。僕はJ-POPでい続けたいってずっと思っていて、一応、自分のジャンル的なベースではR&Bがもちろんあるんですけど、それを超えた、その時やりたいジャンルを自然に取り入れていきたいし、かつ僕は歌謡曲的な要素を含んでおきたいので、やっぱりJ-POPでいたいなぁっていう、そのバランスがすごく重要かなと思ってて。ポップスの部分と音楽的感度の高い人に引っかかるような両面。それはもうずっと言ってることなんですけど、ニューアルバムでもすごく意識して作りました。

——それは自ずと出ていると思います。さて、今回のストレートな物言いという部分で言うと、mabanuaさんがCoプロデュースの“Haters”の歌詞はタイトルまんまですね（笑）。

まんまですね（笑）。これすごくいろんな捉え方があるかなと思うんですけど、これをようやく言えるようになったなって感じです（笑）。もともと、僕、ネガティヴな気持ちも大きくて、それと同時にものすごいポジティヴでもあるみたいな。ネガティヴな力をポジティヴな力に変えるタイプで。ちょっと具体的なことを言うと、音楽的にすごくムカつくことを言われて、悔しい！　と思う人がいて、その人をこう、思い出しながら書いたんですけど、その人が僕の音楽を聴きたくないと思ってても、自然に聴いてしまうぐらい言っちゃおう、と（笑）。攻撃をするわけじゃないんですけど、ちょっと悔しかったり、何くそって思う気持ちはすごい必要かなと思って。それも自分の純粋な気持ちだなと思って、今回入れました。

——確かにネガティヴな気持ちがないと前に進まない部分もあるし。

もうなんであいつ売れてんのに、こっちはこんなに売れないんだと思ったりとか。あいつそんなに良くないだろ、みたいなのももちろんあるし（笑）。自分の音楽を一生懸命やってるからこそ、その悔しさも生まれたりするんですけど。

——mabanuaさんは向井さんの気持ちも受け止めた上でアレンジしてると思うんですけど、どういう会話がありましたか？

結構、サクサクやってくださって、「これめっちゃ面白いね」っていう話から。元々のビート感みたいなのはあったんで、それを元に。とりあえず僕からのお願いとしてはライブでちょっとお客さんと盛り上がれるような感じにしたいってことと、あとはこのビート感もありつつ、少し面白いギミックを入れて欲しいというものでしたね。

——ラブソング方面もストレートですごいなって言うのありますね。

生々しいですよね。

——“午後8時”は分かる人には向井さんのプライベートが分かっちゃいそうです（笑）。

報告書みたい（笑）。絶対、当事者はわかりますね。でもなんか僕、ずっと子供の頃からR&B聴いてたんで、R&BってLOVEをストレートに表すっていうのは、自然にあることで。“午後８時”みたいな曲を僕と同世代の近しい人で歌える人っていないんじゃないかな？　と思う。僕はやっぱ、これを聴き続けてたぶん、そこはプライド持ってやっていきたいなって言うのはありますね。

——ソウル、R&Bでのラブソングって、ヒューマンドラマの映画の中にラブシーンがあるのと同じだと思うんですよ。

うんうん。

——“ポートマン”は男性が自分を「港」と表現するのが珍しいなと思って。

そうなんですよ。でも結構、この制作をしている時、周りにいた男性がみんな「港タイプ」というか港でありたいってタイプで。割とすぐ不安になるし、フラフラしそうになるんですけど、そこをどっしり構えられる男になりたいって願いも込めつつ、これはなんか日常にある幸せと、でもそれに対する不安みたいな、スレスレの感情みたいなものを歌っていて、幸せだけどどこか不安みたいなところですね。

——その表現も強がりじゃなくて素直なのがいいですね。

僕自身、結構、女性的な恋愛観なんで。どちらかというと引っ張っるというよりは割とそのままナチュラルに自分の感情に溺れていくタイプの人間だと書きながら思いました。

——そういう意味でも、自分が思ってることを書かないといられないんじゃないか？　っていう社会的なテーマがきっかけだったとは言え、それだけじゃなくて人として全方位出てるアルバムかなと思います。

ありがとうございます。そうですね。ドキュメンタリーみたいな（笑）。

——シンガーソングライターと称している人の表現が、誰の作品でもテンプレートだったら醍醐味がないですから。

ほんとですね。なんか誰かが言ってたんですけど、特にR&Bを歌う男性シンガーは自分のベッドシーンを見せてるのと一緒ってことを比喩的に言ってて、一番恥ずかしいとこを見せてるのと一緒って。確かにそうだなぁと。まさにそれをやりたいというか、表現したいなと思って作りました。

——それにしてもこれだけいろんな背景を持ったCoプロデューサーとやってること自体が今年らしさを感じます。

そうですね。自分の感情の鮮度みたいのを大事にしてて、発信したいジャンルとかもそうですけど、リリースの回数が多いのもそういう理由もあって。自分の今したいことが半年後にはすごく古いんじゃないかとか、もうトレンドとして終わってるんじゃないかみたいなのもあったりとか。最近、サブスクリプションが普及したっていうのもあって、海外のアーティストもすぐシングル出したりとか、コロコロジャンルが変わったりするんですけど、自分が今、やりたい人とか、やりたいジャンルに対してすぐ行動したいんだなっていうのは、改めてこのアルバムのクレジットを見て思いました。

——そしてアルバムタイトルチューンの“Pure”ですけど、この曲で印象的なのは向井さんのボーカルがすごく強いっていうところで。女声コーラスでゴスペル的な面もフィーチャーされていて。

