世界中に驚きと刺激を与え続けてきた「攻殻機動隊」シリーズ待望の最新作『攻殻機動隊 SAC_2045』が、この春Netflixで全世界独占配信スタートした。 今作は『攻殻機動隊S.A.C.』シリーズの神山健治と、『APPLESEED』シリーズの荒牧伸志によるダブル監督で手掛けられ、Production I.GとSOLA DIGITAL ARTSによる共同制作スタイルで「攻殻」史上初となるフル3DCGアニメーションの作品となっている。 「攻殻機動隊」シリーズの近未来的な世界観が現実世界の技術発達により近づいてきたのではないかと錯覚するシーンも多かった。今回、『攻殻機動隊 SAC_2045』の配信開始に合わせてKDDIがスタートした『au 5G × 攻殻機動隊 SAC_2045 "UNLIMITED REALITY"』はARやVRなど最新の技術を使ったテクノロジーコンテンツで溢れ、まさに攻殻機動隊の世界観を思わせる充実した内容だった。au 5Gが普及すれば、さらに拡張された世界が日本中で体感できるようになるはずだ。 この度、Qeticでは『「攻殻機動隊 SAC_2045」から見るこれからの未来』というテーマでコラムを展開する。本作を鑑賞した方も未見という方も、攻殻機動隊の世界観と現実とを比較しながら、これからの未来の形を思い描いてみてほしい。

2002年に『攻殻機動隊 S.A.C.』シリーズが世に放たれてから18年、『2nd GIG』から数えれば16年が経過した今年は2020年。あの当時では「理解」するのに精一杯だった背景や技術も、今では日常に浸透しつつあり、絵空事として受け取るしかなかった思想が自然と読み取れるようになっている。 折しもコロナウィルス禍による緊急事態宣言の対象地域が全国に拡大して1週間が経過した4月23日（木）からNetflixで配信された『攻殻機動隊 SAC_2045』は、不安を抱える生活者の前に今までの世界観に対しての納得感と、これからの希望を携えて凱旋とばかりに我々の前に現れた。 きっと、すでにゴールデンウィークもといSTAY HOME週間に視聴した方も多いのではないだろうか。 今作の舞台である2045年は、世界規模の経済災害「全世界同時デフォルト」が発生した事で、貨幣や電子マネーの価値は暴落し、銀行預金も大きく目減りしてしまっている社会だ。 そんな不安定な社会情勢のため、世界は“計画的かつ持続可能な戦争”つまり、ビジネスとしての戦争が各国で勃発している（通称「サスティナブル・ウォー」）。 そんなポスト・アポカリプス感あふれる世界で、草薙素子少佐やバトーたちおなじみの元公安9課の面々がアメリカ西海岸で傭兵部隊「GHOST」として無法者を鎮圧しているところから物語は始まる。

おなじみのタチコマに光学迷彩など、3Dアニメーションを活かしたアクションが惜しげもなく展開されると、「ああ、彼らは彼らなりに過ごしていたんだな、おかえり！」と感じられるだろう。 しかしそう思ったのも束の間、「GHOST」の皆さんはNSA（アメリカ国家安全保障局）の手によって半ば拉致され、強制的に秘密の任務を課されてしまう。ヒリつくような空気感も健在だ。 現在配信されているシーズン1は大きく2部に分かれている。 前半部分はトグサがいない「GHOST」が任務にあたっている中、当のトグサはかつての公安9課長の荒巻から9課再建のため少佐を追跡するよう命じられ、新人類「ポスト・ヒューマン」をめぐる事件に到るまでの導入部分。いわばチュートリアルだ。攻殻機動隊シリーズを未履修の人でも安心して物語世界に入っていけるはずだ。 そして後半は「ポスト・ヒューマン」に迫っていく本編として、SAC_2045の物語が本格的に始まっていく。そう、求めていた「攻殻機動隊」そのものだ。 本作はシリーズ初の3DCGアニメーションになる。 少佐たちのCGモデルに対して、トレーラーやニュースなどで発表された直後はファンから不安まじりの期待を集めていたのは確かだ。しかし一旦視聴してみると、どうしても情報量が多くなってしまう「攻殻」を3DCGで作るにあたり、ちょうど良い塩梅であることがわかるだろう。ちょっと若いかもと感じる新しい少佐のデザインも、新時代の少佐として魅力的だから安心して見て欲しい。

『攻殻』と言えば、電脳化された人間がネットワークを介したコミュニケーションを行う演出が見所であるが、VRもARもMRも身近になった現在では、さほど驚きを感じなくなっている。 一昔前ならテレパシーのように思えた電脳ネットワークの会話も、今では手が届きそうな技術になっている。 紙の書類にオーバーレイされる顔写真のようなAR技術も、ゲーム画面のHUDのようなインターフェースも、VRの世界ではすでに当たり前のように実現している。

本作で扱われている社会問題も仮想通貨詐欺や移民問題、そしてネット炎上など、現実世界でも馴染みの深いものが多い。 そういった意味では、あまり「新しさ」を感じない『攻殻』であることは間違いない。しかしその目新しさを感じない問題提起こそが、時代が追いついた感が今作の魅力ではないだろうか。 つまり、本作『攻殻機動隊 SAC_2045』は、今まで『攻殻』が提示してきた未来に対しての答え合わせのような作品である。 まもなく手が届く「未来」を前に、これからの社会をどう生きていくのかを示す基準点になり得る力を持っていると言える。

ワークフロムホームの掛け声で、テレワークが急速に進んだ今、様々な業種のビジネスパーソンがビデオ会議や大容量のデータ通信を当たり前のように使うようになった。まるで9課の面々のように。 そこで重要となるのがネットワーク、つまり回線だ。 今日のブロードバンドや4GLTEなどの回線では少し大きなデータをやりとりするには少なくない時間が必要となるし、ネット上で何らかの行動を行う際は、大なり小なりラグが生じる。 会議レベルのビデオチャットなら実現できていても、流石に『攻殻』みたいなVR／ARデータのやりとりをストレスなく行うためには……とか、ほとんど自律して飛行しているドローンを操縦するくらいならワイヤレスでできても、タチコマを遠隔で操縦するのは……と考えていくと、どうしたって通信という壁が立ちはだかってくるのが現実だ。 でも、もしかしたら今年2020年3月からサービスが開始された5Gならこんな未来に連れて行ってくれるのではないかと思うのだ。 5Gは、4GLTEよりも格段に通信速度が向上し、今までは物理的なメディアや有線での配線を介さないと難しかった大容量のデータのやり取りも高速に行えるようになるという。
ブルーレイのような4K動画などのUHD映像のデータや、VRデータも長時間待たずとも、すぐに楽しめるという。 これくらいの速度が使えるのであれば、今作初登場キャラである江崎プリンが捜査の過程で事件現場のVR空間を現場検証するシーンで使うような、リアルタイムで3D空間を共有するような用途でも実現できるんじゃないかと思えてくる。 屋内でも、屋外でも、ネットワーク上のデータをスピーディーに扱えるようになるのは、きっと馬車から自動車に進化したようなブレイクスルーを起こしてくれるのではないだろうか。

とは言え、まだまだ『攻殻』の世界には程遠い現代テクノロジーにおいて、あの感覚を味わえるコンテンツがたくさん用意されているのでどうか試してみて欲しいところである。 実際に、「au 5G × 攻殻機動隊 SAC_2045 "UNLIMITED REALITY"」の「タチコマ AR」やVRコンテンツである「渋谷複合現実化ミッション」は、これぞ「攻殻機動隊の世界！」と興奮できるのでぜひお家で試してみて欲しい。 可愛いタチコマが声付きでケータイに登場してくれるのは自分が9課に入ったみたいで面白いし、スマートフォンを持っていれば気軽に試せるのでおすすめだ。 またVRヘッドセットやスマホVRゴーグルを持っていれば、少佐とバトーが敵アンドロイドとバトルする臨場感たっぷりな体験が味わえる。近くに寄るバトーはかなりの威圧感でグッとくること間違いなしだ。そして渋谷のスクランブルスクエアの展望台から臨むスクランブル交差点に煌くARネオンは必見だ。本編を視聴していれば、敵アンドロイドのモーションにもニヤリとできるだろう。 世界を覆うコロナ禍で、バベルの塔の崩壊よろしく人々の繋がりが断絶しかかっている。ソーシャルディスタンスを心がけることで、職場の同僚や友人とも隔たりが生まれてしまっている今、5Gによってもたらされる新しい電脳世界が隔たりを埋めてくれるような予感がする。 新しい「攻殻機動隊」とau 5Gが示してくれる未来はまだ始まったばかりだ。それらに期待しつつ、家で過ごすとしよう。

今回のプレイリストのテーマは「Beautiful Morning」です。コロナウイルスの影響で、世界中の多くの人が様々な不安を抱えながら生活していると思います。人間は多面性を持つ生き物で、不安な気持ちに支配されると“見える世界まで暗く”なってしまう。僕自身そういう時に思考性がネガティブになりがちです。 そんなとき僕は、心のチューニング方法として朝一番に美しい音楽を聴くようにしてます。スローで心地の良いグルーヴに、透明感のある歌声や綺麗なメロディの楽曲が、その空間に流れる時間を穏やかにしてくれるから。先の見えない不安な時代だからこそ、1日の始まりにポジティブな感情のスイッチが入るような、そんなプレイリストをつくりました。

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━━CMに向けた書き下ろし自体、Reiさんにとっては初めての体験だったと思うのですが、楽曲作りの準備はいつ頃からされていたんですか？ 昨年の12月初旬くらいですね。CMのイメージやキャッチコピーがすでに用意されていたので、それらのイメージをベースにして作り始めました。 ━━そうだったんですね。歌詞も曲調も、今までのReiさんの楽曲と比べ鋭い印象を受けました。すごくCMのビジュアルとマッチしているなと。 ビジュアル自体がソリッドで、強くて、かっこよくて……というイメージだったので、その雰囲気は意識しました。特に今回の映像はモデルの目が印象的ですよね。楽曲も、挑戦的なまなざしを彷彿とさせるような曲がいいなと思ったんです。 ━━でも、すでに用意されたビジュアルに沿った楽曲を作るのは大変だったのでは？ むしろ自分に適した作り方だったんじゃないかな、と思ってます。というのも、普段から視覚的な要素を音楽に置き換えながら、発想を得ることが多くて。楽曲作りのアプローチは毎回変えるものの、最初の種になるのは1つの視覚的なモチーフなんです。 実は普段から絵を観るのは好きで。グラフィックデザインや、タイポグラフィも好き。