そうですね。前作でもそういう要素は使ったりしてたんですけど、今回、割と自分でも歌ったりしていて。

——ある種王道じゃないですか？

はい。リリックもめちゃくちゃストレートで。なんかやっと……今までも誰かを鼓舞する応援歌みたいなのはあったんですけど、自分が目をそらし続けていた部分にちゃんとメッセージを込めて、歌えたっていうのが自分の中であって、だからすごい大切な曲にしたいなって思う曲ですね。

僕は音楽をする上で、自分のことが好きになれたというか、昔はさっき言ってた、音楽的にもちょっと自信がなかったりとか、田舎の育ちだったんであんまり周りに友達がいなかったり、そういうのでどっちかというと閉鎖的な子供だったんですけど、音楽をやるうちにいろんな人が支えてくれたり、支持してくれたりとか、人が好きになったと同時に自分のことが好きになれて。で、そのことがもし今、自分のことで悩んだり、何か傷ついてる人たちが拠りどころになれるような曲になれればいいなと思って、この曲を作ったんです。

向井太一 / Pure (Official Music Video)

——そしてこのアルバムを携えて今までより長いツアーに出ますね。

そうですね。回る箇所も増えて今回は6箇所やります。ライブは曲が初めて完成する場所だと思ってるんです。誰かに伝えて持って帰ってもらって、初めてそこでより自分が曲に込めたメッセージを最大限まで広げていく場所かなと思っているので、早くツアーをやって曲たちを完成させていきたいなと思います。

text by 石角友香

photo by kodai kobayashi

PURE（初回限定盤） 2018.11.28（水） ¥3,000（＋tax）

PURE（通常盤） 2018.11.28（水） ¥2,315（＋tax）

“PURE TOUR 2018-2019”

EVENT INFORMATION

向井太一 “PURE TOUR 2018-2019”

2018.12.12（水） OPEN 18:30／START 19:30 東京・マイナビBLITZ赤坂特別指定（2F席）：ADV ￥4,800／DOOR ￥5,500

2019.01.11（金） OPEN 18:30／START 19:30 仙台・enn 2nd

2019.01.18（金） OPEN 18:30／START 19:30 札幌・KRAPS HALL

2019.01.25（金） OPEN 18:30／START 19:30 福岡・DRUM Be-1

2019.01.26（土） OPEN 18:30／START 19:30 名古屋・伏見JAMMIIN

2019.02.01（金） OPEN 18:00／START 19:00 大阪・BIGCAT

ADV ￥3,800／DOOR ￥4,500（1ドリンク別）

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向井太一

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PALLADIUM

PALLADIUMはフレンチミリタリーをオリジンに1947年以来、機能的なシューズを開発。

現在は「CITY EXPLORING - 都市探検 -」を追求。

PAMPA PUDDLE LITE WP パンパパドルライトウォータープルーフ Unisex ¥14,904（税込）パラディウムを代表する人気モデル、パンパパドルライトのニューカラー。アッパーの縫い目にもテープ処理を施した軽量レインブーツ。アウトドアやフェスでも活躍。

PAMPA SPORT CUFF WPN パンパスポーツカフウォータープルーフナイロン Unisex PRICE：¥18,144（税込）ヨーロッパのフェスシーンでも人気のパンパスポーツシリーズ。防水レザーと非吸水処理を施した高強度のメッシュ素材をコンビした防水ブーツで雨の日にも履ける心強い一足。

PAMPA CUFF WP LUX パンパカフウォータープルーフラックス Unisex PRICE：¥19,440（税込）防水レザーを採用したモデル。軽量で屈曲性もいいので、長時間の歩行も快適。

Shop Information

パラディウムのオフィシャルストア S-Rush（エスラッシュ）原宿店

東京都渋谷区神宮前3-24-1 インザストリームビル 1F・B1F TEL 03-6455-4125 営業時間 11:00～20:00

詳細はこちら PALLADIUM

Info

後藤早貴

モデル／女優。大阪府出身、映画『BUGS』2019年公開予定
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Takafumi Yao

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楽器を持てば、ヒーローになる

世界の貧困地域の子供達を非行や犯罪ではなく、音楽に夢中になり努力することで自信と尊厳を持たせ、生き方をポジティヴに転換する。なんだか硬い話題？　もしくは高邁な精神論だと感じる人もいるだろう。しかし実際にこの理念をプロジェクトとして駆動させている事実がある。

極論、サッカー選手になるか、非行に走るか？　と言われる中南米の子供達。だが、厳しい現実があるからこそ、子供たちが無償で音楽教育を受けられる公的融資による音楽教育プログラム「エル・システマ」というオーケストラの国民的音楽的教育が長年育まれてきた。

ベネズエラの奇跡：エル・システマ EL SISTEMA 2015

世界中にネットワークのあるヤマハ、その中でも中南米では楽器分野のサポート体制である「AMIGO Project」を立ち上げ、その一環として、壊れにくい新たな管楽器ヴェノーヴァを作り出した。だが、実際に現地でのこの活動は発信源である日本で知る人は少ないだろう。

今回、コロンビアのメデジンを「I’m HERO Program」の舞台に選び、広告業界の第一線で活躍するクリエーターが現地に長期滞在し、撮影、編集した映像「I’m HERO Program」の映像が公開された。

I'm a HERO Program - Trailer

主軸となったクリエーターは山中雄介、北田一真、近藤亮介の3名。

山中雄介

プランニングからエグゼキューションまでの制作物のプランニング・ディレクションを担当

統合的な広告案件を手がけながら、水曜日のカンパネラのMVやオフィシャルサイトなどで知られるクリエイティブディレクター。

デザイナー、プランナーを経験後、2012年にAID-DCCに入社。デジタルを軸足にイベント/映像を含めたプロジェクトのプロデュースからディレクションまでを担当。カンヌライオンズ2015,2016年ゴールド受賞、ADFEST2017,2018年GRANDE、その他受賞歴多数。