━━好きなアーティストや、影響を受けた作家は？ 自動車が好きなのもあって、車のデザインを手がけている人の作品は特に好きですね。ジョルジェット・ジウジアーロとか。シェルとかシトロエンの広告デザインを手がけたカール・ゲルシュトナーも好き。 モノが「必要に迫られてそういう形になっている」ということにすごく魅力を感じます。楽器や車のデザインも、実用的じゃないですか。必然的にそういうラインやフォルムになっていることが素敵だと思う。フェルメールのような西洋画の雰囲気も好きですけどね。 ━━視覚的な情報が楽曲制作に昇華される時に、Reiさんの脳内でどういった思考回路が働くのかが気になります。 視覚的な情報から、言葉や音に形容されていない、輪郭みたいなものがまず頭の中に浮かぶんです。そこから「曲線的なフレーズをここに入れ込もう」というイメージが具体的に浮かんでいく感じ。「2番までは平面的なサウンド作りにして、そこから急に３Dメガネをかけて立体的になるようなサウンドにしよう」とか。 ━━じゃあ、その平面的・立体的といったイメージを、フレーズに落とし込む時、参考にするものは？ 自分の中のリファレンスですね。イメージを具現化するために、カントリーやブルーズの要素を、引き出しの中から探していく感じ。「あの人がプレイするこういうビートをもってこよう」「あの人の形容詞の使い方を歌詞に使ってみよう」とか。たくさんのリファレンスをつなぎ合わせて、自分の頭の中にある抽象的イメージを可視化していってます。

━━実は、今回の”What Do You Want?"も然り、Reiさんが歌詞を生み出す際の考え方や、言葉の選び方が気になっていました。英語と日本語をバランスよくミックスし、歌詞を構築していますよね。バランスの取り方に面白さを感じます。 言葉を使うとき、「意味」と「響き」という２つの側面から表現を選んでいて。バランスを取りながら、日本語と英語をブレンドしていく感じで書いてます。楽曲にもよるんですけど、英語で全部書いてから、日本語にする箇所を決めることの方が多いです。今回もそうでした。英語で全部書いて、そこから日本語にしたい場所を選んで。 ━━なるほど。例えば、今回の日本語歌詞の中だと《挑戦は快感》という言葉にインパクトを感じましたが。 《挑戦は快感》はすごく自然に出てきたフレーズなので、自分の軸になる考え方の1つなのかなと思います。人間ってユルく生きていても、60%～70%の幸せは保つことができると思うんです。でも120%〜200%の幸せを手に入れるためには、ある程度のプロセスが必要。 挑戦することはカロリーも使うけど、120%〜200%の幸せを手に入れることができると思って生きてます。達成した時の気持ちよさを生きがいにしてる。 ━━そもそも異なる文化圏の言語をバランスよくミックスして使うこと自体、すごくカロリーを消費することですよね。そこにあえて挑戦するところに、言葉へのこだわりを強く感じました。 英語と日本語、相対するものが混じり合う瞬間があるんです。自分の中では「乳化」と呼んでいるんですけど、上手く混ざり合った時に、作品としての強さが出ると思っていて。自分の中では日本語と英語ってそういうもの。 ━━相互作用を生み出すために、言葉をミックスさせて使っているんですね。 逆に混ざらない時もあります。混ざらないまま一方的に世に出すこともあれば、どちらかの言語で全部書いてしまうということもある。「どちらかに統一する方が意味も伝わりやすいでしょ」って思う人もいるだろうけど、局所的に日本語の強い言葉を差し込むことで、印象が強まることがあるんですよね。 ━━日本語で浮き出されたフレーズに強さがあるからこそ、”What Do You Want?”というタイトルからは、アグレッシブなニュアンスを感じます。 まさにそう！ このタイトルは英語だと挑発的な意味を持っているんです。直訳すると「何が欲しい？」ですけど、表現の中に「で、どうしたいの？」みたいなニュアンスも入ってる。 ━━そこまで強い言葉で煽りたい相手《YOU（君）》とは、いったい何者なんでしょう。特定の存在を意識して、歌詞を作っている印象を受けます。 ティーン・エイジャーだった頃の自分ですね。昔の自分を煽る感じに近いです。 当時は学校で過ごす時間を不毛だと思っていたけれど、自分を作り上げた時間でもあった。「苦しいだろうけど、どこかに辿り着くための時間だよ」ってことに気づいてほしいんです。ひとつの欲望に向かって真っすぐ進んでいる人のまなざしは強くてかっこいいですよね。「このまま貫いていくべきだよ」って、過去の自分に戻って言えるなら言いたい。

━━そこまでReiさんが言葉に執着する理由はなぜでしょう？ 言葉に意味が付随することへの恐怖感が強いんです。音楽や絵画や香りは意味が付随しなくて、より本能的なもの。それがズレていることに対しては答え合わせをする必要がないと思っています。言葉とかに疲れてしまうときは、音楽があって良かったなと思う。 ━━言葉への恐怖は、いつから感じていました？ 幼少期から日本語と英語という2つの言語の狭間で「自分が人とコミュニケーションが取れていない」と感じることはたくさんありました。ただ、音楽のセッションをすることで、人とコミュニケーションをとれている感覚を初めて抱いた記憶があります。逆に言葉だと通じ合えていない感じがしていたので……。それは今現在でも感じてるかも。 ━━ええっ、そうなんですか？ いつも自分は勘違いされていると思って生きていて……（笑）。相手の思うオレンジと、私の思うオレンジは微妙に違う、という前提で人と話しています。 ただ、その前提で話し始めると混乱してしまって。特に、感覚共有が十分できていない状態だとすごく不安になってくるんですよね。「通じ合えてないのでは」という不安からコミュニケーションをとること自体が億劫になる日常です。 ━━でも、音楽を介するとコミュニケーションの疎通ができていると感じるんですね。 「コミュニケーションができている」というより、相手とのズレすら楽しむことができる自分がいるんです。同じだった時も嬉しいし、ズレていても嬉しい。 ━━その「言葉」を介する時と「音」を介する時に生まれる、許容範囲の差はなんだと思いますか？ 技術的なものが伴っていなくても表現でき、高尚なものが成り立つのが、言語のコミュニケーションとの差異ですね。原始人が太鼓を叩きながら踊っているところに、スティービー・ワンダー（Stevie Wonder）が参加しても多分成り立つんです（笑）。技術や知識が追いついてなくてもやり取りが成立できる、というのは平等でいいなと思います。

━━まさに今回のミュージック・ビデオも、プリミティブな映像ですよね。ギター１本と生身の体だけで戦っているような感じ。しかも撮影はワンカット。動きや構成はどれくらい厳密に決めていたんですか？ 通過する地点だけ事前にざっくりと決めてました。コレオグラフィーは自分の中で考えていたものがあったので、本番にチャレンジしてみました。階段のオブジェに滑り台を作ってもらったんですけど、そこから降りるときに膝を怪我して（笑）。アドレナリンが出ると大体のことはできる。すごく楽しかったです。 ━━Reiさんがステージでパフォーマンスする時の状態に近いのかな、とも思いました。 パフォーマンスしているときに入るスイッチがあって、撮影時はそれが自然と入りましたね。今回のミュージック・ビデオはステージキャラに近いと思います。 ━━「ステージキャラ」っていうのは、ある種の役者的な立ち回りをしてるっていうことですか？ いえ、お芝居みたいに繊細に作っているものではないです。見世物として守るべきマナーのようなものかも。例えば「照れや恥らいは一回捨ててやりきること」とか。パフォーマンスは一発ギャグと同じ。照れていたらウケないし、オチの前に笑いだしたりしちゃうとギャグが面白くならない。 ━━そういった「見世物のマナー」はどうやって身についたんですか？ 幼いころからステージに立っていた経験もあるけど、それ以上に海外フェスで得たことが大きいと思います。アーティストのアクションやMC、セットリストの運び方などにエンターテインメント性を感じました。音楽のライブというより、ショーを観る印象を受けたんです。ただ練習してきたものを披露する場ではなく、オーディエンスを楽しませることも意識するようになりました。

━━お話を聞いていて「相手がどう受け取るか」ということに対する感度が高いな、と感じました。 昔からどう思われるか気にしすぎて、苦しむタイプではありました。今もファッションやSNSの言動、セレクトしている楽器など、いろんな部分で自分の個性をだせるようにはしています。今の時代、音楽だけじゃなく、様々な側面から愛してもらわないといけない時代かな、と思っていて。 ━━しかもReiさんは毎回シーズンごとに、ビジュアルの印象も変わっていきますよね。ちなみにファッションにはどういったこだわりが？ 必ずヒールは履いています。理由はみんなと同じで、身長とスタイルが気になるから。ファッションに詳しくはないけど、絵を描くのと同じ感覚で、色と柄とシルエットのバランスを見ながらコーディネートしています。 ━━前作のモフモフなファッションとのギャップがすごいなと思いました（笑）。ただ、どんどん新しい一面を見せてくれるReiさんだからこそ、そこで生まれる個性のブレと折り合いをつけるのが難しそうだな、とも思いました。 実は個性は自分に根付いていて、生涯ついて回るものだと諦めているところもあるんです。この肌だし、この骨だし、この顔だし。育ってきた環境や過去は変わらない。逃れられないアイデンティティがあるからこそ「変わろうとしても変われないんだ」という安心感はあります。だからいろんなことに挑戦できるのかも。 ━━そこで「アイデンティティから逃れたい」とは思わないですか？ むしろ利用するしかない、と思っていたくらい。10代でブルーズをやっていて、ギターが弾けて、帰国子女で、女の子で、童顔で……と、色んな肩書にまみれてきた。基本は「色モノ」としてみられてきたからこそ、の考えだと思います。今はどの要素も当たり前で「色モノ」にはならないですけどね。 ━━じゃあ、その「色モノ」というレッテルが剥がれた今、自身の「変わろうとしても変われない」、アーティストとしての個性は何だと思いますか？ エゴがすごくて、自己中なところ。最近までは、受け取り手を意識しすぎていたところがありました。でも、自分の好きな表現や、好きな人の作品を改めて振り返ると、自己中な人に憧れる傾向があるんですよね。 そういったエゴの強い人を見て「自分もああいう風に身勝手に生きられたらいいよな」と羨むよりも、「もう少しエゴを認めて、自分勝手に表現してもいいかも」と感じるようになってきた。考え方が変わってきているところです。