北田真一

映像のプランニング・ディレクションを担当

カンヌライオンズゴールド受賞など、数々のTVCMや最近ではKOJOE「Day n Nite」MVなどで知られるフィルムディレクター。

2012年にTOKYOのディレクターとして活動を開始。不変の感情を映し出す演出とストーリーテリング、映像のダイナミズムが国内外で高く評価されている。カンヌライオンズゴールド受賞、One Show ゴールド受賞、D&AD Film/White Pencil受賞、その他受賞歴多数。

近藤亮介

映像からグラフィック、イベントまでの制作進行を担当

GoogleのWEBムービーなどを手がけるプロダクションディレクター。

大学卒業後、2014年に太陽企画に入社。映像制作の経験を積み2015年からschoolに配属。映像をメインにしながらインタラクティブやイベントも絡んだ案件の制作も担当。

彼らにドキュメンタリーフィルムを切り口に、フランクに今回のプロジェクトの「思想」「現実」「クリエイティブ」「未来」を語ってもらった。

R→L：北田真一、近藤亮介、山中雄介

Section 1：思想

——今回の「I’m a HERO Program」のメインのスタッフとしてみなさんは召喚されたわけですが、クライアントさんからのミッションはどういうものだったんですか？

山中雄介（以下、山中）　去年、僕がヤマハさんとカンヌライオンズ国際クリエイティブ・フェスティバルでお会いして関係性がスタートしています。ただその時はコロンビアでの実施が特に決まっていたわけではなくて。グローバルに向けて何かできないか？　みたいなところがざっくりあって、ヤマハのリソースを活用した新しいブランディングって何かできないですか？　というお話だったんです。それから去年の10月に何度かご提案とヒアリングを行なっていく中で、どうやら中南米でヤマハさんが「AMIGO Project」というのをやっていると。その「AMIGO Project」っていうのが何かっていうと、ベネズエラから始まったエル・システマっていう青少年オーケストラの音楽教育プログラムがあるんですけど、要は貧困層や恵まれない子供達が非行や犯罪に走らないように音楽の力を使って、エデュケーションしていくっていうプロジェクトなんですね。それをヤマハさんとしては15年以上前からサポートしていて、「AMIGO Project」では中南米に存在する同様の青少年オーケストラをサポートしている事実を知りました。

——具体的にはどんなサポートを？

山中　例えば楽器の修理職人を育成するワークショップをやったり、メンテナンスの方法を教えてあげたり地道な活動をしていたんですけど、だったらヤマハさんで壊れにくくてメンテナンスフリーな楽器を作っちゃえばいいじゃんという話も加わり、今回使ってるヴェノーヴァという楽器が開発されました。もともとヴェノーヴァ自体もずっと研究されていたんですけど、商品化するきっかけは「AMIGO Project」の課題から生まれた楽器なんだという内容がヤマハさんから伺って。そんな素晴らしいことやってんなら、その資産を軸に世の中にPRすると同時に、それをヤマハのブランドに還元する取り組みをしっかりやりましょうという提案をしました。それが「I’m a HERO Program」。格差や貧困、それらから生まれる差別意識や偏見といった「見えない壁」が存在してて、子どもたちの未来を狭めてしまっている現実があります。こうした「見えない壁」に立ち向かう子どもたちが今回の主役です。貧困地域に住む子どもたちにヴェノーヴァを提供し、約半年間の教育を経て、コロンビアのヒーローであるプロサッカー選手とともに憧れの舞台であるピッチに上がり国歌を演奏するプログラムです。

——なるほど。それが企業として今アピールすべき点ということと、映像としても成立しそうだと？

山中　そうですね。企画自体がすごくピュアでシンプルな企画なので、この内容をちゃんと嘘なく届けるためのムービーが必要だということは当初から共有してましたね。で、じゃあ国を決めましょうとなって、中南米の方でこの「AMIGO Project」っていうのをやっていました、と。で、少しでも現地の人の協力体制がある国じゃないとできない。打ち上げ花火ではなく継続的に「I’m a HERO Program」を行っていこうと想定したときに「AMIGO Project」を通して現地との関係値が強いのがコロンビアのメデジンって街でした。その街には青少年オーケストラを行政がやってるものもあれば民間企業がやってるものもあって、ヤマハの販売代理店も青少年オーケストラのチームを持っていたりしたので、じゃこの企画をちゃんと向こうに持って行っても僕らがいなくなってからもワークするような環境はできているよね、だからコロンビアだね、メデジンだねっていうことになりました。

Section 2：現実

——メデジンはどんな街なんですか？

山中　盆地になっていて、いわゆる底の平坦なところがシティで、いわゆるスラムと呼ばれる貧困層の人々が山の上に住んでる感じになっていて。課題として言っていたのは、貧困だったり格差からくる差別意識とか偏見とか、シティから見たスラムとかそういう部分に実は見えない心の壁みたいなものがあって。この見えない壁っていうのを取っ払っていきたいっていうのが、根底にはあって。そういう目線で色々言葉選びやクリエイティブを作っています。

——“見えない壁”というとメデジンと外の世界みたいに思いますけど、その中に住んでる人同士にすらあると。

山中　両方ありますね。

北田一真（以下、北田）　僕らのところに話が来た時はもうコロンビアに行くって話が決まった段階で。でも僕らコロンビアのことを何も知らないんです。そこで僕らが行って、何を撮れるんだろう？って思った時に、「知らない」ってこと自体が壁だと思ったんですね。コロンビアに撮影に行くっていうと「危険なんじゃないの？」とか（笑）、言われるんですけど、実際に行くと、以前は麻薬戦争もあった場所ですけど、今は住んでいる人の力も政府の人の力もあって、どんどんどんどん良くなって、変化している最中の場所になっていて、行かなきゃわかんないことだらけでした。