━━今作のタイトル”What Do You Want?”に絡める訳ではないですが……このコロナの一連の事態が収束したら、まずは何をしたいですか？ ライブしたい！ お客さんと騒ぎたいのもあるけど、好きなミュージシャンと一緒にステージで演奏したいです。ステージの上で一緒に演奏している感覚が尊くて、恋しい。 受け取ってもらう人を楽しませたいという気持ちも強くなったので、どこまで自分がやりたいことだけをやるかは難しいですけど。ライブができない状況になって「自分は受け取る人がいるから成り立っているんだ」と気づかされました。 ━━では、もし受け手のことを考えずにエゴを突っ走らせることができるとするなら、自分がやりたいこと、新たに挑戦したいことはなんですか？ 五感を最大限に利用したイベントをやりたいなと思います。遠隔でしかできない音楽の楽しみ方を探ることはできたけれど、その一方でライブであることの価値が高まったと思う。対面だからこそできるようなライブの形式を探っていきたいなと思います。 ━━確かに。この取材も本当はZoomじゃなくて対面でやりたかったです……。でもお話を聞いていると、この自粛要請期間中、人と一緒に何かを体験することから一時的に離れてしまったことは、Reiさんの次の楽曲にも影響を与えそうな気がしてます。 そうですね……。次はすごくパーソナルなものを作りたいです。自叙伝的なことを書くわけではなく、質感的にパーソナルなもの。隣で人の息遣いが聞こえるような、生々しい言葉やサウンドを作りたいです。 ここ最近、自分が聴いているものがそういうものばかりなんです。汚くても、暗くても、明るくてもいい。近くにある感じ、傍にいてくれると思う曲を、「君」っていう一人に届けるために作るのかなと思います。玉置浩二さんの作品で、亡くなった猫に宛てた『プレゼント』というアルバムがあって。そういう強さやリアリティを感じる作品にしたいです。

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━━noteに書かれた内容を読んで、感銘を受けました。動機はすごくよく分かっているつもりでいますが、どんな覚悟で寄付を決めたのか振り返ってお聞かせください。 ドネーションの前に、『origami Home Sessions』を立ち上げました。6人の所属アーティスト楽曲のデータを無償で公開し、それを使ってミュージシャンが楽曲を販売するというプロジェクトです。 そこから始まったんですが、あの頃はとにかくライブができないということだけが世の中に広まった時期ですよね。例えば他の業種は問題なく営業していて、ソーシャルディスタンスの指示もなく混み合っていた。でも、ライブハウスはクラスターが発生したので、とにかくどこよりも先に営業できなくなってしまったんですね。 音楽関係者って昔から悪の対象にされがちなので、慣れっこではあったんですけど、ライブがなくなるとお金が回らない。収入がゼロになってしまう。おそらく、ライブハウスとかが日本で一番自粛が長いと思うんですよ。うちのようにレコ―ディングも大きな収入源になっている人はマネタイズの方法がありますが、サポートミュージシャンがいないと僕らはライブも何もできない。彼らがアウトになってしまうと、僕らもアウトになってしまう。覚悟というよりはもう運命共同体みたいな状況なので、僕らだけ助かるという選択肢はない、とにかく動かなきゃという感じでした。

━━それで私財を投じられたわけですけど、反響はどうでしたか？ 良かったのが久しぶりに話す人たちの、安否確認というか、近況を話し合うきっかけになった。ほとんどの人がSNSを通して、僕の活動をすでに知ってくれていて。「もちろん見ているよ」という感じで、すぐに話が発展していったり、しばらく会ってない人に例えば子供が生まれていたり、逆にねぎらってもらった。お金の面で助けている実感はありますけど、それ以上に繋がりの再確認に僕が勇気づけられました。 ━━ドネーションが始まって1か月ほど経ちました。社会をめぐる状況もかなり変化してきていると思うんですが、一か月を振り返っていただくとしたら？ 最初ははっきりとした情報がないので、とにかく音楽業界が的にされているというような感覚がありましたね。命を優先するために自粛しているのに、保証を求めると叩く人もいて。別に悪い事をしているわけじゃないのに、なんでこうなるんだろう、と。でもそのうち強烈に応援してくれている人も出てきて、敵ばかりじゃなく、2つに分かれるんだなと思った。 例えば宇多田ヒカルさんがあれだけ売れたって、人口分の1億何千万枚とかCDが売れたわけではないし、人口の1％くらいの人が買ってくれたら100万枚。もう大ヒットなわけです。だから、僕があまり好きではないものがあるように、音楽が好きではない人がいる、それがお互いに共存していけばいいんだな、と。それが一番平和で建設的なのかなと最近は感じます。 ━━なるほど、よく分かります。 もう1つは、声を上げることで、国の動きだったり、世の中の雰囲気というのは変わっていくんだな、というのも感じました。音楽をやっている人は自分の意思をもっています。特にラッパーなんて主張もすごく強いので、世俗のなかでもどちらかというと意思の強い人間が集まっている。そうすると「音楽業界ばかり声を上げやがって」みたいな雰囲気になる。でも、それを気にせずに声を上げてもいいと思うんです。苦しいときは苦しい、助けて欲しいときは助けてって言っていいんじゃないかって思う。そういう社会って海外に目を向ければ全然あるんですけど、日本だと「欲しがりません」みたいな戦時中の精神になりがち。なので、そこを越えて行くと社会って動くんだな、と思いました。 ━━持続化給付金が発表されて、音楽家やクリエイターも申請可能になって、1ヶ月かかるのはスピードとしては遅いけど、まあよかったという感じでしょうか？ 本心を言ってしまうと、スピードはすごく大事なので、そこは課題として残ってしまうのかなとは思います。例えばすごく嬉しいことがあったら、すぐに親や彼女に言うじゃないですか？　嬉しいことや気持ちがあるものってスピードに直結する気がして。いろんな声があるからバランスを取りながら決めているのは分かるんですけど、スピード感は安心に繋がるということを、やはり他の国を見ていて思います。そこで信用を得てからの要求、要請だと思うんですね。 結果として10万円とマスク2枚を出すんだとしたら、まずは10万円を出してから、マスクも出せばいいのに。それって同じことじゃないですか。それにこんなに時間がかかるってのは、やはりハンコ文化とか、イニシアチブを誰が取っているのか分からないとかっていう大企業の構造と同じだと思う。例えば海外のUberとかAmazon、Appleとかって圧倒的に早いし、いいシステムはあっという間に世界が取り入れていきますから。とはいえ今回は声を上げていいっていうのと、声を上げたら結果として給付金が出たっていうところはすごくいいことだったと思いますね。 ━━『White Teeth Donation』を始めて以降、他にも色々なものが立ち上がりましたし、実際にお金も集まっていると思います。そういった動きはかなり予想はしていたんでしょうか？ いえ、まったく。誰がどういう動きをするだろうか、という予想はありませんでした。いま溺れている人たちを見て、助けないという選択が僕にできるかを考えた時に、それは自分にはできないなって思ったんですよね。おぼれながら手を挙げて助けてって言っている人がいるのに、「ちょっと待ってて」とは言えない、そこに飛び込んで助けますよね。かなり必死だったので、周りがどうなっていくかとか、どういうものが立ち上がっていくかとかをあんまり考えていなかったです。 で、知らない人からもたくさん支援の依頼が来るとしたら、活動履歴を調べたりだとか、どれだけ損失があったかとか、どんな音楽をやっているのかとか、そもそも本当に音楽をやっているのかとか、時間がかかってしまいます。僕が一番困っていたのは、自分のレーベルが小さかった時に、本当に無償で手伝ってくれていた人たちが、恩返しする前に倒れてしまうことだった。そういう意味では、知っている人、一緒に仕事をしている人なら既に銀行口座を知っていますし。僕個人の資金であれば、会社の税金がどうとか気にする必要もないので、一番スピーディーだったんですよね。

━━僕から見ると、対馬さんは音楽業界の「ファーストペンギン」のような感じで。対馬さんのスピーディーな行動もひとつの契機になって、いろんな人たちがトライ＆エラーをし始めた。結果、音楽業界に勇気を与えたり、行動を変えたように見えました。 本当にそうだとしたら、すごくうれしい話ですね。少しでも影響になっていたらいいんですけど。だからあえて公言したというのもあるんですよね。売名行為とかいろいろ言われることは分かった上で、でもやらなきゃというのを優先した感じですね。 ━━寄付をした内訳を公開する予定はありますか？ ちょうど4月の末で一回締め切ることをnoteで発表しました。今の時点では120人くらい、400数十万円ほど。4月は40人くらい面識のない人に振り込んでいるんですけど、意外にこれが大変だったんですよね。ちょうど政府の10万円給付も出るし、5月からはもう面識のない人は時間的に限界という感じがあったので。僕が知っている人はここからどこまでライブやれないのか全く分からなくて、いま資金をプールしておかないと、あとが怖いので。 ━━ちょうど4月に入ってから、投げ銭のライブもあったり、ボランタリーなライブ配信も増えました。投げ銭のプラットフォームとか、意外と音楽とベストマッチなものがないんだなと僕は感じたんですけど、その辺り感じる部分は何かありますか？ ベストなシステムがないのは確かですが、どちらかというと不完全でもどんどん乱立してほしいと思っています。こういうシステムができました、そして別のシステムを誰かが、もしくは企業が立ち上げました、それとこれを組み合わせたら、こうなるよね、というので最終的な答えが出る気がしていて。不完全でもいっぱい出して使ってみることは大事だなと思っています。なので、ITの人たちと音楽業界は一緒にやっていかなきゃというのを、改めて感じています。Qeticさんなんてまさにそういう媒体なので、音楽だけを扱う我々からは出てこない発想が必ず出るじゃないですか。でも音楽のことをちゃんと分かっている、それはすごく心強いですよね。 ━━ドネーションであったりクラウドファンディングであったり、投げ銭であったり、対馬さんが何かやりたいと考えていることはありますか？　音楽の新しいマネタイズという意味合いでも。 オリンピックも延期になりましたが、海外から人が来た時に日本のカルチャーをマイナスなイメージに見せたくないみたいなことが、音楽業界では合言葉になっていて。でも、海外の動きを見ていると、やはり投げ銭的なものというか、チップっていう文化もあるからなのか、気軽にお金を渡す行為がすごくやりやすいんですよね。アートとか音楽とか目で見て豊かになる、耳で聴いて豊かになるものって花火みたいなもので、その瞬間になくなる。でも、日本人ってモノにはお金を払うんですけど、形のないもの100円でも200円でもチャリーンって投げ銭を入れるっていう、そういうカルチャーがなかなか根付かなかった。でも、これからはそういう行為が頻繁に行われていくんじゃないかと期待はしていて。そういうカルチャーが生まれていくんじゃなかろうかって期待していますね。 ━━確かに、インターネットでの課金に対する抵抗感とかももはやないですよね。 まだAmazonがオンライン書店でしかなかった時代に初めてカード番号を入力する時、これ大丈夫なのかなって思いましたよね。でも、いまはみんな違和感なくやっているし、コロナ禍におけるインフラにすらなっている。だから少しずつなんですけど、変わっていくはず。自分の気持ちを少額でもいいので、みんなが投げ銭するってのは、インターネット上でのすごい進化・変化だなと思います。例えば、歌を歌って、ヒット曲を作って、売れたら東京ドームだ！　みたいな価値観だけではなくて、パーカッショニストがオンラインで演奏して、投げ銭を100円もらうみたいなこともこれからはないといけない。でも、それが今できそうな気がしていて、すごくいいなと思っています。 ━━『origami Home Sessions』の展開や発展って、この1か月でどう進んできましたか？ これに関してはあまり「発展」という言葉は似合わない気がしていて。やはり、インターネット上にある楽曲の素材を使って即リリースできるということが面白さだと思っています。最初の2〜3週間の動きが面白かった。一般的なレコード会社って、半年とか一年とかかけて作って、出して、そこから更に流通・営業、そして売れてからまたお金の回収までって1年以上かかっちゃう。それが2週間以内にお金が入ってくる、みたいな。そういうことがすごく面白かった。その場で何かクリエイションして、お金が発生していくっていうサイクルという意味で面白かった。 あと、出来上がったものも、同じ楽曲なのに、色んなバージョンがある。この人が歌うとこんな感じだけど、ラッパーの人が歌うとこんなに違うんだ、みたいな。怒っている人もいれば、夢を語っている人もいるし、曲調もなにも全部が同じ曲とは思えないほど変わっていく。音楽ファンがその場でハッシュタグを入れるだけで、全部聴けるというのはすごい発見になったんじゃないかと思いますね。

━━昨年のフジロックのステージは印象的でした。アフタームービーには”Under The Influence”が使用されていたり、多くのオーディエンスの記憶にもあなたたちのパフォーマンスが残っていることかと思います。初めてのフジロックでのパフォーマンスはどんな体験でしたか？ フジロックでの体験はとても素晴らしかったよ。今までバンドが経験してきた中で最大のステージで、最も多くのオーディエンスの前でのパフォーマンスだったんだ。フェスとしてとてもよくオーガナイズされていたし、みんな素敵で温かい人達ばかりで僕たちを大いに歓迎してくれたよ。

━━昨年の来日ではテレビ番組『スッキリ』にも出演されていました。来日時の印象的なエピソードを教えてください。 そうだね、印象的なエピソードといえば素敵なレストランに連れて行ってもらって、本格的な日本料理を食べたことかな。東京を散策した時は最高な時間を過ごせたし、スカイツリーで夕食を食べたのも良い思い出だよ。 ━━東京という街への印象は？ 僕は人混みが苦手で最初に東京で電車の人の多さを見た時少し不安になったんだ。でも、ロンドンとは違って東京はみんなとても礼儀正しくて、周りを気にかけている人ばかりだったから安心して旅を楽しむことができたよ。僕の家族も一緒に連れて行ったんだけど、美しい庭園を散歩したり、スカイツリーで夕食をしたり、とても素晴らしい時間を過ごすことができたよ。旅の締めくくりに皆でカラオケバーに行ったんだけど、僕たちは皆ミュージシャンだからすごく盛り上がって楽しかったよ。 ━━改めて、バンドのメンバー構成について教えてください。 バンド構成は3人のバグパイプ奏者(ウィリー・アームストロング、ケビン・マクドナルド、ジェームス・ハーパー)、ベースギター(ルーリー・マクリーン)、リードギター(アルド・マクギオック)、キーボード(クリス・ピュー)、パーカッショニスト(ジェイ・ヘップバーン)と2人のブラス演奏者、そしてボーカル(クリス・ジャッジ)というメンバー構成だよ。

━━レッド・ホット・チリ・パイパーズ以外でも活動されているメンバーもいますが、どのように練習しているんですか？ 普段はサウンドチェックの時に練習するんだ。新しい曲があれば練習のためにスタジオを予約するときもある。メンバーの中には他のバンドで演奏している人もいるけど、レッド・ホット・チリ・パイパーズをメインバンドとして活動していて、昨年は152回のライブをこなしたんだ。 ━━演奏楽曲はどのように決めていますか？　オリジナル楽曲は誰が作曲していますか？ ライブではスコットランドの伝統的な音楽が50%、有名なロックやポップスの曲が50%という割合で演奏していることが多いよ。セットリストはバンド全体で決めていて、観客とバンドメンバーの両方が楽しめるように曲を混合させているんだ。オリジナル楽曲もメンバー全員で作曲しているよ。 ━━ファースト・アルバム『The Red Hot Chilli Pipers』にも収録されているスコットランド龍騎兵連隊合唱隊の曲“Highland”を今回の最新アルバム『FRESH AIR』にも収録しているのはなぜですか？ “Highland Cathedral”はとても有名な曲なんだけど、実際にはスコットランド人が書いたものではなく2人のドイツ人によって作曲されたものなんだ。僕たちの音楽ジャンルにもよく合っているので今回もこの曲を収録したんだ。 ━━アルバムに収録されている楽曲“Leave a Light On (feat.Tom Walker)“は、トム・ウォーカー（Tom Walker）本人をシンガーとして招いたカバー楽曲ですね。このコラボはどんなプロセスを経て実現したんですか？ ソニーレコードは彼のアルバムをスコットランドで発売したいと思っていたんだ。そこでアルバムの中の1曲にバグパイプを入れてみるのは良いのではと思い“Leave a Light On”にバグパイプの演奏を入れてみた。そうしたら曲との相性がすごく良くて、シングルとして再リリースすることを決めたんだ。メインストリームチャートで４位を獲得した楽曲なんだ。トム・ウォーカーはスコットランドとイギリスのハーフでとても素晴らしいミュージシャンだよ。

━━今年の10月は、そんなアルバムを提げての来日となりますが、どんなことをしたいですか？ もっと色々な場所を散策してみたいし、もっと日本の最高なバンドを見てみたいね。そして本格的な日本の料理をもっと食べたいな。 ━━日本のファンへレッド・ホット・チリ・パイパーズの来日公演に向けて期待してほしいことはなんですか？ 日本の皆さんは僕たちがライブをするために来日すると思っているかもしれないね。でも僕たちがやることは”ショー”なんだ。素晴らしい照明機材を用意して、最高な照明エンジニアとサウンドエンジニアもいる。民族衣装を着て音楽に合う振り付けをして、観客全体を巻き込むのさ。僕らのショーには、喜びや高揚感、哀愁といった幅広い感情が引き出される要素があるんだ。 ━━日本のファンへメッセージをお願いします。 独自の文化と伝統を持つ日本という美しい国で、僕たちの民族衣装を着て民族楽器を演奏するのをとても楽しみにしているよ。

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━━緊急事態宣言による外出自粛の日々はどんなふうに過ごしてらっしゃいましたか？ ツアーも結局中止になってしまったので、基本的にはずっと制作をしていました。もともとライブ期間以外は家に引きこもって制作をしているだけだったので、正直そんなに大きくは変わらない感じで。あとは昔の友達と連絡を取って、お互いの近況を話したり、他愛のない話をする機会がすごく多かったですね。 ━━それこそ最初から基本的に自宅で完結するタイプのアーティストだったわけで、そういう意味では今までと変わらないスタイルで制作に没頭することができたわけですね。 とは言っても、１年半前の『Quote』というアルバム以降、ここ最近はずっと生音でレコーディングをやってきたので、久しぶりに自分の中だけで完結する音楽を作った感じです。しばらく生音にこだわってやってきたけど、それを踏襲してまた自分一人の音楽に昇華する時期だった。今だからこそまた一人で作れるものが新しい感じでした。 ━━“Alba”は映画『水曜日が消えた』の主題歌の話を受けて書き下ろした曲ということですが、どんなことを思って制作されたんでしょうか？ 話をいただいていろいろ想像したんですけど、去年の年末に本編を見させていただいて、自分の本当にツボにハマったというか、本当に大好きな映画だったんです。すごく感動したし、衝撃を受けて。そこからもう一度監督の吉野さんとお話しする機会をいただいて、どんなサウンドをリクエストされているかという話を詰めていきながら作っていきました。 ━━この映画を好きになったポイント、衝撃だったところというのはどういうところだったんでしょうか？ もちろん物語の設定や主演の中村さんの鬼気迫る演技も本当に素晴らしいんですけど、自分の中で一番感動したのは、めちゃくちゃ細かく洗練された演出がすごくふんだんに使われていたことです。視覚芸術みたいな細かいギミックが沢山あって、それがすごく自然、かつ美しい形で本編の至るところに落とし込まれている。物語自体は淡々と進むんですけど、それがあることですごく華やかに見える。そういう魅せ方も相まってストーリーが際立つところもすごく感動しました。

音楽×テクノロジーで「見えないもの」に力を宿らせる。現実に魔法をかける。 そういう瞬間を生み出すためのトライが、そこには確実にあった。最新技術を使った「AR LIVE」という新たな形のライブカルチャー。でも大事なのはテクノロジーそのものではない。それを用いてどんな体感をもたらすかだ。そこに“神秘”が宿るかどうかだ。 6月14日、フィッシュマンズが行ったAR LIVE＜INVISIBILITY＞は、そういうことを感じさせてくれる時間だった。 場所は「SUPER DOMMUNE tuned by au 5G」。宇川直宏の主宰するDOMMUNEと、au 5G（KDDI）・渋谷未来デザイン・渋谷区観光協会を中心とする「渋谷5Gエンターテイメントプロジェクト」による新たなプラットフォームだ。リアルな“場”としては渋谷PARCOの9Fに設けられたスタジオフロアであり、バーチャルな“場”としては最先端テクノロジーを活用した5G時代の動画配信チャンネルでもある。 つまり、90年代から日本の音楽カルチャーを牽引し、また多くのテック企業が拠点を構える渋谷という街を拠点に、リアルとバーチャルのふたつのレイヤーを“対立”ではなく“共存”もしくは“重ね合わせ”の構造として発信していく場が「SUPER DOMMUNE」なのである。 このプラットフォームを用いた渋谷5GエンターテイメントプロジェクトとDOMMUNEの最初のコラボレーション企画として開催されたのが、今回のフィッシュマンズによる拡張現実化ライブ。もちろん、最初に彼らに白羽の矢が立ったことにも、ちゃんと意義とコンテキストがある。それは、彼らがまさに“見えない魔法”を歌い続けてきたバンドであるということだ。それは、作詞作曲を手掛けてきたボーカリストの佐藤伸治が描いてきた詩世界そのものにも、そして1999年に彼が逝去した後もその言葉を精神的な支柱にしながらドラマーの茂木欣一を中心に形態を変え活動を続ける現在のバンドのスタンスに対しても言えることだ。 開演は予定より遅れた22時。この日のDOMMUNEのイベント第一部として行われた“ポストパンデミックの世界”をイメージするトークセッション＜み・え・な・い・も・の＞が終わると、フロアには茂木欣一（Dr, Vo）、柏原譲（B）、HAKASE-SUN（Key）、木暮晋也（G）、dARTs（G）に加えて、第一部にも出演したエンジニアのZAKが登場。ゲストボーカリストにクラムボンの原田郁子を迎えた7人編成だ。

「音楽は、見えないもの。それを今からやっていきます」とZAKが告げ、メンバーたちが輪になって演奏を始める。序盤に披露したのは“チャンス”からデビュー曲の“ひこうき”など初期の楽曲が中心だ。MCでは「みんなで合奏するの、いいね。合わさって、奏でて」と茂木が笑顔を見せる。集まって音を鳴らすこと、大きな音を浴びること、そういう根源的な気持ちよさに包まれているような表情だ。その様子にオーディエンスがライブチャットで参加する。中盤では94年以来ほとんどライブではやっていないという“MY LIFE”などレア曲も披露された。 演出も、非常に印象深いものだった。 ライブを通して、フロアには様々なオブジェが浮かんだり、光がキラキラと舞ったりしていた。演奏するメンバーの後ろにはLEDビジョンが置かれ、様々な映像が映し出される。そしてAR空間にそれと連動するようなイメージが現出するという仕組みだ。