——行って初めて具体的なクリエイティブが起動すると？

北田　ある程度こういう風なものは撮りたいな、こういうテーマでっていうのはあったんですけど、やっぱり行って知って教えてもらうっていう、知らないから撮れるものを撮ろうみたいな。メデジンの拡声器的な役割の映像になったらいいな、それが国の中での壁を越えることでもあるし、貧困層の街に住んでる人たちがどういう暮らしをしているか、どういう人たちがいるのか、それをシティの人たちが知るだけでも壁を取っ払うことになるし。だから僕らはできるだけありのままを届けたい、でもそれを届けるにはどれだけ中に入っていけるかが重要だったかなと思います。

——映像全体のニュアンスに悲惨さみたいなものはないじゃないですか。そういう全体のトーンはいつ頃決められました？

山中　それは現地に行く前に不必要に“闇” “暗い” “ダーク”、そういう描き方はしない、さっき北田監督が言ってた通りありのままを撮りたいというのがあったんですね。それって企画をした段階ではちらっとコロンビアの子供達は非行に走るかサッカー選手を目指すかどっちかしかないみたいな極論を現地に行った人たちから聞いていたんですけど、実際さすがにそこまでではないだろうと、でもそういう側面もあるのかなと思いながら行って。日本って先進国って言われてますけど、でも実はもう遅れてるじゃないですか。そんな国にいる僕らがちょっと上から目線で地球の反対側のコロンビアに行ってどや！って撮って、不必要にいらない演出をして暗く撮ってもそれって嘘だし。

北田　環境としては悪い部分もあるんですけど、そこで生活してる人の心の豊かさみたいなのは下手したら日本より豊かで強い。

——確かに。スタジアムでの試合の際に国歌を演奏することをクラスメートに伝えた時のみんなの反応が人間性が素晴らしくて驚きました（笑）。

北田　そうそう（笑）。フアンって男の子にヒーロー像みたいなものを聞いた時も、“自分がいくら辛い思いをしたり金銭的に貧困であったりしても、もっとひどい状況の人は絶対いるからそういう人たちにどれだけ自分の持ってるものをシェアできるか、そういうことをできる人がヒーローだ”と言ってて。13歳の時、俺、そんなこと言えなかったなみたいな。それってやっぱり現実として、変えたい状況があって、変えようとして来た人たちがいるから変わってきたんだけど、その精神性っていうのは日本よりも圧倒的に進んでいて、すごく感銘を受けるというか。

——豊かですよね。

北田　音楽を子供達に教えてる人たちも“知識をシェアしてる”っていう考え方ですよね。この映像でもその部分を伝えられたらいいなと思ってはいるんですけど。

近藤亮介（以下、近藤）　しかも生活の大変さで言うと僕はロケハンに一回行った時に山間に住んでる子供に色々話も聞いたりしてて、シティに降りる、街に行くのが夢だと。で、普通にバスとか使って行くとしたら１時間ぐらいかかる、しかも金銭的にバスに乗ることも難しい人もいるので、その子たちが“街に行くのが夢だ”って話してた時に生活の大変さを実感した部分はありましたね。

——みんな伸びやかで感性や人間性が素晴らしいなと感じたんですけど、率直な感想として居心地はいかがでしたか？

北田　めちゃくちゃ良かったです、もう住みたいぐらい（笑）。

Section 3：クリエイティブ

——そんなに居心地いいんですね（笑）。現地の家族に入り込まないと撮れないような場面が多いのも頷けます。家族や子供たちはどういう観点で選ばれたんですか？

北田　現地のプロダクションにお願いして、彼らが門を叩いて色々お話しして、特に興味がある子だったり。そもそも音楽のレッスンに普通に行ける子にこのプロジェクトに参加してもらってもアレなんで、やりたいけど行けないんだって子、その子たちがどういう風に音楽の力で変わって行くんだろう？っていうーー未知ではありますけど、そういう子供達を4人、ヒーローにフューチャーさせてもらった感じです。

——ラップをしていたフアンはすごい才能ありますね。

北田　フアンはリリックを書き溜めてるけど、それをちゃんと曲にしたことはないって話をしてて。それで書いた内容とか話を聞くとすごいいいというか、それもやっぱ日本人のそれぐらいの歳の子が書いたとしたらこんなこと語らないだろうなってこともあったりして、じゃ今回楽器も手にするし、音楽も習うし一回、一緒に曲にしてみない？みたいなことからあの映像にあるように曲作りが始まったり。

——そういう経緯だったんですね。他にも“ヒーロー”で印象的だったのは？

北田　撮影初期にマークって火事に遭った子は、どんな風だったか説明してくれたんですけど、僕らはスペイン語がわからなかったんで、“じゃ言葉なしで教えるよ”って、身振り手振りでやってくれたんですよ。で、その感じが指揮者みたいな感じに見えてたんですね。全体のストーリーがどうなるかわかんないけど、指揮者のような感じで彼の話で始められたらなと。それで場所を決めて、最初のシーンを撮ったんです。ある意味彼らの才能を目の当たりにして、僕が思ってるーーそれもみんなから影響受けてるけど、シェアできる力を映像にすることができたので、彼らとの“セッション”を楽しんで色々出来上がって行った感じですね。