ARの演出を担当したのは、第69・70回NHK紅白歌合戦など数々の舞台で映像演出を行ない、現実世界にバーチャルな空間をインストールする試みを行ってきたクリエイティブ集団「stu」だ。技術面でのポイントは、現実空間とバーチャル空間に一体感をもたせること。今回のライブでも、カメラで撮影した映像にただCGを乗せるのではなく、フロアの空間データをシステム上に再現し照明などの操作と連動することで、現実空間の光がAR空間のオブジェに当たっているかのような効果をもたらしていた。さらに遠隔でパン、チルト、ズームを操作することができるPTZカメラを用いて撮影された映像にリアルタイムでグラフィックをレンダリングすることで、動きのある表現が生まれていた。

そうした演出と、音楽のマジックが交差してクライマックスに達していたのが、終盤の3曲だった。 “いかれたBaby”では背景に彗星の映像、バーチャル空間に軌道に沿って回る惑星が登場し、宇宙の真っ只中で演奏しているかのようなイメージを作り出す。“ナイトクルージング”では無数のAR花火が画面いっぱいに打ち上がり、メンバーたちの姿にオーバーラップする。ラストの“夜の想い”では、AR空間に三角錐のミラーが回転し、現実空間のフロアを鏡像のように映し出しつつ、ピンク・フロイド（Pink Floyd）『狂気』のジャケットのようなプリズム光線を生み出していた。「フロアのLEDビジョンに映し出された映像」と「その映像を背後に輪になって演奏するメンバーたちの姿」と「現実空間には存在しないはずCG」が重なり合うことで、幻想的な空間がそこに生まれていた。

今回のフィッシュマンズが行ったAR LIVE＜INVISIBILITY＞は、間違いなく、今後の時代におけるライブエンターテイメントの一つの可能性を見せるものになっただろう。 コロナ禍によって、以前のように人が密集するということ自体が大きなリスクとみなされるようになった。ライブハウスやクラブなどのベニューは新たなガイドラインのもとで営業再開に向かっているが、身体的な接触を避けソーシャルディスタンシングを保った状態でのリスタートは、そもそものライブ体験としてもかつてのものとは違うものにならざるを得ない。アリーナやスタジアムでの大規模公演が元通りの形で再開するのも先のことになりそうだ。長期的にライブエンターテイメントが大きな打撃を受けるのは間違いない。 その一方で、オンラインライブのプラットフォームは一気に広がりを見せ、新しい文化様式として定着しつつある。COVID-19の感染拡大が終息し、以前のような日常が戻ってきたとしても、オンラインライブはおそらくエンターテインメントのもうひとつの選択肢として存在し続けるだろう。 そうした「アフターコロナ」のライブの未来には様々なパターンが予測できる。たとえば以前にもあった映画館のライブビューイングの延長線上の発想で、一つのステージに「現場組」と「配信組」の二つのオーディエンスが集まるタイプの公演もあるだろう。一方で、1200万人以上が参加したトラヴィス・スコット（Travis Scott）のFortniteでのライブのように、完全にライブ空間をバーチャル化し、仮想空間（メタバース）に演者もオーディエンスもアバターとなって体感を共有するタイプのイベントもあるだろう。 フィッシュマンズが行ったAR LIVE＜INVISIBILITY＞は、そのどちらとも違う、かつ両方に通じ合うような新しいライブの可能性を示唆している。現実空間とバーチャル空間を重ね合わせることで、オンライン上に「ステージと客席を隔てる“第四の壁”が壊された空間」を作り上げることが可能になる。 まだまだ技術的なハードルは高いとは思うが、今後5Gのテクノロジーが普及していけば、AR空間にあらかじめプログラミングされたオブジェだけでなく、オーディエンスのインタラクションによってリアルタイムに変化する演出を加えることも可能になっていくだろう。 2020年は結果として「未来を加速させた1年」になった。そう後に振り返られるかもしれない予感を抱いている。

東京モード学園への入学を機にファッションの道へと誘われた『HYSTERIC GLAMOUR』デザイナー・北村信彦。モード学園（東京・大阪・名古屋）の最新CMに描きおろし楽曲を提供したシンガーソングライター・Rei。 当初は「モード学園」という共通項のもと組まれた、異世代・異業種の対談……のはずだったが、我々の予想以上にシンクロ率の高いトーク・セッションが生まれてしまった。 アプローチやアウトプットの手段は異なれど、60年〜70年代の混沌としたカルチャーシーンへのダイビングを重ね続けた二人。彼らが勢いよく前進するためのキーワードはまさに「発掘」だ。 自分の視野を広げ、カルチャーを開拓し、吸収する。そういったハングリーさを保ち続けることの重要さに気づく対談となった。

北村信彦（以下、北村）　Reiさんは何歳から音楽を始めたの？ Rei　4歳です。NYに住んでいた時、テレビで女性がギターを弾く姿を観て「これを買って」とクラシックギターをおねだりしたことがきっかけでした。そこからロックやブルーズに興味を持つようになりました。 北村　モード学園の新曲や過去のPVを見て、「ギターうま！」って思って（笑）。結構渋い音を出すというか。ピンときたのが、ジョニー・ウィンター（Johnny Winter）だったんだよね。でも、周りの影響ではなくて、自ら入っていったんだ。すごいね。 Rei　当時、日本語も英語も中途半端で、自分にとっての「言語」が存在しなかったんです。人や外界とのコミュニケーションツールとして、音楽という言語を手に入れていった、という感覚です。ノブさん（北村）が音楽に目覚めたのはいつ頃でしたか？ 北村　中１くらいからかな。ちょうどキッス（KISS）やクイーン（QUEEN）、エアロ・スミス（Aerosmith）が日本に上陸してきた頃。ザ・ランナウェイズ（The Runaways）のようなガールズバンドが来日したりしていた時代なんだよね。ジョニー・ウィンターはどちらかというと後に聴いた音楽だったな。ビートルズ（The Beatles）も僕の世代より少し上だね。 Rei　私、ビートルズの影響は外せないんですよね。60年代全般の音楽にすごく影響受けていて。60〜70年代はカルチャーが越境しあって、混沌としている様子が面白い。そういうコミュニティがあった事に興味があります。 北村　音楽業界は75年～76年あたりがピークだった、って話も聞くね。まだレコードの時代。NYやロンドンでパンクロックのムーブメントが勢いつけてて、ハードロック、ヘビーメタル、プログレも全盛で、ディスコやレゲエ、ジャズ、ファンクまで本当に盛り沢山な時期だと思う。 逆に、僕らがブランドを始めた80～90年代はダンスミュージックやエレクトロが注目されてきていて。当時の自分達にとっては、チャラすぎた部分があった。逆に60〜70年代のレアな音を探して自慢しあったりするようになった。今の若者も80〜90年代を掘るようになっているよね。最近だとザ・ホワイト・ストライプス（The White Stripes）、ザ・ラカンターズ（The Raconteurs）のジャック・ホワイト（Jack White）も、過去に向かって突き進んでる。 Reiさんの時代はヒップホップが主流なんじゃない？　中学・高校時代とかどうだった？ Rei　アヴリル・ラヴィーン（Avril Lavigne）、グリーン・デイ（Green Day）といったポップパンクが人気だったかも。カニエ・ウエスト（Kanye West）やエミネム（Eminem）のファンもいました。でも私は自分の好きなものを追求していたからか、孤立していて（笑）。流行っている曲も聴きながら、並行してロバート・ジョンソン（Robert Johnson）やジョニー・ウィンター、ニール・ヤング（Neil Young）を聴いていましたね。

Rei　ノブさんは、普段洋楽を聴くことが多いんですか？ それともいろんなジャンルを幅広く聴いてますか？ 北村　もともとは英語圏の洋楽にしか興味がなかった。でも、音楽の中の細かなジャンルまで掘りつくした時に、自分の国の音楽を何にも掘っていないことに気付いて。最近は友人からアドバイスをもらいながら日本の音楽も聴き始めた。 最初は日本語のロックにすごく抵抗があったね。車を運転しながら音楽を聴くことが多いんだけど、信号待ちになると恥ずかしくなって音量下げたりとか。そのうち抵抗がなくなって「日本語いいな」と思いはじめたら、ジャンル関係なしに歌謡曲や演歌も聴くようになった。 Rei　ヒップホップはどうですか？ 私はロックやブルーズが好きで育ってきたので、ヒップホップに対してのちょっとした抵抗もあったんです。でも、そのルーツを辿っていくと、ヒップホップ自体が温故知新の音楽なんですよね。 古いジャズのレコードをループし、リリックを乗っけるところから派生してR＆Bになっていたりするから、そういう意味では「同じ糸と生地を使っているけど、パターンが違う服」みたいな考え方だと理解できて。親近感が湧いたんです。 北村　ブランドを始めた直後の90年代にちょうど日本にもストリートカルチャーが入ってきて、そういったメンズブランドは増えるだろうとも思っていた。だからこそヒップホップはあえて避けてきたし、元々興味は無かった。 でも、日本のロック史をある程度聴き終わった頃、友人から「トラップとかも好きなんじゃない？」と言われて、聴き始めるようになって。そこから日本のヒップホップアーティストの音源や映像を観ているうちに興味が出てきた。 Rei　どういうところが面白いと思いました？ 北村　オタクでニューウェーブな感覚の連中もいるんだと知ったら楽しくなってきた。90年代にDJカルチャーが入ってきたときの、イギリスやアメリカの若者が作っていた音づくりに似ている気がしたんだよね。 今、アニメカルチャーや地下アイドルカルチャーをミックスして違う形に変えていって、新しいヒップホップを作る動きもあるでしょう。あれも、70年代にパンクバンドが出てきたときの感覚と似ているなと。 Rei　最近、私も「ヒップホップのアティチュードはロックだな」と思うことも多いんですよね。サウンドや手法はヒップホップだけれど、精神性はロックだと思うことが多い。 北村　若いヒップホップアーティストも「HYSTERIC GLAMOURが好きなんです」と言ってくれたりして。自分のことを「ロックスターです」と言っている人もいる。また面白くなってきたなと感じるね。