——ヴェノーヴァの練習だけでなく、フアンのラップなど現地のユースカルチャーが観れたのも興味深いです。

北田　ほぼ予想だにしないことばかりでした（笑）。僕ら「革命軍」と呼んでるんですけど、８人組のヒップホップをベースにしたアーティストグループがいて。僕は子供達にプロのライブだったり演奏だったりっていうものを体感してもらいたいなと思ってたんです。心から憧れるとかすげえ！ってなることって重要だったりするじゃないですか。そういう体験はどこかでできないかな？と思ってた時に、コロンビア全体でも有名な方達がいて、会わせてもらえるっていうんで行ったら、彼ら「革命軍」が、学校で20年間無償で毎日ああやって教えてるんですよ、すごくないですか？

山中　今回の「I’m a HERO Program」を通して音楽の力で変化、成長していく中で、多くの音楽にふれてほしい、音楽を媒介して社会にふれてほしいという想いで、ユースカルチャーにふれてもらっています。

——ビジネスじゃないんですよね。

北田　ビジネスじゃないんです。アートをやってて感じるのは家族みたいな関係で、だから子供達には自分たちが持てる知識をシェアしたいって言うんですね。で、子供達はやりたいと思ったことは勝手に学ぶし、どんどんどんどん成長して行って、アーティストは子供達に教える立場だけど、上とか下とかそんなことはなくて、“アーティストっていうのは誰かに自分を超えてもらいたいと思うべきだ”って言ってて、もう、「カッケー！」って。尊敬するしかないみたいな（笑）。

——作中にミュージック・ビデオ的な映像も出て来てさすがだなと（笑）。

北田　あの曲はコミュニティに住んでるフアンが「高台に住んでる僕から下の街のみんなに捧げる」って曲なんで、ある意味、文化祭的なノリでみんなで作ったミュージックビデオだし、そこには師匠的な地元のスティーヴっていうコミュニティのリーダーで、ラッパーがいて。で、彼が教えながらフアンは教わりながら二人で曲にして行って。

——日本だとなかなかありえないけど、コミュニティのアンセムみたいに感じで。

北田　ああ、そう！　そうですね。

山中　エキストラの子達も団地で声かけて「ちょっと来て来て！」って（笑）。まぁ僕らは「なんだあいつら、アジア人」って見られてるし、でも声かけたら全然仲良くなれるし。で、協力してもらえる？って言って音楽を聴かせたら協力してもらえて。

——日本の住宅街は外に人いないですもんね。

北田　いないですね。ま、ちょっとどのぐらい使えるかわからないですけど、ドローンでマンションの窓を上がってって、下がってを繰り返して、そこでフアンとスティーヴがラップしてる時に、外で過ごしてる女性達のシーンがあるんですけど、それも「こういうの撮りたい」って頼んだら、その場で人んちに聞きに行ってくれて、「ああ、いいよいいよ〜」みたいな感じで（笑）。なんて楽しい撮影なんだっていう。

Section 4：未来

——すごく楽しそうです（笑）。膨大な素材が撮れたと思うんですが、最終的に見た後にどういう感覚が残ればいいなと思われましたか？

山中　企画としては「I’m a HERO Program」は、“楽器を持てばヒーローになれる”っていうキャッチコピーがあるんですけど、要は音楽の力を使って新しいヒーロー像を育てようというのがあって、裏を返せばそれは子供達を音楽の力を使って成長してもらおう、その成長と変化が描けていると感じてもらえるといいんではないかなというのはあります。というのとヤマハのコーポレートスローガンの“感動を・ともに・創る”って言葉がありまして、それが企画している初期段階から最高だなと思っていて。音楽の力を使って社会を前進させようみたいな、要は音楽ができる環境を作って前進させるっていう解釈を僕はしたんです。楽器メーカーだけど、楽器を作って終わりじゃなくて、楽器を渡してそこで生まれるグルーヴみたいなものから感動が生まれて、それを一緒に作らせてもらうのがヤマハです、みたいな。だからこそ今回の映像を通して僕自身が感じて欲しいのは音楽の力、トリガー自体はもちろんヤマハが提供した「I’m a HERO Program」だったり、ヴェノーヴァだったりっていうのがありますけど、そこから音楽にふれていろんな感動が生まれているんだっていうこと。

北田　僕はやっぱ“愛”かなと思いますね。現地はほんとに愛に溢れた場所だったし、愛に溢れた時間だったし、さっきの精神性の話で言っても愛だと思うし、音楽を好きになる愛だったり、街のことを思う市長の愛もあったし、家族の愛もあったし、だから住みたい！と思ったぐらい素敵な場所だったし、素敵な人たちだったなっていうことですね。

——そこに暮らしてる人がどういう人なのかが伝わることが一番重要なのかもしれませんね。

山中　そうですね。拡声器って言ってたのは、企画がシンプルでピュアなのでそのピュアなものをそのまま僕らもピュアな気持ちで向こうの人達とコミュニケーションして、向こうも嘘なく返してくれるので、余計な脚色をせずに現地の様子はこれだというのを拡声器として撮る、作る、届ける。変な風に捉えて欲しくないので注意して作ってるという感じですね。

近藤　自分たちが感じたもの、感動したものを見た人が同じように感じてくれるか、感動してくれるか？っていうところを目指して、そのためには今ある素材をどういう風に編集していくかとか、音楽とか色々な要素があると思うんですけど、それを組み合わせて自分たちが感じたように映像を見た人も感じてくれるようなものが目指してる部分ですね。

——現在、鋭意編集中かと思うんですが、なかなかの長尺なので実際にどういう場所でとかメディアで公開されていくのか現段階でどこまで決まっていますか？

山中　現段階では、一回YouTubeに上げます。僕らの気持ちとしては少し残念な気持ちはあるんです（苦笑）。YouTubeってそういうメディアじゃないので。気軽にインスタントにきゃっきゃできるメディアだと思うので。YouTubeがどうこう言ってるわけじゃないんです。今、今後の話をヤマハさんと協議してるところで、この作品をどういう形でお披露目をすれば世の中の人が振り向いてくれるんだろう？　とか、ウォッチしてくれるんだろうか？　っていうのは最適な場所を探している段階ですね。幸運なことに多くのメディアさんから話を聞かせて！　って言われているのでヤマハさんにとってもメデジンのみんなにとっても最適な場所は引き続き探しています。