Rei　ノブさんのお話から、系譜をたどる面白さはもっと伝えていきたいなと思いました。でも、逆に、ブランドを立ち上げた頃とかは海外のカルチャーをどうやって吸収していったんですか？ 北村　本当は海外の生活で吸収したかったんだけど、ブランド立ち上げのタイミングだったのもあって、日本を出るチャンスを逃した。なので、海外生活はない代わりに、海外の環境をこっちで作ることで補完してた。ロンドンやパリ、ニューヨークからモデルとして来日していた若者と一緒に住んだりして。多い時は6人くらいと同居してたかな。家でも会社でも英語、遊びに行くのも外国人という生活を、28歳頃までしてた。 元々、アジアで生まれたことにコンプレックスを感じていて、自分が海外に興味を持つほど日本人ってダサいなと思っていた。でも、彼らから日本のいいところも改めて教わったし、その５年間くらいがなければ今のカタチにはなっていなかったと思う。 Rei　友達から教わって日本の良さに気づいた時、作っているデザインに影響はありましたか？ブルーズやロックなどの洋楽に影響を受けているので、「自分のオリジナルの表現は何か」と言われた時に、いまだに自信を持てるところと持てないところがあって。 「自分が日本人」というところは変わりなくて、無意識的に自分の和モノ感は出ると思うんです。でも、「先人たちよりオリジナルな部分は何か」と言われたらわからなくなる時があって。そういう部分をどうやって考えてらっしゃるのか、気になっていました。 北村　全部が全部は認められなかったよ。でもカラオケやゲーセン、アニメとか、自分が「恥ずかしい」と思ってる日本の文化を、外国人は逆に「ジャパニーズカルチャー」としてピックアップした。向こうの人からしたら、ものすごく憧れる文化なんだなと思って。 もちろん90年代くらいまでは、そういう取り上げられ方をすること自体に複雑な気持ちもあったけどね。「オタクカルチャー＝アキバ＝ダサい」というのがあって。でも、今はどのデザイナーも中野ブロードウェイ、神保町には必ず行く。そこで何を探すかというとそのひとつに日本の90年代のカルチャーの雑誌。まさか当時、そうなるとは思っていなかったよね。 それにしても僕が20歳くらいの時は、情報源なんて何冊かの音楽雑誌かラジオしかなかったから、Reiさんたちの世代が、どうやって情報を掘っているのかがすごく気になるんだよね。 Rei　結構、YouTube世代というか。YouTubeやサブスクリプションが生まれ、文献やラジオ以外に音楽を発掘できるツールを手に入れた世代ではあるんです。 その一方で、CDやレコードのクレジットを見て、60年代のロックから戦前のブルーズまで聴くような掘り方もしていて。両軸から知識を深めていきました。 北村　一番音楽を聴いていたツールはCDから？ それともYouTube？ Rei　私はCDが一番多かったです。聴きながらブックレットをみるのが昔から好きでした。シンガーの作品でも、どういうバックバンドが演奏しているんだろう、ってクレジットが気になっちゃう。 レコードのクレジットも見て「この人はどういう人に影響を受けたのか」とか。「クリーム（Cream）がクラシックブルーズの曲をカバーしているから、その原曲を聴こう」とか。 北村　CDなんだね。自分たちの頃は聴く手段がレコードが中心だった。でも、それが良かったんじゃないかなって思ってる。レコードはバンドのキャラも重要視されるけど、音と歌詞とジャケットのアートワークが組み合わさる総合芸術だったから。 家に帰って音を聞きながら、レコードのジャケットの情報を全部チェックして、アートディレクターや写真家、グラフィックデザイナーにも興味が飛び火していった。それをさらに調べていくと新しい情報が入って、自分の興味のある枠を広げていった。それによって想像力も高まったと思う。一方でネットは便利だけど、すぐに情報が出てきてしまう。想像力を養うためにはどうなんだろう、と不安に思うときがある。

Rei　私は利便性が重要視されすぎていることに違和感を覚えてます。ヴァーチャルで体感は得られないじゃないですか。買いに行く行為とか、パッケージを開ける行為とか。 ミュージシャンの中では「フィジカルで買う」ということを提唱していきたい派が私を含め多いんですけど、ファッションって音楽よりもさらに体感を得る行為だと思っていて。実際に傾向としてみんな通販で買う人は増えているんですか。 北村　通販は増えてる。僕らもお店で実際に触り、着てもらって選んでもらいたいと考えてはいたし、通販は最初信じられなかった。 でも気がついてみると自分もだんだんCDや本も通販でしか買わなくなってしまった。そういう「通販で買うもの」の1つに洋服が含まれるようになるのも時間の問題だなと……。いや、もうそうなってきてしまっているね。 Rei　「ありえない」と思っていた価値観が当たり前になっていくことに戸惑いがあります。パンツなんてお店で着てからでないと絶対に買えないと思ってた。 そういう意味では、「店舗に行って服を買う」「バイヤーがPOPを書いたCDやLPを買う」という体感を得ることの価値観を、もう一度みんなにプレゼンするアーティストになりたいです。 北村　今は配信メインでCDすら作らないミュージシャンもいれば、ダウンロードでしか音楽を聴かない人もいるらしい。けど、本人やその子の周りでファッションに興味のある子たちは、意外と90年代の古着や雑誌を収集している。ネットじゃその時代のカルチャーが伝わってこないらしいんだよね。 出来上がったものが何か形にならない限り、これからの若い人が2020年の文化を掘れなくなる。「CD1つや雑誌１冊も出てこない、となったときのことを考えるとダメでしょ」という話は今の若い子達とよくするね。 Rei　確かにそうなんですよね。もし明日インターネットがなくなったら、私が作っていた作品の中で、ネット上にある触れることができない物が全て一瞬にしてなくなると思うと本当に怖くなる。 北村　今じゃなくてこれからの若者のために、何かしらをフィジカルで残す。トレジャーハンターじゃないけれど、どこかに行って発掘する感覚を味わせてあげないともったいないよね。

Rei　ノブさんはそこまで音楽やカルチャーのことを深く掘って考えていらっしゃるのに、ミュージシャンの道は考えなかったんですか？ 北村　というか、最初は美容学校に行こうとしていたからね。 Rei　えっ、そうだったんですか！ 北村　自分で演奏できたら、音楽をやっていたんだろうけど。そっちの才能は早くから諦めていた。美容師であれば自分が影響を受けたアーティストとも仕事ができるかも、と思ってた。それでちょうど美容学校に行こうとしていた直前に、東京モード学園を見つけて。それで服飾に切り替えたんだよ。 Rei　モード学園を選んだのはなぜですか？ 北村　たまたまテレビを観ていたらモード学園のCMが流れて、「何だこの学校？」と思ったのがきっかけ。ちょうど開校した年だったんだよね。西新宿からも近かったし、いいなと思って。 Rei　西新宿？ 北村　当時、西新宿がレコード屋の聖地だった。当時はタワーレコードもなかったので、輸入盤を探すのもだいたい西新宿。頻繁に通っていたから、そこに近い学校がいいなと思ってね。 Rei　じゃあ行こうとしていた美容学校も？ 北村　代々木。モード学園の方が西新宿に近かった（笑）。レコード屋の帰りにモード学園を訪ねた時、当時の学長・谷まさる先生がたまたまいて、学校の中を案内してくれた。高層ビルの43階だったから、周りの景色が全部小さく見えてびっくりしたのは覚えてる。 ただ、美容学校への入学準備もある程度終わっていたし、あとは学費を払って道具をもらうだけっていうタイミングで。「今からでもこの学校入れますか」と谷学長に聞いたら「大丈夫」と言われて。そこから願書をもらって、家で親を説得し、モード学園に決まった、って感じ。 Rei　そこからファッションの道に入ったんですね！ ちなみにノブさんは、プライベートなどでファッションから距離をおきたい時は何をされていますか。自分がプライベートの時間を過ごす時、どうしても音楽を頭から追い出せない時があって……。 北村　どちらかというとずっと離れているんだよね……。実はそんなに洋服は好きじゃない。 もちろん季節柄、ハイテクアイテムとかが欲しいときはあるけど、基本的には同じ型のパンツやTシャツを何枚も買って着てる。だって漫画のキャラクターってずっと同じ服じゃん。自分は作る側だし。 それに一度スタイルが決まれば、自分のキャラが定着して、仮にTシャツが許されないような場所でも、Tシャツで過ごせるようになるのは良いよね。 それよりも、掘りたい曲がない時の方がノッてこなくて困る。ジャンル関係なく、ハマれる音がないと、作業が進まないね。

Rei　コレクションごとに聴く音楽を固定することはあるんですか？ 北村　それはないね。そもそも、デザインするものはコレクションごとにあんまり変わらない。というのも、学生のころ毎回テーマ変えてやっているデザイナーを見て「僕はこんなのは嫌だ」と思ったんだよね。むしろ農業や和菓子屋、豆腐屋みたいな職人感覚で、淡々とスタンスを変えずに服を作れたらいいなと思っていた。 だから、出来上がってしまうとどうでも良くなるね。作ったものを取っておくこともしないし、なんなら恥ずかしくて見たくない時もある。その分、作ることに関しては間違いないように、クオリティを良くすることに敏感にはなるけど。 Rei　固執しないことが、集中したい時にダイブインする秘訣なんですね。 北村　イチから自分だけで仕上げる作業ではないからね。パターンはパターンに長けた人に、縫製は縫製のプロにやってもらう。自分はディレクションしながら、発想を拾うことに徹するだけ。 例えばテレビを見ている最中に何かを見つけたら、見間違いでもいいからテレビを止める。それはずっとくせになっているね。気になったものは写真で記録しておいて、寝かしてから「本当に大事だったのか」を確認する。 自分が作ったものに関しては、買ってくれた人が着てるのをたまたま見た時に、また違う発想を得たりする。本人の歌では気づかないけど、第三者がカラオケとかで歌っているのを聞いたときに、歌詞の良さを感じるようなね。自分が作った服を知らない誰かが着ていて、すごいそれが似合っていたりすると「意外にいいじゃん」ってなる。 Rei　すごくインタラクティブですね。私も「たくさんの人に愛してもらえるものと、自分がものすごく好きなものの最大公約数」を解明するために、仕事として音楽を作っているところがあります。受け取った人の反応によってはじめて作品が完成したと感じることもあるし、自分が刺激をうけることもある。おっしゃっていることはとてもよくわかりました。 ノブさんのようにファッション1本だけではなく、多角的な視点を持つプレイヤーは、すごく魅力的だと思うんです。実際、私がミュージシャンから影響を受ける時も、必ずしも音楽だけじゃない。その人のファッションや言動や価値観に共鳴することは多いです。 ヒステリックグラマーは、ただ「ファッション」という枠にとどまらず、音楽の領域にも通じていることが面白いブランドだと改めて思いました。 北村　学生時代から「自分が貫いた1つの筋がない限り、コレクションを長く続ける意味は無い」と思っていたから。じゃあ、自分が長く引っ張っていける筋は何か。それがミュージックカルチャーと、アメリカ・イギリスのサブカルチャーだった。それらを融合したものが長く続くと信じていたし、そう思って始めたのが今のブランドなんだよね。

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NAOKI SERIZAWA（以下 SERIZAWA）　緊急事態宣言中はどのように過ごされてましたか？ 堀川達郎（以下 堀川）　緊急事態宣言中はデザインしてないよ。２ヶ月オフ取ったような感じ。人生で一番長いオフだった。俺はこのタイミングで、身体と心を休めることをしていた。ポジティブに生きていくために。毎日代々木公園に行って、4時間くらい本を読んでたよ。 SERIZAWA　どんな本を読んでたんですか？ 堀川　樋口恭介の『全て名もなき未来』と、シャルル・フレジェ（Charles Fréger）の『WILDER MANN』。この本が次の「JULIUS」のコレクションのテーマになった。この本に出てくる「マムトネス」っていうのが、イタリアのサルデーニャ島に云い伝えられてる神の使いなんだけど、彼らは独特な衣装を身にまとい、生命の輪廻や季節のめぐりを祝うんだよね。次は祝祭的なコレクションにしたかった。だから「マムトネス」ってタイトルで収穫をテーマにした。 SERIZAWA　コロナ禍によってたくさんのことが制限されましたよね。人と会うことや同じ場所を共有する喜び。そういった物理的なものを制限された反動もあって収穫をテーマにしたんですか？ 堀川　どうだろうな。もっと精神的なことだな。収穫とは、精神的な実りだよね。 SERIZAWA　なるほど。STAY HOME中って考える時間が多かった分、精神的な収穫はたくさんありましたよね。当たり前にあったものの尊さへの気づきだけではなく、これまでの価値観をひっくり返すような、ニューライフスタイルへの気づきというか。 堀川　そうだね。そういう意味でSTAY HOMEは良かったと思うよ。この期間中、大切なものに気づいた人は結構いると思う。俺にとっては、それが“精神の解放”だった。人生において、精神を解放するということがどれだけ大切なことかがわかった。15年前に訪れたチベットと8年前にスリランカに行った時にも似たような“開いた”感覚があったんだ。でも、東京に帰ってきて忙しい日々に追われる中で忘れちゃって、それで鬱病になって。でも今回のコロナで確信に変わったから、俺は絶対に忘れない。それもあって、住居を海の方に移すことにしたよ。俺は、それが最先端でファッショナブルな行動だと思ってる。

SERIZAWA　自分のライフスタイルをデザインするというか。この気づきを元に、自分の考え方やライフを変えられるように行動できるかが重要ということですよね？ 堀川　そうだね。それこそいま出てるコレクション［DUKKHA；］（FALL-WINTER 2020 COLLECTION）は、精神の解放を目指して作ったけど、いま思えばあの時はまだ解放できてなかったな。 SERIZAWA　環境を変えることが自分を変える近道だったりしますよね。僕自身旅をすることで得た音楽的なインプットが今の自分に大きな影響を与えてると思います。 堀川　それこそモロッコから帰ってきて、その時の気づきで作ったコレクションが［sefiroth；］だった。トライバルなアフリカン呪術をイメージした。瞑想的というか、儀式的って方が正しいかな。リチュアルなイメージ。 SERIZAWA　「JULIUS」の中でもすごく好きなコレクションです。僕も逗子とか鎌倉や葉山に引っ越したいと思ってます。あの辺ってマインドフルネスを追求してる人が多いですよね。 堀川　うん。マインドフルネスの聖地。あんまり人に言ってないんだけど。俺もここ2年間くらいよく瞑想するようになったから。特に、その影響がこの春のコレクション［Afangar；］（SPRING-SUMMER 2020 COLLECTION）に色濃く出てる。

SERIZAWA　今回のプレイリストについて詳しく教えてください。 堀川　［Afangar；］のPVの曲をやってくれたコリー・フラー（COREY FULLER）が、コロナウィルスで亡くなった方への追悼の意を込めて作曲した“Da pacem Domine”って曲があって、この曲を軸にプレイリストを作ったんだ。このタイトルがクラシック用語で「レクイエム」という意味で、結構悲しい曲なんだけど、このヒストリカルな曲を最後に持ってきて、他は空間を埋めるような粒子っぽい感じで並べた。他の曲もコロナ中にずっと聞いてた曲。イメージとしては、体に浸透していくようなテクスチャの滝から溢れ出るイオンみたいな。 SERIZAWA　最後の質問なんですけど、いまwithコロナ時代に達郎さんが表現したいクリエイティブってなんですか？ 堀川　サイバーパンクだよ。ブレードランナーとか世紀末的な。そこに精神的なスピリチュアルな要素を加えていきたい。サイバーパンクとスピリチュアルはミックスしないんだろうけど、対比してるからオレが成り立ってる。「JULIUS」が、俺の表現自体がずっとそうやってきたから。

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今回のプレイリストのテーマは「Beautiful Morning」です。コロナウイルスの影響で、世界中の多くの人が様々な不安を抱えながら生活していると思います。人間は多面性を持つ生き物で、不安な気持ちに支配されると“見える世界まで暗く”なってしまう。僕自身そういう時に思考性がネガティブになりがちです。 そんなとき僕は、心のチューニング方法として朝一番に美しい音楽を聴くようにしてます。スローで心地の良いグルーヴに、透明感のある歌声や綺麗なメロディの楽曲が、その空間に流れる時間を穏やかにしてくれるから。先の見えない不安な時代だからこそ、1日の始まりにポジティブな感情のスイッチが入るような、そんなプレイリストをつくりました。

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NAOKI SERIZAWA（以下 SERIZAWA）　緊急事態宣言中はどのように過ごされてましたか？ 堀川達郎（以下 堀川）　緊急事態宣言中はデザインしてないよ。２ヶ月オフ取ったような感じ。人生で一番長いオフだった。俺はこのタイミングで、身体と心を休めることをしていた。ポジティブに生きていくために。毎日代々木公園に行って、4時間くらい本を読んでたよ。 SERIZAWA　どんな本を読んでたんですか？ 堀川　樋口恭介の『全て名もなき未来』と、シャルル・フレジェ（Charles Fréger）の『WILDER MANN』。この本が次の「JULIUS」のコレクションのテーマになった。この本に出てくる「マムトネス」っていうのが、イタリアのサルデーニャ島に云い伝えられてる神の使いなんだけど、彼らは独特な衣装を身にまとい、生命の輪廻や季節のめぐりを祝うんだよね。次は祝祭的なコレクションにしたかった。だから「マムトネス」ってタイトルで収穫をテーマにした。 SERIZAWA　コロナ禍によってたくさんのことが制限されましたよね。人と会うことや同じ場所を共有する喜び。そういった物理的なものを制限された反動もあって収穫をテーマにしたんですか？ 堀川　どうだろうな。もっと精神的なことだな。収穫とは、精神的な実りだよね。 SERIZAWA　なるほど。STAY HOME中って考える時間が多かった分、精神的な収穫はたくさんありましたよね。当たり前にあったものの尊さへの気づきだけではなく、これまでの価値観をひっくり返すような、ニューライフスタイルへの気づきというか。 堀川　そうだね。そういう意味でSTAY HOMEは良かったと思うよ。この期間中、大切なものに気づいた人は結構いると思う。俺にとっては、それが“精神の解放”だった。人生において、精神を解放するということがどれだけ大切なことかがわかった。15年前に訪れたチベットと8年前にスリランカに行った時にも似たような“開いた”感覚があったんだ。でも、東京に帰ってきて忙しい日々に追われる中で忘れちゃって、それで鬱病になって。でも今回のコロナで確信に変わったから、俺は絶対に忘れない。それもあって、住居を海の方に移すことにしたよ。俺は、それが最先端でファッショナブルな行動だと思ってる。

SERIZAWA　自分のライフスタイルをデザインするというか。この気づきを元に、自分の考え方やライフを変えられるように行動できるかが重要ということですよね？ 堀川　そうだね。それこそいま出てるコレクション［DUKKHA；］（FALL-WINTER 2020 COLLECTION）は、精神の解放を目指して作ったけど、いま思えばあの時はまだ解放できてなかったな。 SERIZAWA　環境を変えることが自分を変える近道だったりしますよね。僕自身旅をすることで得た音楽的なインプットが今の自分に大きな影響を与えてると思います。 堀川　それこそモロッコから帰ってきて、その時の気づきで作ったコレクションが［sefiroth；］だった。トライバルなアフリカン呪術をイメージした。瞑想的というか、儀式的って方が正しいかな。リチュアルなイメージ。 SERIZAWA　「JULIUS」の中でもすごく好きなコレクションです。僕も逗子とか鎌倉や葉山に引っ越したいと思ってます。あの辺ってマインドフルネスを追求してる人が多いですよね。 堀川　うん。マインドフルネスの聖地。あんまり人に言ってないんだけど。俺もここ2年間くらいよく瞑想するようになったから。特に、その影響がこの春のコレクション［Afangar；］（SPRING-SUMMER 2020 COLLECTION）に色濃く出てる。

SERIZAWA　今回のプレイリストについて詳しく教えてください。 堀川　［Afangar；］のPVの曲をやってくれたコリー・フラー（COREY FULLER）が、コロナウィルスで亡くなった方への追悼の意を込めて作曲した“Da pacem Domine”って曲があって、この曲を軸にプレイリストを作ったんだ。このタイトルがクラシック用語で「レクイエム」という意味で、結構悲しい曲なんだけど、このヒストリカルな曲を最後に持ってきて、他は空間を埋めるような粒子っぽい感じで並べた。他の曲もコロナ中にずっと聞いてた曲。イメージとしては、体に浸透していくようなテクスチャの滝から溢れ出るイオンみたいな。 SERIZAWA　最後の質問なんですけど、いまwithコロナ時代に達郎さんが表現したいクリエイティブってなんですか？ 堀川　サイバーパンクだよ。ブレードランナーとか世紀末的な。そこに精神的なスピリチュアルな要素を加えていきたい。サイバーパンクとスピリチュアルはミックスしないんだろうけど、対比してるからオレが成り立ってる。「JULIUS」が、俺の表現自体がずっとそうやってきたから。

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2017年４月から東京にて音楽活動をスタート。 都会的でスモーキーなテクノに珠 鈴のメロディアスで透明感たっぷりのボーカルが特徴的。 サウンドはCity Your CityのTeppei Kitanoが担当している。 2019年5月29日には初のEPとなる『光の中を泳ぐ』をリリース。 等身大の10代が抱える悩みや世の中の疑問など、リアルに書いたリリックが同世代にじわじわと広がりつつある。