——願望で構わないんですけど今後このプログラムがどうなっていけばいいと思いますか？

山中　まずは映像作品を見てもらってどう感じるか色々人それぞれだと思うんですけど、その上で少しでもこの取り組みが広がっていくような、また「ええやん」つって隣の国が勝手に始めたりとかしたらいいですね（笑）。

北田　一過性のキャンペーンみたいなことにしたいわけじゃないので、この活動を加速させるものとして、このムービーがあって、ちゃんとそれが継続されていくっていうことにならないとダメかなと思ってますね。

——みなさんのこれまでのお仕事との違いや今回の制作での発見というとどんな部分でしょう？

近藤　それこそ今まで仕事でやってきた細かさとみたいなところも活かすんですけど、逆に今回の仕事をやったからこそ決めすぎないというか、いつもだったら全部のことを決めて行かなきゃいけないんですけど、ある意味、今回は行ってみないとわかんないってところでの、どれだけ余白を持たせられるか、どれだけ起きたことに対するアクションを起こせるかみたいなことが、すごく勉強になったなと思いますね。

——加えて、どういうことが不幸なのか幸福なのか考え直すきっかけになりそうですね。

山中　そうですね、幸せの定義って何だろうな？って撮影が終わって考えました。すごく感じて自分で見つめ直す期間になりましたね。

北田　日本の幸せの価値観みたいなものも、ちょっとずれてるなと僕は感じたし、そういう風に感じる方もいるかもしれないですね。

INFORMATION

I’m a HERO Program

text by 石角友香

新世代のエンターテイナー・高岩遼の、ソロ名義でのメジャー・デビュー・アルバム『10』が10月17日（水）にリリースされてから1ヵ月ほどが経った。 2008年、18歳のときに故郷である岩手県宮古市で「俺はビッグバンドを率いたアルバムでソロ・デビューする」と宣言してからちょうど10年目に完成した一枚は、じわじわと業界内外で話題を呼んでいる。

そんな中、今回は高岩遼と『10』でプロデューサーを務めたYaffle氏との対談が実現。それまで接点も無かった両者がどのようにして出会い、『10』という新時代のJAZZサウンドを作り上げたのか。『10』の制作秘話を中心に、ふたりの共通点でもあるJAZZ、そして12月12日（水）にビッグバンド編成で臨むリリース記念ライブについてもたっぷり話を聞いた。

インタビューを通して感じたこと。それは高岩遼という男が、絶賛進化の途中ということだ。

Interview：高岩遼×Yaffle

『10』に感じたプロデューサー・Yaffleの必要性

——『10』が発売されて1ヵ月ほど経ちましたが、反響はいかがですか？

高岩遼　あっという間でしたけど、聞こえる反応は良いですね。同業の方から燃えてきている感もあるし、バンド含めずっとワガママやってきて良かったなと。メディアの露出に関しても、元々はD.I.Yで顔を合わした付き合いから繋がっていったので。

——確かに『10』のリリース前後、メディアで高岩遼の姿をたくさん見かけました。一方で僕はYaffleさんと会うのが初めてなのですが、インタビュー前の会話などからも高岩さんとの距離の近さが伺えました。ふたりの出会いのキッカケは？

Yaffle　ええっと……渋谷のルノワール？　下駄履いてティアドロップのグラサンして、“バンカラ”みたいな格好してたとき。すごい人いるなと思った。

高岩遼　去年の6月か。5度見ぐらいしてたよね。

——フフ。それまではお互いどんな印象を持っていたんですか？

Yaffle　一回、EYESCREAMの撮影で近づいてたんだよね？そのとき雨がちだったんだけど、集合写真でSNABAGAUN.のメンバーの方が傘を差してたから後ろの人に被っちゃってて。「閉じてください」ってカメラマンに言われて「あ？」みたいな感じになってて「こえー」と思った。SANABAGAN.はスーツでマフィアみたいな格好してたんだよね。

高岩遼　それ聞いてたの？第一印象悪っ。

Yaffle　悪くはない、恐いなとは思ったけど。最近トガってる人っていないからね。そんな感じで近い存在でもなかったし、最初に会ってからいろいろ音源は聴きました。その上で、もう少し声を出したものを作れればなと思って。だからスタジオで合わせたときの方が印象は良いです。

高岩遼　『10』のディレクターが元々はYaffleと知り合いで、そこから繋げてもらいました。僕もYaffleのことは知らなかったんですけど、やってることを聞いて純粋にスゲーなと思って。リアルとっぽいというか、リアル東京の人はバンドでもサナバの大河ぐらいで、それも大河は町田なので。どういう人なんだろうってすごいインタレスティングだったんです。今まで裕規（＝Yaffle）みたいなやつとは音楽をやってこなかったし、その必要性を『10』には感じて。「何か面白いことになりそうだな」と、僕はルノワールで思いました。

Yaffle　今までプロデューサーを入れたことは無いんだよね？

高岩遼　スロットルでもサナバでも無い。レーベルのプロデューサーとかはいるけど、最終的に俺のジャッジ。これまではD.I.Yで作ってきたから。

——ルノワールの出会いからすぐに制作はスタートしたんですか？

Yaffle　そうですね。「とりあえずやってみましょう」みたいな感じで。ただ僕もまだ彼のキャラクターをあまり知らなかったのもあって、どういう方向性にするかは決まってなかった。もっと最初はエレクトロニック寄りだったかな。

——キャラクターがわかってきて『10』の内容に固まっていったと。

Yaffle　人間の魅力というか……今まであんまりキャラクターと音楽性を一致させるってことを僕としてもしてなかったんですよ。ただ彼の場合は、そういうのをリンクさせた方が面白いなと思った。そういうのを作りながら感じたというか……ああ、あれの日だ。

高岩遼　ん？

Yaffle　あれ。両手に包帯巻いてて。聞いたら居酒屋でジョッキをガッチャーン！ってやったら血だらけになったっていう。

高岩遼　ああ、セッションのときに包帯巻いてたやつ？

Yaffle　それ見てヤベーと思って。俺が求めてるミュージシャン像だなって。

一同　ハハハーーー！

Yaffle　失いかけてるやつと思って。

高岩遼　俺はめっちゃダウナー入ってたけどね。

壁も皮もすべて取っ払って作り上げた、新たな高岩遼

——制作を経て、現時点でYaffleさんは高岩遼をどう見てますか？

Yaffle　うーん……どう見えてるかをめちゃくちゃ意識してる人。自然の俺を見てくれっていうよりは、“こう見せたい”っていう像が先にあって、それを他人に見せたい、共有したいっていうタイプなのかなと。それは『10』でも前面に出そうと思いました。僕自身、元々はあんまりそういうことはやってなかったし、中からでてくるものが芸術みたいなところがあったんですが、その辺りの兼ね合いを図るのが今回の課題というか目標でしたね。

高岩遼　まあそのフシはありますね。

——Yaffleさんからは、こうやってわりとズバズバと意見は言われてたんですか？

高岩遼　そうですね、オブラートに包まず。それが僕はすごい嬉しかったんですよ。逆にそういう人はあんまいないですからね。だから最初の印象は、「こいつズバズバ言ってくるな」だった。本人はそんなつまりじゃないと思うんですけど。

Yaffle　そんな言ったっけ？

高岩遼　うん、でもそれがいい。だから今回、裕規（Yaffle）が言うことで学んだことはたくさんありました。単純に「最近はこんな音楽が流行ってる」とか、「この音はこういう風に作ってるんだよ」とかも。僕は知らないことを知るのが大好きなので、裕規との作業はすごい楽しかったし、次に繋がるものだった。高岩の幅が広がったなと思います。

——そういう意味でも『10』はYaffleさん無しでは成立しなかった。

高岩遼　はい。それに他のプロデューサーが高岩遼のアルバムを作ろうと思ったら、例えば「シナトラの往年のこういう曲で、日本でこういうニーズがあるから、こういう層を狙っていこう」ってなってるかもしれない。でも裕規の場合、「それはダサイから離れたい」がスタートになる。でも俺は「少なからずその要素はファンも求めてるから入れたい」って言う話もして、意見のキャッチボールをした。今回、トラックはすべて裕規が作ってきたものを聴いて、「なるほど。スゲーな」と思いながら仮歌を入れて、セッションして……を繰り返した。出てくるものすべてが新しくて、しかもこれが自分の音源になると思うとワクワクしましたね。

Yaffle　僕としては、いい意味で放任してくれた。モヤモヤの段階で話はしっかりしてスタートするので、制作段階で違うってことは無かったですね。まあ歌詞の世界観とかはけっこう話したけど。けっこう道化っぽい歌詞を書くじゃない。あれってどういうバックボーンなの？

高岩遼　やっぱ冒頭で話した理想がっていうのがデカいんじゃない？

Yaffle　これまでは少し茶化してるというか、ガチガチに固めた歌詞は書かなかったじゃん？

高岩遼　元々かも。ストレートじゃないというか……だから自分を語ったのは『10』が初。

Yaffle　最初に歌詞のたたき台みたいのがあって、それを読んだときにまだ何か皮を被ってる気がして。僕はもっとレイヤーの深いところに入っている歌詞を聴きたかった。なので『10』は、歌詞の面でも彼の中でけっこう大きい転換だったと思う。

高岩遼　その通り。それをやるときが来たなと。

ビッグバンド編成で挑む12/12渋谷クアトロ

——Yaffleさんは大学時代にビッグバンドのアレンジなどをしていたと聞きました。その辺りは高岩さんも話が通じる部分は多かったんじゃないですか？

高岩遼　アルバム自体、最初はどうするか構想もまったく無くて、ただビッグバンドでやるってことだけは決めてたんですよ。

Yaffle　そうだったんだ。自分の中で何かあったのかなと思って。ジャズ・スタンダード・カバーとかでも無くて？

高岩遼　それだとただのパクリだなと思って。やるとしても“STRANGERS IN THE NIGHT”とか意味のあるやつ。ただ「オリジナルって何なんだ？」って言われるとわかんないっていう……そこでちょっと悩んだりもして。それでも「いやこっからっしょ」って感じで振り絞った先に何かがあると思って作ったのが『10』になって良かった。自分の人生を吐露するというか、マヨネーズの最後、下に溜まったやつをめっちゃ振ってピュッと出しましたね。

Yaffle　庶民的な例えで良いと思う。

——Yaffleさんが一緒に振ってくれたんじゃないですか？

高岩遼　そうっすね。最後のうーん！ってやってくれたのが裕規かも。

Yaffle　ハサミで切っちゃうかな。

高岩遼　そのやり方あったかみたいな。

——Yaffleさんらしいですね。少し話は戻って高岩さんとJAZZとの関わり合いはけっこう語られていると思うのですが、YaffleさんのJAZZとの出会いは？

Yaffle　初めは母親が持っていたJAZZのコンピを聴いたのですかね。そこから高校でも作曲とかしていて、大学でもギル・エヴァンスのサークルに入ってビッグバンドをして……ただ別にJAZZの道に進むつもりもなくて。そこから卒業前後はバンドとか、ジャズとか、ロックとかばっかり聴いてたんですけど、大学出て下界に下りてみたら、ハウス・ブームになってた。そこらを掘りつつシフトしていって、ロバート・グラスパーの『ブラック・レディオ』とかがあったおかげでヒップホップも聴きつつ……。彼と同じで、いろいろなところをフラフラしてたんですよ。だから今回ちょうどよかった。打って付けの案件というか、キャリア全部活かせると思いました。