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NAOKI SERIZAWA（以下 SERIZAWA）　この連載では、自分らしい表現を追求するアーティストが考える、ウィズコロナ時代のクリエイティブについて話を聞いていて、健ちゃん（永島健志）には絶対に出て欲しいと思ってた。 永島健志（以下、永島）　今回、誘ってもらったのは本当に嬉しかった。ミクスチャーって俺らの世代にはあったと思うんだけど、音楽だったりストリートだったりが交わって、それがリアルにカルチャーとしてミックスしていく時代。音楽やレストランがクロスオーバーしていくきっかけに直樹くんと俺がなれたらすげー良い一歩だなって思ってる。 SERIZAWA　そもそも俺たちが初めてコラボしたのがGoogle Pixelの企画で、賢ちゃん（小橋賢児）がプロデュースした「都会のキャンプ」をテーマにしたルーフトップのディナーイベント。レストラン81で前衛的なコースを提供してきたシェフ・永島健志が、キャンプ飯をテーマにカジュアルダウンしたコースを提供する。そこにNo.501がナチュールをペアリングして、俺は音楽を担当させてもらったんだ。あの時に最高にクールだと思ったのが、ポトフをサーブした後に『このポトフを半分食べたら、このカプセルをお皿に入れてください』って言って、実際にそのカプセルを入れたらポトフがカレーに早変わりするという。 永島　エクスペリエンスだよね。今回は、プレイリストを作って欲しいってことで、やってみたけどすごい難しいね。でも考え方は料理と一緒だった。最後の最後に思ったのが結局オレ達はエクスペリエンス屋なんだなと。「こと」や「体験」を売っている。 SERIZAWA　それこそレストラン81のスタイルだよね。料理が美味しいのは当然、サーブされる一皿一皿のアイディアが独創的で、驚きとユーモアに溢れてる。それらをコースとして出す順番にもストーリーがあって、この洗練された空間全体で魅せるショーを体験してるような感じ。

SERIZAWA　ところで、緊急事態宣言中はどのように過ごしてた？ 永島　本当に音を立てて何かが崩れるような。はい、ゲームチェンジだよって言われてるようにすら感じたよね。その時に考えたのは、もちろん自分のビジネスのこと、家族のこと、世の中のこと、世界のこと。そのバランスを取ることを意識していて、その先にあったのは、どうやって生きていこうかな？　っていう、自分の「生き方」や「在り方」についてだった。 SERIZAWA　すごくわかるよ。 永島　「これからどうすんの？」っていうのを迷っているというより「俺たちって何？」ってことをずっと考えてた。緊急事態宣言下で外出の自粛も叫ばれ始めて、店も休業せざるを得なくなった時「俺らは世の中にとって必要だったのか？　そうじゃないエゴの押し付けだったのか？」とか、そんな事ばかりを考えてる時間だった。 SERIZAWA　緊急事態宣言中に、SNSで『食の意義を見つめ直した時、ぼくらの想いはシンプルだった』と言ってハンバーガーを提供したじゃない？　これまで敷居も高かったレストラン81が純粋に料理を届けたいってことなのか、その言葉がすごく胸に響いたんだよね。 永島　仲間とみんなで集まることができないなかで、落ち込んだり、寂しかったりしても、食事っていうのは人を前向きにできるから。腹が減っては戦はできぬじゃないけど、とにかく食おうぜみたいな。で、俺たちは、レストランができなくて何ができるんだ？　って考えた時に、「美味いものを作ろう」だったんだよね。こうやって時間決めて、エンターテイメントにこだわって、ショーを提供するのが難しいなら、シンプルに俺たちの大好きなハンバーガーを届けようって。散々、非日常を届けてきたんだけど、いま必要なのは背伸びした非日常ではないって思ったんだよね。

SERIZAWA　緊急事態宣言中は同じ空間を共有する喜びを分かち合うのが困難になった。みんなでレストランで美味しいご飯を頬張りながら会話を楽しむことや、クラブで集まって爆音を浴びながら踊ってお酒を交わしながら語ることとか。どちらも、好きなもの、好きな時間を共有して、リアルに人と繋がることが大切だったけど、そういうことができなかった。コロナ禍で価値観がひっくり返るようなことが起きた今、レストラン81として、永島健志が表現したいクリエイティブってなに？ 永島　俺たちは、レストラン81という箱を作って、そこにお客さんを招いて非日常を創ることに命をかけてきた。これからは、もしかしたらそれとは別の箱を作ってお客さんに届けなくていけないのかもしれない。コンセプトやストーリーの届け方を意識した、家の中でできること。常に「日常にプラスα」できるものを創っていけるチームでありたいとみんなで話をしてる。今まさに産むのに苦労してるよ。 SERIZAWA　もっと詳しく聞かせてくれる？ 永島　このレストランを産んだのは俺だけど、レストラン自体はチームのみんなで創ってる。カウンターの向こう側にお客さんが座ってて、そのインサイドとアウトサイドのボーダーが崩れていったら面白いレストランができるなってイメージ。 SERIZAWA　なんかフェスみたいだね。オーガナイザーとDJとオーディエンスの関係に似てる。 永島　そうそう。千利休が数百年前に「一座建立」「主客一体」と言ってるんだけど、茶の湯の世界で、ゲストもホストもないという意味で。それをコンテンポラリーにやれるかどうかが、次の81のテーマだったりする。俺たちは毎日パーティをやってる感覚。みんなで一緒に創っていくスタイルっていうのが、今俺がやりたいことかな。

SERIZAWA　本当にたくさんのことが変わったよね。 永島　うん。世の中が変わったから俺たちも変わるしかない。全ては相対なんだなって考えてたよ。そして時間軸を意識するようになった。俺たちが生きてる地球。例えるなら宇宙船地球号なわけですよ。その乗組員が、人間も動物も含めてみんな乗ってるでしょ？　じゃあ、その船の行き先っていうのはどこに向かってるのかな？　それは場所ではなく、未来なんだよ。そこには時間の概念が加わり、物事の考え方が平面から立体になり、四次元になる。その上で新しいルールを作っていこうよ。 SERIZAWA　僕たち地球に住む全ての生命体の行動で未来が変わってくるわけであって、コロナがあった未来となかった未来では進む方向が100％違っていたはず。大人数の人がコロナ禍をきっかけに立ち止まり、自分の在り方、社会とのつながり、未来について考え、本質を求めてきた。 永島　だから今、大事なものは何かを見つめ直し、その大事なものを次の世代に残す。今はその大事なものを決める段階。それが新しいルールであり、ニューノーマル。ニューノーマルって言葉はあるけど、中身はまだはっきりわからないじゃん？　歴史的に見ても稀有なタイミングだよね。もう、何かにアゲインストするんじゃなくて、政治とかも含めて、みんなでこの後どう楽しむ？　新時代くるじゃん？　って考えていかなくてはならない。みんな意識変えようよ。自分の人生を大事にしよう。それは子供たちの人生を大事にすることであり、未来を大事にすることだから。みんな今こそ変わる時だよって。

SERIZAWA　最後にプレイリストのテーマを教えてください。 永島　テーマは、シンプルにフェス。いま自分が一番欲しいもの。一体感、グルーヴ、コミュニティー、サバイブ、キャンプ。そういうものを全部含めて仮想フェスみたいなラインナップで作ってみた。10代の頃好きだったミクスチャーだったり、ハイスタみたいなロックだったり、音楽の道で頑張ってる友達の曲もたくさん入れた。若い頃から好きだったものや思い出も含めた、自分自身のメモリアルみたいなプレイリストになってます。

駐日アイスランド大使館で無料ライヴ この日のことはよく覚えているよ。たくさんの素敵な人たちと出会い、とても楽しい時間を過ごした。特に柔道の世界チャンピオンだって言う人に会ったことが印象的だった。彼はすごくクールでね。この日はすごい雪が降っていて、大使館に行く道中にも写真を撮ったんだけど、日本の雪はすごく柔らかくて、ゆっくり舞い落ちてくるので口でキャッチするのが簡単だった。実は大使館のロビーで雪まみれになって撮った写真もあるんだよね。

焼肉 この来日以来、焼肉に行くことが最も好きなことの一つになったんだ。日本に来る際にはいつも同じ焼肉店に行くんだけど、そこは店内で喫煙ができるんだよね。すごく僕にとっては驚きだったんだけど、当時は多くのメンバーが喫煙していたから嬉しかったよ。今ではもう何年も吸ってないから、次来店した時はどう感じるのか、ちょっとわからないけど。

フクロウカフェ訪問 この経験はよく覚えているよ。大体ツアーに出てる時って毎日同じことの繰り返しだから、この様にドライブしてフクロウカフェに行けたのはすごく新鮮で嬉しかった。僕を含むアイスランド人メンバー全員にとって初めての体験だったので、全てのことを吸収して帰ろうとしたよ。色んな色やサイズのフクロウがいて、コーヒーを飲みながら抱っこしたりできるんだ。とりわけ記憶に残っているのが、ドラマーのヘルギが気に入ったフクロウがいたんだけど、その子が彼の頭の上に座って、帽子の上に糞をしてみんなで大爆笑したことだね。

縁日体験 これはどこかで行なわれていたお祭りのようなもので、すごく天気の良い日で気持ち良かったのを覚えているよ。手で金魚をすくうなんていう初めての経験をたくさんしたんだ。

東京公演前の楽屋での様子 出番の前にシャツにアイロンをかけているのかな。きっと初の東京公演前ですごく緊張していたんじゃないかな。あの時ステージのセットアップを手伝ってくれた人たちが、これまで出会った中でもすごくプロフェッショナルだったのを記憶している。すごくきっちりしていて的確なんだ。でもそれってほとんどの日本人の特徴でもあるんだよね。

音楽機材ショッピング これは何度か訪れたお店で、僕らが大好きなヴィンテージのシンセサイザーのコレクションが豊富なんだ。確か愛用しているRoland SH2もここで買ったんじゃなかったかな？

日本のファッション誌用の撮影風景 これはファッション誌用の撮影で、メイクさんやクルーなどすごくたくさんのプロの方々に囲まれた現場だったのを覚えている。確か来日したてで睡眠不足だったんじゃないかな。でもこの水を使った撮影のアイディアはすごく気に入ったんだ。

桜 桜が満開の最高の季節での来日は素晴らしかったよ。これまで見た事がないぐらいすごくカラフルだった。

寿司 日本にいる時は基本的に寿司を食べている。日本人は毎日寿司を食べることはしないんだって？ でも僕たちは毎日食べる。普段寿司を食べないメンバーでさえ、日本にいる時は毎日寿司を食べるんだ。

出番前の楽屋 出演時間までこのホテルの楽屋で過ごしたんだ。素敵な景色とケータリングのスナックが印象的だった。

フジロックフェスティバル会場 確かインタビューと写真撮影で自然の中を散歩したんだけど、すごくキレイだったよ。

ハリネズミカフェ コーヒーを飲みながらハリネズミを触るなんて、初めての体験だったね。今後の人生でもそうできる経験じゃないと思うけど、すごく面白かったよ。

これは日本のツアー会場で実施した宝探し企画。世界に一つしかないレコードが会場のどこかに隠されていて、それを見事探し当てた勝者との記念撮影。みんなのハッピーな顔を見られて楽しかったよ。これまで僕の音楽をサポートしてくれた人達とあの瞬間を共有できたのは素晴らしかった。

自宅近くの林の中へガールフレンドと出かけた際に、友達が貸してくれたすごく良いカメラを持っていってこの写真を撮影したんだ。

Comment by Ásgeir