——Yaffleさんにとっても『10』は今までにない案件だったんですね。お互いやっていて楽しかったんじゃないですか？

高岩遼　楽しかったですよ。まああとはアレンジャーが２人いるアルバムで、千葉はスタンダードの味の濃いJAZZを現代っぽくやるっていうので、方向性が全然違う。そこをどう最初から最後までリンクさせてやるかっていうのを裕規は考えてた。俺もどうしようかなってなってて、最後の最後の思いついたのが間に入ってるMCですね。

Yaffle　道玄坂を歩いてるときに思いついたんですよね。Spotifyでシナトラのサンズ聴いてて、「この人、MCのときめっちゃ陽気だな〜」っていうのがきっかけ。まあskitとかinterludeとかって自分語りが多いですけど、人に向かって話してるのはあまりないなと思って。そこからエンターテインメントとして語りというか、そういうのをやってみたらハマった。高岩遼というキャラクターで、曲と曲の間を“接着”してもらいました。

——アルバム一枚を通して、高岩遼のショウのようだなとも感じました。12月12日には渋谷クラブクアトロで『10』のリリース記念ライブが控えています。準備は順調ですか？

高岩遼　この間ちょうど曲順について話しましたよ。まず『10』の流れは気にしないでいいんじゃないかと。繋がりとかを別に作るかもしれませんが、まあ結果的にいい曲順になりましたよ。

Yaffle　いやー……ライブ絶対に大変ですよ。ビッグバンド編成でどう落とし込もうかっていう。せっかくライブハウスですし、ただ変に野暮ったくもしたくないなと。

高岩遼　まあアンコールでも面白いこともやる予定です。まああとビッグバンドなので、スケジュールを合わせるのがまず大変ですね。ギターとかもし入れると20人弱……。

Yaffle　ギター入れなくても20人弱だね。入るの？

高岩遼　制作チームに検証してもらった。ギリギリ入るけど、俺、畳一畳分ぐらいしかなかった。

——畳一畳の広さで高岩遼がどれだけ魅せられるかは注目ですね。改めて今回『10』をリリースして、Yaffleさんとの制作も経験し、新たに得たものは何だったでしょうか？

高岩遼　音楽の幅は広がりました。自分の張ってる部分だけじゃなくて、例えばギアを戻さないとエンストするじゃないですか？ずっと今は4、5ぐらいで走ってたので、それを一回エンジンブレーキをかけながら、信号までゆっくりポンピングブレーキで止まると。そして全部ニュートラルに戻して……っていう作業を覚えましたね。これってすごい高岩の中で大事で。「アイドリングしてる音だけでもいいよね」みたいな……バイクの表現っていうのがナンセンスですけど。

一同　ハハハハハ！

高岩遼　それを裕規が教えてくれたし、『10』ができるまでの468日間で学ばさせてもらったっすね。

interview＆text by ラスカル（NaNo.works）

Photo by 横山マサト

高岩遼ソロアルバムリリースパーティ“10”

2018.12.12（水） OPEN 18:15 ／ START 19:00 渋谷CLUB QUATTRO ADV ¥4,000（1ドリンク代別）

チケット一般発売中主催：VINTAGE ROCK std. 企画／制作：高岩遼、UNIVERSAL MUSIC JAPAN ／ Bauxite Music wy. ／ VINTAGE ROCK std. お問い合わせ：VINTAGE ROCK std.

詳細はこちら

高岩遼

オフィシャルサイト／ Twitter ／ Instagram ／【コラム】高岩遼のよろしくHOLIDAY

Yaffle

オフィシャルサイト／ Twitter ／ Tokyo Recordings

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＜FREE[ER] WEEKEND PREMIUM LIVE SHOWCASE＞

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Azumi presents Love Lounge

「どうしようもなく痛んでしまうが、心地良い痛み」（橋本愛）

「等身大の寂しさが出せた」（渡辺大知）

「“何者でもない”ことを自覚することが大事」（橋本愛）

「退屈だということを忘れさせるのではなく、向き合わせてくれる」（渡辺大知）

映画『ここは退屈迎えに来て』

10月19日（金） 全国公開

PROFILE

Interview：アン・マリー

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アン・マリー × あいつ

INTERSECTIONメンバーが語る4人の知られざる素顔

Interview：INTERSECTION

橋爪ミカ（ミカ）

モリアティー慶怜（ケーレン）

ミッチェル和馬（カズマ）

青山ウィリアム（ウィリアム）

INTERSECTIONのスタイルを確立させた、四者四様の音楽テイスト

INTERSECTIONが語る連続リリースの展望と、多様化が進む音楽シーン

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『Falling』

『Body Language』

Interview：成田ハネダ（パスピエ）×Ryohu（KANDYTOWN）

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『マテリアルクラブ』

Interview：TeddyLoid×SALU

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『SILENT PLANET: RELOADED』

『SILENT PLANET: INFINITY』

Yo La Tengo - There’s a Riot Going On

Interview：アイラ・カプラン（ヨ・ラ・テンゴ）

『There’s a Riot Going On』

11月17日(土)公開『いろとりどりの親子』予告編

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楽器を持てば、ヒーローになる

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北田真一

近藤亮介

10月19日（金）全国公開

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